Desaparecidos En Combate: ¿dónde están las estrellas del nuevo Hollywood?

DESAPARECIDOS EN COMBATE ¿Dónde están las estrellas del nuevo Hollywood?

DESAPARECIDOS EN COMBATE ¿Dónde están las estrellas del nuevo Hollywood?

MIGUEL ÁNGEL PRIETO

T&B EDITORES Barquillo 15A 28004 Madrid (España) Tfno: 91 523 27 04 www.cinemitos.com/tbeditores

Diseño de la portada Carlos Laguna Ilustraciones Archivo T&B Editores

1ª Edición Mayo 2004

© Miguel Ángel Prieto, 2004 © T&B Editores, 2004

Todos los derechos reservados. Queda rigurosamente prohibida, sin autorización escrita de los titulares del copyright, bajo las sanciones establecidas en las leyes, la reproducción total o parcial de esta obra por cualquier medio o procedimiento, comprendidos la reprografía y el tratamiento informáticos.

ISBN: 84-95602-67-9 Depósito legal: M-18659-2004 Impresión: Eurocolor S.A. Impreso en España - Printed in Spain

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ÍNDICE

PRÓLOGO INTRODUCCIÓN Treinta años no son nada GALERÍA DE ESTRELLAS ESTRELLADAS ALDA, Alan—ARQUETTE, Rosanna BEALS, Jennifer—BURSTYN, Ellen CHAMBERLAIN, Richard—CULKIN, Macaulay DALTON, Timothy—DUNAWAY, Faye ESTEVEZ, Emilio FARROW, Mia—FURLONG, Edward GERTZ, Jami—GUTTENBERG, Steve HALL, Anthony Michael—HUTTON, Timothy IRVING, Amy JACKSON, Glenda—JONES, Grace KATT, William—KRISTOFFERSON, Kris LAMAS, Lorenzo—LOWE, Rob MACCHIO, Ralph—MOORE, Demi NELSON, Judd—NORRIS, Chuck O´DONNELL, Chris—ORMOND, Julia PARÉ, Michael—PRYOR, Richard QUINN, Aidan REYNOLDS, Burt—ROURKE, Mickey SCHEIDER, Roy—SWAYZE, Patrick THOMAS, Philip Michael—TURNER, Kathleen VAN DIEN, Casper—VOIGHT, Jon WILDER, Gene—WINGER, Debra YORK, Michael—YOUNG, Sean ZANE, Billy

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Para la capitana del “Tangata Manu”, que vuela como un pájaro buscando una tierra donde vivir en libertad. Y para Ethan, el orgullo de su tío debutante.

Paul Michael Glaser

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¿CUALQUIER TIEMPO PASADO FUE MEJOR?

Las mejores ideas -que se lo digan a Hemingway o a Bukowski- suelen llegar cuando uno está acodado en la barra de un bar, charlando animadamente con los amigos, y aún se mantiene el nivel de consciencia suficiente para sostener una conversación coherente antes de acabar cayendo en los dos temas recurrentes de siempre: el fútbol y las mujeres. Que levante la mano el que, entre cerveza y cerveza, no se haya preguntado alguna vez en voz alta: “Mira que estaba buena Farrah Fawcett. ¿Qué habrá sido de ella?”. O, “Qué chulos eran Starsky y Hutch. ¿Por dónde andarán?”. O incluso, “¿Qué demonios habrá pasado con el chaval de Karate Kid?”. Fue durante una de esas conversaciones etílico-filosóficas cuando se me encendió la bombilla: ¿Por qué no intentar responder a estas y otras disquisiciones metafísicas en un libro que desvele dónde están hoy aquellos ídolos de nuestra infancia y acnéica adolescencia? Desde esa perspectiva, éste es un libro total y premeditadamente subjetivo. Es (creo) el libro que escribiría cualquier treintañero cinéfago y teleadicto -y haberlos, haylos, se lo aseguro- que haya desperdiciado dos terceras partes de su vida en programas dobles de cine de barrio, quemándose las retinas ante la caja tonta y dejándose su escasa asignación semanal en el alquiler de casposas películas en formato Betamax en el videoclub de la esquina. Esa es la razón por la que en este diccionario sólo se incluyen actores y actrices de los años 70

en adelante. Está concebido por y para los que nacimos entre el Mayo del 68 francés y la primera crisis del petróleo. Nuestra generación disfrutó de unos referentes culturales únicos e intransferibles que no pueden comprender/compartir nuestros padres ni hermanos pequeños. Porque, ¿cómo explicarle a un imberbe que alucina con la estúpida El ataque de los clones la mágica experiencia de haber asistido al estreno de La guerra de las galaxias en 1977 pertrechado con un enorme bocata de Nocilla? En cuanto a la televisión, mejor ni hablamos... Los que vivimos el boom de las teleseries en los 70 no alcanzamos a entender cómo es posible que en la actualidad el nivel haya podido bajar tantísimo. Hoy hay más canales que nunca, pero la oferta televisiva es para echarse a llorar. Series míticas como Starsky & Hutch, Los ángeles de Charlie o Los hombres de Harrelson nos ofrecían cada semana grandes dosis de acción, humor y suspense, algo que ahora se ha perdido por completo. Las lamentables teleseries que triunfan hoy -salvo honrosas excepciones- no aguantan la menor comparación frente a los grandes clásicos del pasado. ¿Dónde fueron a parar aquellos ídolos juveniles de las deliciosas comedias románticas de los 80? ¿Por qué treinta y cinco años después de Easy Rider Jack Nicholson es una superestrella y nadie se acuerda de Peter Fonda? ¿Por qué Kim Basinger ha logrado reconvertirse en una actriz respetada, mientras que Kelly LeBrock -que para

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Ryan O´Neal

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mi gusto estaba mucho más buena- desapareció tan rápido como había llegado? ¿Qué ha sido del compañero negro de Don Johnson en Corrupción en Miami? ¿Se metió realmente a cura Richard Chamberlain después de El pájaro espino? ¿Cómo es posible que Mickey Rourke destrozase su carrera tan rápidamente? ¿Dónde están todos aquellos “nuevos talentos” surgidos de Sensación de vivir? Este diccionario intentará desvelar algunas de estas dudas existenciales, pero ante todo pretende ser un homenaje, unas veces rendido, otras inevitablemente irónico, a más de un centenar de figuras que han hecho historia en la gran y la pequeña pantalla durante las tres últimas décadas. En las siguientes páginas, el lector encontrará historias de lo más variopinto: flores de un día que se marchitaron tras un primer y único éxito; antiguas estrellas que hoy siguen trabajando activamente, aunque lejos ya del status que tuvieron en su mejor época; astros que después de atravesar alguna debacle personal han remontado el vuelo y aspiran a recuperar el fulgor de antaño... La memoria selectiva no entiende de edades, premios, salarios ni respetabilidad crítica; por lo cual, sin ningún asomo de vergüenza ni sentimiento de culpa, he mezclado alegremente a Sally Field y Pamela Anderson, Richard Dreyfuss y Lorenzo Lamas, Jessica Lange y Bo Derek, Jon Voight y Luke Perry... Alguien podrá considerar este modus operandi como un completo sacrilegio, una ofensa para los actores “de prestigio”, pero a fin de cuentas, ¿no forman parte todos ellos de nuestro imaginario colectivo? Cada entrada del diccionario, ordenada cronológicamente, está dividida en tres subapartados (más una filmografía esencial) que pretenden facilitar las cosas al lector despistado. El epígrafe llamado “Aquellos maravillosos años” describe someramente los inicios y evolución de cada estrella hasta llegar al cénit de su carrera;

momento en el que saltamos a “El crepúsculo de los ídolos”, que narra el ocaso, la retirada o, simplemente, el momento en que dejó de estar en primera línea; por último, “¿Quién sabe dónde?” pretende arrojar algo de luz sobre el paradero actual de cada protagonista: algunos siguen en el ojo público, otros no han dejado de trabajar aunque nadie parezca haberse dado cuenta, y otros simplemente abandonaron el cine y ahora se dedican a otros menesteres para pagar el alquiler a fin de mes. Como decía en las primeras líneas, éste es un libro completa y conscientemente subjetivo, y por tanto, el lector puede estar en total o parcial desacuerdo con los nombres que aquí aparecen y/o con los criterios empleados para su selección. Es seguro que se echarán a faltar muchos nombres (yo también; mi lista inicial superaba los 300 candidatos, pero el espacio manda), y alguien incluso puede ofenderse al encontrar a su actor favorito en estas páginas... Pero precisamente ése es mi objetivo. Que ésta fuese, por así decirlo, una obra interactiva y que usted, amigo lector, tirase de memoria y confeccionase su propia lista con los ídolos de juventud a los que eche de menos (y si, ya de paso, tuviese la amabilidad de enviármela, me simplificaría el trabajo de cara a una posible continuación). Yo he sido el primero en sorprenderme, divertirme y, en ocasiones, sentir cierta congoja al descubrir el paradero de algunos de mis antiguos héroes. Mi mayor aspiración es que usted experimente las mismas sensaciones... Así que, ya sabe: prepárese un bocadillo de Nocilla bien cargado, sírvase una Mirinda muy fría, pinche una vez más la banda sonora de Flashdance (en su defecto, Xanadú o Grease dan el mismo resultado) y disfrute de este trayecto en el túnel del tiempo a lo largo de tres décadas de cine, televisión, música e inocencia juvenil. ¡Buen Viaje!

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Demi Moore

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30 AÑOS NO SON NADA

LOS ‘70 DE LAS MALAS CALLES A LA PISTA DE BAILE La década de los 70 fue al cine americano lo que los últimos años 50 y los primeros 60 supusieron para la cinematografía europea: un espejo de aumento de los cambios que comenzaban a producirse en el seno de la sociedad. El público también había cambiado: quienes llenaban ahora las salas eran los jóvenes herederos del flower power y el “Verano del Amor”, que daban la espalda a las viejas fórmulas y exigían una radicalización de formas y contenidos que caracterizaría gran parte de la producción yanqui en estos años. El inesperado éxito de Easy Rider en 1969 había demostrado que estaba naciendo una nueva cultura y que los tiempos de las grandes producciones de estudio estaban tocando a su fin. Durante los 70 proliferaron en Hollywood las películas de bajo presupuesto, con actores poco conocidos pero que trataban temas de interés para una juventud inconformista que, incapaz de reconocerse en el cine de sus padres, querían ver reflejadas sus propias experiencias. El renacimiento del cine americano en esta década estuvo encabezado por un grupo de directores rebeldes que firmaron películas testimoniales de los cambios sociales de la época. Quizás el ejemplo paradigmático de cineasta

independiente de los 70 sea Robert Altman, consagrado con títulos como M.A.S.H., Tres mujeres, Nashville... y que aún hoy, a punto de convertirse en octogenario, sigue siendo un grano en el trasero de los estudios. Otra poderosa voz en esos días fue la de Hal Ashby, autor de piezas del calado de El último deber, Esta tierra es mi tierra, El regreso y Bienvenido, Mister Chance. No menos crítico es el punto de vista de Bob Rafelson en sus desencantadas Mi vida es mi vida y The King of Marvin Gardens. Y tampoco podemos olvidarnos de nombres como Alan J. Pakula (Klute, Todos los hombres del presidente), Sydney Pollack (Danzad, danzad, malditos, Los tres días del cóndor), Paul Mazursky (Bob, Carol, Ted y Alice) y Terrence Malick, que pese a dirigir sólo dos películas -Malas tierras y Días del cielo- también contribuyó decisivamente al tono reivindicativo que caracterizó al cine americano de la época. Paralelamente, llega a Hollywood una nueva generación de directores procedentes de las escuelas de cine. Gracias a su formación universitaria, estos jóvenes -Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Steven Spielberg, George Lucas, Brian De Palma, Michael Cimino- poseían unos vastos conocimientos sobre cine clásico americano y europeo, que en lo sucesivo marcaría en cierta medida las producciones de Hollywood. Lógicamente, las nuevas formas y los nuevos contenidos necesitaban también de rostros frescos. Es así como una serie de actores que no se

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La guerra de las galaxias

amoldan en absoluto al estereotipo de galán predominante en las décadas anteriores se ven lanzados al estrellato. Actores versátiles con los que el público puede identificarse fácilmente y que ya no se ven obligados a interpretar una y otra vez los mismos papeles. Estamos hablando de Robert De Niro, Al Pacino, Jack Nicholson, Dustin Hoffman, Elliot Gould, Donald Sutherland, Gene Hackman, Richard Dreyfuss... George Lucas y su amigo y asociado Steven Spielberg están llamados a ser las dos figuras clave en el renacer del idilio entre Hollywood y el público masivo gracias a sus epopeyas fantacientíficas. Con La guerra de las galaxias (1977) y Tiburón (1975), respectivamente, Lucas y Spielberg inventaron el concepto de blockbuster veraniego que sigue imperando en nuestros días, y desarrollaron los mecanismos de merchandising a gran escala que tantos millones haría ganar a la industria en los años venideros. Sin ellos dos, es muy posible que no existiese el cine fantástico tal y como hoy lo conocemos. En los 70, el cine erótico comienza a abrirse camino en el mercado mainstream. El erotismo en

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esta década se divide entre las películas “serias” firmadas por directores prestigiosos, y los productos comerciales -cercanos a la pura exploitationdestinados al consumo mayoritario. Entre las primeras, podemos citar títulos como El último tango en París, de Bernardo Bertolucci; El imperio de los sentidos, del japonés Nagisa Oshima; y Portero de noche, de Liliana Cavani. Entre los segundos, la saga de Emmanuelle, que convirtió en efímera sex symbol a la lúbrica Sylvia Kristel, y las cintas de serie B del infatigable Russ Meyer. También el cine porno intentó salir de las catacumbas del underground, y títulos como Garganta profunda, Tras la puerta verde y El diablo en la señorita Jones llegaron a los canales de arte y ensayo. La década de los 70 comenzó con la separación de The Beatles en 1970 y finalizó oficialmente el 8 de diciembre de 1980 con el asesinato de John Lennon a manos de un fan desequilibrado. En el verano de 1977, el mismo en que Elvis Presley, el Rey del Rock, fallece en el baño de su mansión de Graceland, John Travolta es coronado monarca de la Disco Music. Fiebre del sábado noche es mucho más que una película, se

convierte en un fenómeno sociológico. De repente, todo el mundo quiere bailar y el globo terráqueo se transforma en una gran bola de espejos que gira bajo los acordes de los Bee Gees, Boney M, Village People y Donna Summer. Travolta repitió éxito al año siguiente con la nostálgica Grease, antes de caer en la primera de sus muchas crisis profesionales. En 1979, el cáncer vence definitivamente a John Wayne, el gran cowboy de las películas de John Ford y Howard Hawks, uno de los últimos iconos de la Era Dorada de Hollywood. Ese mismo año, Francis Coppola dice la última palabra sobre la guerra de Vietnam en Apocalipsis Now, y el mundo del showbiz se prepara para entrar en una nueva década en la que nada iba a ser lo mismo.

‘HIGHLIGHTS’ DE LOS ‘70 George C. Scott rechaza el Oscar al Mejor Actor por Patton • Robert Altman se consagra con la sátira antibelicista M.A.S.H. • Mueren Jimi Hendrix y Janis Joplin. Stanley Kubrick provoca una gran polémica internacional con La naranja mecánica • Charles Chaplin retorna a Hollywood por primera vez en tres décadas para recoger un Oscar Honorífico • Jim Morrison fallece de un ataque al corazón en París. Cabaret gana ocho Oscar y consagra a Liza Minnelli • En esa misma ceremonia, Marlon Brando envía a una actriz disfrazada de india a recoger su premio por El Padrino. Malas calles da a conocer a Martin Scorsese y Robert De Niro, marcando el inicio de una larga y fructífera colaboración • Muere Bruce Lee, el rey de las artes marciales. Las extrañas circunstancias de su deceso desatan un millón de especulaciones • También perdemos a Veronica Lake, Edward G. Robinson y John Ford • George Lucas se revela con la deliciosa nostalgia de American Graffiti • El exorcista lleva por primera vez el gore a las masas. Con El Padrino II, Coppola consigue lo imposible: una secuela superior al original, premiada con seis Oscar • Terremoto es la primera película en exhibir el entrañable Sensurround • La matanza de Texas convierte en

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icono juvenil a Leatherface, el asesino de la sierra eléctrica. Alguien voló sobre el nido del cuco es una de las películas más emblemáticas de la década y le da a Jack Nicholson su primer Oscar • Tiburón se convierte en el film más taquillero de todos los tiempos y crea una psicosis masiva entre los bañistas de todo el mun do • Se estrena The Rocky Horror Picture Show, la cult movie definitiva • Llega a la TV americana la pareja de polis más chulos y carismáticos de la historia, Starsky & Hutch. Martin Scorsese y Robert De Niro se consagran con Taxi Driver • Peter Finch gana el primer Oscar póstumo de la historia por Network, un mundo implacable • Sylvester Stallone se da a conocer en la piel del boxeador Rocky Balboa • Los ángeles de Charlie convierte a Farrah Fawcett en un sex symbol de la noche a la mañana • Los Teleñecos inician su longevo reinado televisivo. La guerra de las galaxias bate todos los records de recaudación y cambia la historia del cine de ciencia-ficción • Mueren dos de los mayores genios de la comedia, Charles Chaplin y Groucho Marx • Adiós también al Rey del Rock, Elvis Presley • Fiebre del sábado noche es un fenómeno social y lanza al estrellato a John Travolta • Woody Allen rueda su obra maestra, Annie Hall, ganadora de cuatro Oscar. Dos películas muy críticas con la guerra de Vietnam, El regreso y El cazador, triunfan en los Oscar • El expreso de medianoche hace que nos lo pensemos dos veces antes de ir de vacaciones a Turquía • Grease confirma a John Travolta como rey del baile cinematográfico y convierte en estrella a la virginal Olivia Newton-John. Coppola plasma todo el sinsentido de la guerra de Vietnam en la magistral Apocalipsis Now • La lacrimógena Kramer contra Kramer arrasa en los Oscar • Muere John Wayne, el último gran cowboy • Monty Phyton irritan a los fundamentalistas católicos con su hilarante La vida de Brian • Ridley Scott y H.R. Giger presentan en sociedad al terrorífico depredador espacial de Alien • Sid Vicious, el gran mártir del punk, muere a causa de una sobredosis.

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LOS ‘80 DEL BRAT PACK AL HIGH CONCEPT En los 80, los coches comenzaron a volverse japoneses y el sexo se convirtió en una actividad de riesgo que podía matarte. Pero también fue la década en que podías entrar en un videoclub y elegir entre los formatos Betamax y VHS; la de los primeros ordenadores personales; la del infernal Cubo de Rubik; la década en que casi nos rompimos el cuello intentando bailar breakdance. También llegó el compact disc, que sonaba mejor que el vinilo pero no era tan bonito. Pensándolo bien, el que los CD’s pareciesen espejos de maquillaje no podía ser una simple casualidad, sino un símbolo del narcisismo y la vacuidad que definieron una época. Los 80 fueron los años del hedonismo salvaje y el culto al cuerpo; los años de la cultura del “pelotazo” y el éxito como única religión; los años en que Jane Fonda dejó el cine para protagonizar vídeos de aerobic, y Corrupción en Miami marcaba la tendencia estética a seguir; la era en que nació la MTV y los grupos dejaron la música en segundo plano para dedicar toda su atención a su vestuario y sus peinados. Los 80 fueron la década de los fashion victims, de los yuppies brutalmente satirizados por Tom Wolfe y Bret Easton Ellis en las magistrales La hoguera de las vanidades y American Psycho, respectivamente. Lógicamente, el cine no podía escapar al signo de los tiempos. Los estudios de Hollywood cayeron en manos de las grandes multinacionales y los veteranos magnates de antaño fueron sustituídos por jóvenes ejecutivos expertos en balances financieros, pero sin puñetera idea de cómo hacer una película. En el nuevo Hollywood de los 80 no hay lugar para la originalidad y la experimentación, nadie quiere correr riesgos. Lo que los nuevos moguls cinematográficos buscan desesperadamente son éxitos comerciales. Es por esto que el recurso a las secuelas de las películas taquilleras se convierte a partir de los 80 en el símbolo de una industria cada vez más alejada del riesgo y la creatividad. Durante estos años se multiplican las continuaciones de Rocky, Indiana Jones, Rambo, Arma letal, La jungla de

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cristal, Robocop, Loca academia de policía, Pesadilla en Elm Street, Viernes 13, Halloween... La gran ventaja de esta fórmula es que puede aplicarse a cualquier género y presupuesto. Una variedad de esa tendencia a la repetición es la moda del remake, tanto de los viejos clásicos de Hollywood como de los grandes éxitos de las cinematografías foráneas, especialmente la francesa. A principios de la década, los productores Don Simpson y Jerry Bruckheimer “crearon” lo que se dio en llamar high concept, esto es, el tipo de película cuyo argumento cabe en un post-it (entre otras cosas, porque en los 80 ningún ejecutivo tenía tiempo para leer un guión) y cuyas coordenadas se resumen en cinco claves: gran presupuesto, apabullantes efectos especiales, música atronadora, asfixiante campaña de marketing y estrellas contratadas a precio de oro. Con esta base, Simpson & Bruckheimer lograron taquillazos como Flashdance, Superdetective en Hollywood y Top Gun, productos fabricados a la medida de una nueva generación de espectadores, cada vez más jóvenes y formados en el lenguaje visual del videoclip. El progresivo rejuvenecimiento del público que asistía a las salas de cine -un proceso que se había iniciado a finales de la década anterior con el estreno de La guerra de las galaxias- alcanzó su máxima expresión en los 80. Esta nueva audiencia exigía nuevos temas con los que identificarse, y es así como se produce el boom del cine adolescente, plataforma de lanzamiento para una generación de jóvenes estrellas llamadas a dominar la década. El productor, director y guionista John Hughes es el indiscutible rey de la comedia romántica juvenil de los 80. Películas como 16 velas, La chica de rosa, El club de los cinco o Todo en un día reflejaron la angustia adolescente del momento, cosecharon rotundos éxitos de taquilla, y lanzaron a un grupo de ídolos teen que la prensa se apresuró a bautizar como el brat pack o “atajo de mocosos” (en referencia al famoso rat pack de Frank Sinatra). Molly Ringwald, Emilio Estevez, Judd Nelson, Ally Sheedy o Andrew McCarthy se convirtieron en modelos estéticos y de comportamiento para millones de jóvenes de todo el mundo.

El veterano Francis Ford Coppola y sus adaptaciones de las novelas de Susan E. Hinton Rebeldes y La ley de la calle, fue el otro gran artífice del lanzamiento del brat pack. Por aquellas dos películas pasaron Tom Cruise, Rob Lowe, Patrick Swayze, Ralph Macchio, Diane Lane, Matt Dillon, Nicolas Cage... Algunos desarrollaron una trayectoria duradera y se convirtieron en grandes estrellas; otros observaron impotentes cómo su carrera se desvanecía a medida que la década avanzaba y el público no aceptaba su transición a la madurez. Angustiados por la imperiosa necesidad del éxito a cualquier precio, los estudios se fueron haciendo cada vez más dependientes de las estrellas, el único factor capaz de justificar una inversión multimillonaria en una película. Muy lejos quedaba ya el viejo sistema de estudios que rigió en Hollywood durante las décadas anteriores, cuando los actores eran simples asalariados atados por leoninos contratos multianuales. En los 80 el star system alcanzó más relevancia que nunca, y los caprichos de los grandes astros se convirtieron en ley. Para ser consecuentes con el ambiente de superficialidad general, en los 80 los ejecutivos no buscan actores capacitados, sino pin-ups que den bien en pantalla. Así, la nueva élite de Hollywood está compuesta por figuras de talento discutible como Richard Gere, Mel Gibson, Kevin Costner, Eddie Murphy, Bruce Willis... y por armarios roperos inexpresivos pero de músculos hipertrofiados como Arnold Schwarzenegger o Steven Seagal. Según se aproxima el final de la década, y como reacción a la vacuidad y el gigantismo imperantes en las grandes productoras, surge una nueva generación de cineastas inconformistas que reavivan la llama del cine independiente de los 70. A la cabeza de estos jóvenes talentos están los inclasificables hermanos Coen, autores de ejercicios de estilo como Sangre fácil, Arizona Baby y Muerte entre las flores. También merecen mención especial Steven Soderbergh (Sexo, mentiras y cintas de vídeo), Gus Van Sant (Drugstore Cowboy, Mi Idaho privado), Jim Jarmusch (Extraños en el paraíso, Bajo el peso de la ley), John McNaughton (Henry: retrato de un asesino), John Sayles (Eight Men Out), Sam Raimi (Posesión infernal)... Todos ellos comienzan su carrera de es-

Indiana Jones y el templo maldito dito

paldas a la industria establecida, para ser más adelante absorbidos por ella y, en muchos casos, masticados y escupidos por la gran maquinaria hollywoodiense.

‘HIGHLIGHTS’ DE LOS ‘80 Se estrena Toro salvaje, para muchos la mejor película de los 80 • Fama hace que miles de jóvenes corran a matricularse en academias de atres escénicas • Mueren Alfred Hitchcock y Steve McQueen •John Lennon es asesinado en Nueva York por un fan desequilibrado. John Hinckley dispara contra Ronald Reagan para llamar la atención de Jodie Foster • En busca del arca perdida despierta un nuevo interés por la arqueología • El canal musical MTV comienza sus emisones con el videoclip Video Killed the Radio Star • Natalie

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Wood se ahoga misteriosamente en la isla de Santa Catalina • También perdemos a Bob Marley, gran embajador mundial del reggae. E.T. llena de lágrimas las plateas de todo el mundo y de dólares los bolsillos de Steven Spielberg • Adiós a Henry Fonda, Grace Kelly, Ingrid Bergman y John Belushi • Ridley Scott presenta otra obra maestra de la ciencia-ficción, Blade Runner • Oficial y caballero convierte a Richard Gere en el nuevo sex symbol de Hollywood. George Lucas cierra su primera trilogía galáctica con El retorno del Jedi • Flashdance pone de moda los calentadores para las piernas y desata la fiebre por el aerobic • Vanessa Williams se convierte en la primera modelo de color elegida Miss América. Amadeus lleva a Mozart a lo más alto de las listas de éxitos • Todos los estudiantes de artes marciales intentan imitar el “golpe de la grulla”, popularizado por Ralph Macchio en Karate Kid • Fallecen Richard Burton y Johnny Weissmuller, el mejor Tarzán de la historia • Corrupción en Miami establece la terrorífica moda que marcará el resto de la década. La Academia de Hollywood humilla a Spielberg en los Oscar: El color púrpura, 11 nominaciones/0 premios • Michael J. Fox inicia sus viajes temporales en Regreso al futuro • Muere uno de los grandes genios de la historia del cine, Orson Welles • Rock Hudson es la primera estrella popular víctima del SIDA. Oliver Stone da su visión sobre Vietnam en Platoon • David Lynch rueda su obra maestra, Terciopelo azul • Adiós al gran gentleman del cine, Cary Grant • Top Gun convierte en superestrella a Tom Cruise. Atracción fatal hace que muchos hombres se lo piensen dos veces antes de echar una cana al aire • Bernardo Bertolucci triunfa en Hollywood con El último emperador • Mueren John Huston, Fred Astaire, Bob Fosse, Lee Marvin y Andy Warhol • Patrick Swayze se revela como heredero “bailongo” de John Travolta en Dirty Dancing. Rain Man convierte a Dustin Hoffman y Tom Cruise en improbables hermanos • Grupos de católicos radicales intentan boicotear La última tentación de Cristo • Mueren

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el rey del porno John Holmes y el legendario rockero Roy Orbison • ¿Quién engañó a Roger Rabbit? revoluciona el mundo de la animación. Tim Burton consigue que hasta los no aficionados al cómic llenen los cines para ver Batman • Spike Lee se da a conocer con Haz lo que debas • Fallecen dos leyendas del cine: Bette Davis y Laurence Olivier • Adiós también a una de las reinas de la pequeña pantalla, Lucille Ball • La pegatina de “Explicit Lyrics” comienza a adornar las portadas de los discos con contenidos políticamente incorrectos.

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LOS ‘90 DE LA GENERACIÓN X A LOS MUNDOS PARALELOS Como reacción al materialismo y la superficialidad que habían dominado la década anterior, los 90 comenzaron marcados por la introspección y el pesimismo existencial de una nueva generación que la prensa se apresuró a bautizar como “X”. Símbolo de las incógnitas que se cernían sobre una juventud desarraigada que rechazaba el pasado, odiaba el presente y desconocía el futuro. Esta generación perdida tenía su himno en la canción de Nirvana Smells Like Teen Spirit, y la lluviosa Seattle se convirtió en el epicentro de una revolución socio-estético-musical que volvió a poner de moda las camisas de franela y el suicidio como solución radical a todas las angustias puberescentes. Mientras, en el soleado Hollywood una nueva hornada de actores tomaba el relevo del defenestrado brat pack: los Johnny Depp, River Phoenix, Keanu Reeves, Winona Ryder, Brad Pitt, Juliette Lewis, Ethan Hawke, Uma Thurman... unían un look cuidadamente descuidado, cierta actitud indolente y sentimientos de culpabilidad por ser jóvenes, ricos y famosos. En el lapso de unos pocos meses entre 1993 y 1994, los dos gurús de la Generación X, Kurt Cobain y River Phoenix, estaban muertos. Dos cadáveres exquisitos que firmaron el acta de defunción de lo que en el fondo no resultó ser más -como siempre antes y después- que otra marca comercial que ya había dejado de resultar rentable. Vamos a por la siguiente...

Uma Thurman en Pulp Fiction

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Anthony Hopkins como Hannibal el caníbal

El boom del cine indie de finales de los 80 tuvo su prolongación a comienzos de los 90 con directores como Allison Anders (Estación de servicio), Alexandre Rockwell (En la sopa), Kevin Smith (Clerks), Tom DiCillo (Johnny Suede) o Robert Rodriguez (El mariachi). Y por encima de todos ellos, el último enfant terrible de la industria: Quentin Tarantino, que con su clamoroso debut en Reservoir Dogs se convirtió en el mejor ejemplo de director-estrella que se ha visto en los últimos tiempos. Su siguiente película, Pulp Fiction, está considerada por muchos como la mejor de la década; pero, paradójicamente, también hizo que la gente comenzara a cuestionarse dónde están los verdaderos límites entre el cine independiente y el de las majors. ¿Realmente puede llamarse independiente a una película respaldada por una filial de Disney y que tiene en su reparto a estrellas como John Travolta y Bruce Willis? En cierto modo, la influencia del cine supuestamente indie también llegó a los estudios, y los 90 fueron años de ciertos cambios en el Hollywood más “convencional”: con Philadelphia, una gran producción abordaba por primera vez el tema del SIDA; El silencio de los corderos se convertía, por fin, en el primer film de terror que ganaba el Oscar a la Mejor Película; y Thelma y Louise era la primera road movie protagonizada por mujeres.

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La inflación galopante siguió azotando a los grandes estudios. La primera consecuencia es que los costes de producción de las películas se fueron haciendo cada vez más astronómicos (en 1970 el presupuesto medio de un film de Hollywood era 4,5 millones de dólares; en 1995 se había disparado hasta 56 millones). Esta tendencia alcanzaría su máxima expresión en 1997 cuando dos majors tuvieron que asociarse para poder asumir los 200 millones de dólares de presupuesto -el más alto de la historia- de Titanic. Toda la industria estaba pendiente del destino de esta megaproducción, pues un fracaso comercial podía poner en peligro su propia estructura. Por fortuna, Titanic sería la película más taquillera de todos los tiempos, llevándose 11 Oscar de propina. Los ejecutivos de Hollywood podían respirar tranquilos. El colosal éxito de Titanic les daba carta blanca para seguir dilapidando millones en macroproducciones repletas de efectos especiales y en los escandalosamente elevados sueldos de las grandes estrellas. Tom Cruise, Schwarzenegger, Tom Hanks, Mel Gibson, Harrison Ford... saben que los estudios dependen cada vez en mayor medida de ellos para asegurar la inversión en una película. De ahí que su poder haya aumentado drásticamente en los últimos años. Hoy en día, la capacidad de decisión ya no pertenece al director del film, ni al productor, ni siquiera al jefe de la compañía, sino al astro de turno, el único que puede seguir arrastrando al público a las salas. Los espectaculares avances registrados en el campo de los efectos especiales hicieron que el fantástico fuese el género por excelencia en el Hollywood de los 90. Gracias al cada vez más importante papel que la informática juega en el proceso creativo, las películas han alcanzado un nivel de perfección difícilmente imaginable apenas diez años atrás. El mundo de la animación también se ha beneficiado de los avances informáticos, y los pixels están reemplazando al lápiz y el papel. Toy Story fue la primera película de animación de la historia generada completamente por ordenador, abriendo una senda a la que no tardaron en apuntarse sus competidores. Incluso el propio George Lucas aprovechó las últimas maravillas tecnológicas concebidas por su Industrial Light & Magic para resucitar su saga galáctica, acogida con división de opiniones por

los fieles de la trilogía original. Mientras, los hermanos Wachowski marcaban un antes y un después en la historia del cine de acción con los increíbles hallazgos visuales de Matrix, y Peter Jackson anunciaba ya en los albores del nuevo siglo el inicio del rodaje de El Señor de los Anillos, llamada a ser la trilogía definitiva para el tercer milenio. Gracias a Lucas, Spielberg y sus seguidores, Hollywood es hoy más que nunca la fábrica de sueños por excelencia.

‘HIGHLIGHTS’ DE LOS ‘90 Pretty Woman convierte en estrella a Julia Roberts • Ghost despierta una nueva pasión por la alfarería • Fallecen tres divas del Hollywood clásico: Greta Garbo, Barbara Stanwyck y Ava Gardner • David Lynch revoluciona el medio televisivo con Twin Peaks • Homer Simpson y familia inician su reinado catódico. El silencio de los corderos arrasa en los Oscar y deja un villano para la historia: el carismático Hannibal Lecter • Arnold Schwarzenegger cumple su amenaza y “vuelve” en Terminator 2 • Fallecen David Lean, Miles Davis y Freddie Mercury • David Hasselhoff crea la serie televisiva Los vigilantes de la playa, plataforma al estrellato de Pamela Anderson. Quentin Tarantino se da a conocer con Reservoir Dogs • Woody Allen confiesa que mantiene relaciones sexuales con su hija adoptiva Soon-Yi • Adiós a una de las últimas grandes divas de la pantalla: Marlene Dietrich • Sinead O’Connor rompe una foto del Papa en un programa de TV y se gana el odio de millones de católicos. La Academia se reconcilia con Spielberg y premia con 7 Oscar La lista de Schindler • El director también muestra su faceta más comercial en Parque Jurásico • Brandon Lee muere al sufrir un extraño accidente durante el rodaje de El Cuervo • También nos dejan River Phoenix, Vincent Price, Raymond Burr y Federico Fellini • Michael Jackson es acusado por primera vez de abuso de menores. Es el año de Forrest Gump. La frase “La vida es como una caja de bombones” ha quedado para la posteridad ci-

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nematográfica • Tarantino dirige la que para muchos es la mejor película de la década, Pulp Fiction • Oliver Stone vuelve a sembrar la polémica con su brutal Asesinos natos • Spielberg, Jeffrey Katzenberg y David Geffen fundan Dreamworks, el primer estudio que surge en Hollywood en décadas • El suicidio de Kurt Cobain supone el final de la era grunge. Mel Gibson se transforma en un rebelde escocés en Braveheart • Fallece Lana Turner • O.J. Simpson se convierte en una figura mediática tras su televisado juicio por asesinato. El paciente inglés sorprende a todos al alzarse con nueve Oscar •Los hemanos Coen vuelven a conquistar a la crítica con Fargo. James Cameron se autoproclama “Rey del mundo” mientras Titanic destroza todos los records de recaudación y se embolsa 11 Oscar • Full Monty hace que millones de parados se planteen una carrera alternativa como boys • Muere el americano más honesto y decente de la pantalla, James Stewart • Mi ke Tyson le arranca parte de la oreja de un mordisco a Evander Holyfield y manda definitivamente su carrera al carajo. Tras 20 años apartado del cine, Terrence Malick vuelve al trabajo con La delgada línea roja • Roberto Benigni se consagra internacionalmente gracias a La vida es bella • La música se queda sin “La Voz”. Muere Frank Sinatra • La TV americana muestra al médico Jack Kevorkian asistiendo a un enfermo terminal en su suicidio. Como consecuencia, el “Dr. Muerte” es condenado a 25 años de prisión. George Lucas estrena la primera entrega de su nueva trilogía galáctica, La amenaza fantasma, acogida con división de opiniones por los fans (¡Jar-Jar Binks debe morir!) • Matrix marca un punto de inflexión en la historia del cine de acción • El sexto sentido presenta el final más sorprendente y comentado de los últimos años • La cinta independiente El proyecto de la bruja de Blair aprovecha los recursos de Internet para generar una enorme expectación traducida en recaudaciones multimillonarias • Muere uno de los directores legendarios de Hollywood, Stanley Kubrick.

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Farrah Fawcett

GALERÍA DE ESTRELLAS ESTRELLADAS

Alan Alda

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A Alan ALDA [Alphonso Joseph D’Abruzzo] Nueva York, Nueva York (USA); 28/1/1936 Aquellos maravillosos años: Prototipo del hombre americano tolerante e inteligente de mediana edad, el hijo del actor Robert Alda creció rodeado de cómicos de vodevil, un aprendizaje que en su juventud le fue muy útil para sus trabajos con el grupo de improvisación cómica Second City de Chicago, y en el noticiario satírico That Was the Week that Was (1964). Su primera aparición cinematográfica de cierta relevancia fue Paper Lion, aunque el lanzamiento a la fama internacional le llegó gracias al personaje del indisciplinado, sarcástico y mujeriego cirujano Benjamin “Hawkeye” Pierce en la serie M.A.S.H. (inspirada en la película homónima de Robert Altman). Estrenada en 1972, en plena Guerra de Vietnam, M.A.S.H. sorprendió a crítica y espectadores por su marcado tono liberal y antibelicista, y aunque estuvo a punto de ser cancelada tras la primera temporada, terminó manteniéndose once años en antena. Su último episodio, en 1983, fue el más visto hasta entonces en la historia de la televisión. A pesar de que había estado a punto de rechazar el papel de “Hawkeye” (no firmó el contrato hasta seis horas antes de comenzar a rodar el episodio piloto), el espíritu de la serie se ajustaba como un guante al talante pacifista de Alda, que se fue implicando cada vez más en todos los

procesos creativos, incluyendo los guiones y la dirección de varios episodios. A lo largo de las once temporadas, Alda ganó cuatro premios Emmy como Actor, Director y Guionista (la única persona que lo ha conseguido en las tres categorías), y seis Globos de Oro. El crepúsculo de los ídolos: Su compromiso total con la serie le dejó poco tiempo libre para trabajar en el cine, aunque en 1978, durante una inusitadamente larga pausa entre la sexta y la séptima temporada, protagonizó dos comedias basadas en sendos éxitos de Broadway, California Suite y El próximo año, a la misma hora. En 1981 escribió, dirigió y protagonizó Las cuatro estaciones, a la que seguirían Dulce libertad, Una nueva vida y Betsy’s Wedding, diversas exploraciones sobre la naturaleza de los sentimientos humanos. ¿Quién sabe dónde?: En los últimos años, Alda ha estado muy activo sobre los escenarios de Broadway y Londres (protagonizó con gran éxito la obra “Arte” en 1998) y ha dejado el cine en segundo plano. Le hemos visto en varias películas de su amigo Woody Allen (Delitos y faltas, Misterioso asesinato en Manhattan y Todos dicen I Love You) y ejerciendo de secundario de lujo en títulos como Flirteando con el desastre, Mad City y En qué piensan las mujeres. También ha vuelto ocasionalmente al medio que le dio la fama, consiguiendo la 30ª nominación al Emmy de su carrera en el año 2000 por su papel recurrente de un prominente físico aquejado de Alzheimer en la serie Urgencias. Su última película es The Aviator, el biopic sobre la vida

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de Howard Hughes que han hecho Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio. Filmografía básica: Paper Lion (1968), El infierno del whisky (1970), La casa de cristal (1972), California Suite (1978), El próximo año, a la misma hora (1978), Las cuatro estaciones (1981, también director), Dulce libertad (1986, también director), Una nueva vida (1988, también director), Delitos y faltas (1989), Betsy´s Wedding (1990, también director), Misterioso asesinato en Manhattan (1993), Flirteando con el desastre (1996), Asesinato en la Casa Blanca (1996), Todos dicen I Love You (1997), Mad City (1997), En qué piensan las mujeres (2000).

Kirstie ALLEY Wichita, Kansas (USA); 12/1/1955 Aquellos maravillosos años: Con un talento comparado en ocasiones al de Lucille Ball, Kirstie Alley se ha hecho un nombre como actriz de comedia, fundamentalmente en la televisión. Pasó su juventud en Kansas estudiando arte dramático, trabajando como decoradora de interiores y esnifando cocaína. Cuando se mudó a California, entró en un programa de rehabilitación, se convirtió en una devota seguidora de la Cienciología y debutó en el cine como la vulcaniana Saavik en Star Trek II. Kirstie pasó la primera mitad de los 80 luchando con papeles poco agradecidos hasta

que comenzó a conseguir cierto reconocimiento con su participación en la serie Norte y Sur (1985). Pero su definitivo salto al estrellato llegaría en 1987, al reemplazar a Shelley Long en la clásica sitcom Cheers. El personaje de Rebecca Howe, la neurótica jefa de Ted Danson, le permitió mostrar todas sus habilidades cómicas y le valió un Emmy. Kirstie logró transplantar su fama televisiva a la gran pantalla y ganó un Globo de Oro por su rol de madre soltera en el hit de 1989 Mira quién habla, que propició dos secuelas menos taquilleras. El crepúsculo de los ídolos: Los éxitos simultáneos de Mira quién habla y Cheers convirtieron a Kirstie en una de las actrices más populares de Hollywood, pero cuando la serie terminó en 1993, sus trabajos se fueron haciendo cada vez más esporádicos e irregulares. Siguió apareciendo en películas como el remake de El pueblo de los malditos y Desmontando a Harry, pero encontró su verdadero filón en la pequeña pantalla, donde en 1997 consiguió su propio vehículo estelar, El secreto de Veronica, de la que también era productora. ¿Quién sabe dónde?: Sus problemas de peso se convirtieron en un verdadero quebradero de cabeza para los productores de El secreto de Veronica, que, como último recurso, se vieron obligados a sobreimpresionar la cabeza de Kirstie sobre el cuerpo de una doble mucho más delgada. La serie se canceló al cabo de la tercera temporada, y desde entonces, Kirstie ha seguido apareciendo en series como El último Don y haciendo ocasionales incursiones en el cine, aunque su mejor época parece haber quedado definitivamente atrás. Filmografía básica: Star Trek II: la ira de Khan (1982), Runaway: brigada especial (1984), Loverboy (1989), Mira quién habla (1989), Mira quien habla también (1990), Hay un muerto en mi cama (1990), Mira quien habla ahora (1993), El pueblo de los malditos (1995), Desmontando a Harry (1997), Muérete, bonita (1999).

Pamela ANDERSON Ladysmith (Canadá); 1/7/1967

Kirstie Alley

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Aquellos maravillosos años: Pamela Anderson es el paradigma de la figura pública cuya celebridad supera en varios años-luz a su (dudoso)

Pamela Anderson

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talento. La ex-reina de la silicona (se quitó los implantes mamarios en 1999, para desesperación de sus fans) fue descubierta de un modo bastante inusual: en 1989, mientras presenciaba un partido de football en Vancouver, fue enfocada por un cámara de televisión, y cuando su rostro apareció en los videomarcadores, la multitud se volvió loca. Esto la llevó a un contrato publicitario con la cerveza Labbat’s, y los posters de Pamela adornaron todos los bares de Canadá. Gracias a la popularidad obtenida con esta campaña, se mudó a Los Angeles y en octubre de ese mismo año posó por primera vez para “Playboy” (ha sido portada de la revista en diez ocasiones), lo que supondría la rampa de lanzamiento de su carrera. Pronto comenzaron a lloverle las ofertas para aparecer en televisión, y en 1991 consiguió un papel regular en Un chapuzas en casa. Casualmente, David Hasselhoff (el conductor chulopiscinas de El coche fantástico) era un gran fan de la sitcom y, cuando vio a Pamela, no dudó en ofrecerle el diminuto traje de baño rojo de C.J. Parker en su serie Los vigilantes de la playa, a la que se incorporó en 1993. El crepúsculo de los ídolos: Durante sus cinco años como vigilante, Pamela hizo varios telefilms y películas de serie B, hasta que en 1996 consiguió su primer vehículo estelar en la adaptación del cómic Barb Wire, que fue masacrada por la crítica e ignorada por el público. Durante esos años, Pamela fue más noticia por su turbulenta vida sentimental que por su trabajo: tras mantener relaciones con el rockero Bret Michaels y con sus compañeros bañistas David Charvet y Kelly Slater, en 1995 se casó con el batería de Mötley Crüe, Tommy Lee. Al parecer, el salvaje Tommy no sólo aporreaba los bombos, y en noviembre de 1996 Pamela pidió el divorcio acusándole de malos tratos. Se reconciliaron meses después, pero en febrero de 1998 Lee fue sentenciado a seis meses de cárcel por agredir a su esposa, que volvió a solicitar el divorcio. Como a los dos les iba la marcha, en 1999 renovaron sus votos matrimoniales, pero de nuevo, la unión no duró mucho y se separaron definitivamente en abril de 2000. En otro orden de cosas, en 1997 los internautas pudieron admirar a Pamela en la mejor interpretación de su carrera, cuando se colgó en la red el famoso vídeo porno casero que ella y Lee ha-

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bían grabado durante su luna de miel en 1995. La cinta (en la que la pareja aparecía practicando hazañas sexuales dignas de ser catalogadas como nuevas disciplinas olímpicas) había sido robada de su mansión en Malibu, y cuando se comercializó, se convirtió en el vídeo porno más vendido de todos los tiempos. Los Lee no se quedaron sin su tajada en este pingüe negocio, pues en diciembre de 2002, un juez obligó a la compañía Internet Entertainment Group a pagarles 1,5 millones de dólares en concepto de beneficios por las ventas del susodicho vídeo. ¿Quién sabe dónde?: En 1998, Pamela volvió a la televisión como productora y protagonista de la serie V.I.P. Cuando el show fue cancelado en 2002, Pamela desveló su intención de convertirse en stripper en los conciertos de su nuevo novio, el rapero Kid Rock (al parecer, la rubia tiene fijación con los músicos). También comenzó a escribir una columna mensual llamada Pam, Honestly en la revista “Jane”. Pero todos estos planes quedaron en suspenso cuando descubrió que tenía la hepatitis C, contraída después de compartir una aguja de tatuaje con Tommy Lee. En enero de 2003, anunció su retirada del cine y la televisión para concentrarse en criar a sus dos hijos y en recuperarse de su enfermedad, aunque todavía ha tenido tiempo de hacer un pequeño cameo en la tercera entrega de Scary Movie. Filmografía básica: Barb Wire (1996), ScoobyDoo (2002), Scary Movie 3 (2004).

Rosanna ARQUETTE Nueva York, Nueva York (USA); 10/8/1959 Aquellos maravillosos años: Rosanna Arquette se ha especializado en interpretar mujeres incomprendidas y neuróticas, y aunque su carrera nunca ha ascendido a las alturas que sus primeros éxitos permitían vaticinar, ha conseguido un considerable prestigio como protagonista de películas independientes. Miembro de una prestigiosa dinastía de actores (nieta de Cliff Arquette, hija de Lewis Arquette y hermana mayor de Patricia, David y Alexis), Rosanna hizo mucha televisión a finales de los 70 y entró en el cine con pequeños papeles en More American Graffiti y S.O.B. Tuvo su primer reconoci-

miento acompañando a Tommy Lee Jones en el telefilm La canción del verdugo (1982), que le valió una nominación al Emmy, aunque se la recuerda sobre todo como la aburrida ama de casa que adopta el salvaje estilo de vida de Madonna en la comedia Buscando a Susan desesperadamente. Aunque este papel parecía un perfecto trampolín al estrellato para ella, la gran beneficiada del éxito de la película fue la Ambición Rubia. Ese mismo año, recibió los elogios de la crítica por su brillante creación de la suicida desencadenante de la pesadilla que sufre Griffin Dunne en la comedia de culto de Martin Scorsese Jo, qué noche. La mayoría de sus papeles posteriores no respondieron a las expectativas creadas por estas dos películas, pero Rosanna se estableció firmemente en el cine indie, e incluso trabajó en films foráneos como El gran azul, de Luc Besson. El crepúsculo de los ídolos: A finales de los 80, Rosanna inició una relación con el cantante Peter Gabriel y se fueron juntos a Europa, donde vivieron durante seis años. Cuando retornó a Hollywood, Rosanna se encontró con que su hermana Patricia disfrutaba de una meteórica ascensión al estrellato, mientras a ella le tocaba ejercer de florero junto a Jean-Claude Van Damme en la infumable Sin escape, ganar o morir. Afortunadamente, pronto le llegaron roles más jugosos en Pulp Fiction y en la controvertida Crash, de David Cronenberg. ¿Quién sabe dónde?: En los últimos tiempos, Rosanna sigue alternando protagonistas en cintas independientes (Buffalo ´66) y pequeños papeles en películas mainstream (Falsas apariencias). En el año 2002 se puso por primera vez tras las cámaras con Searching For Debra Winger, un documental presentado en el Festival de Cannes, en el que las principales actrices del Hollywood contemporáneo reflexionan sobre las dificultades de conseguir trabajo después de los 40.

Rosanna Arquette

Filmografía básica: More American Graffiti (1979), S.O.B. (Somos honrados bandidos) (1981), La canción del verdugo (1982), Baby, It´s You (1983), Buscando a Susan desesperadamente (1985), Silverado (1985), Jo, qué noche (1985), 8 millones de maneras de morir (1986), Amazonas en la Luna (1987), El gran azul (1987), Historias de Nueva York (1989), Sin escape, ganar o morir (1993), Pulp Fiction (1994), Crash (1996), Buffalo ‘66 (1998), Falsas apariencias (2000), Demasiada carne (2000).

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Jennifer Beals

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B Jennifer BEALS Chicago, Illinois (USA); 19/12/1963 Aquellos maravillosos años: Aunque su currículum acumula más de 30 títulos, por lo que respecta al público Jennifer Beals sólo ha hecho una película en toda su carrera. Esta desconocida de 19 años estudiaba Literatura Americana en la Universidad de Yale cuando fue seleccionada para interpretar a Alex, improbable trabajadora de fundición de día y bailarina de club por la noche, en Flashdance, un papel co di ciado por todas las actrices jóvenes de Ho llywood. La película se convirtió en uno de los grandes blockbusters de 1983, más de un inconsciente se partió la crisma intentando bailar What A Feeling en la discoteca, y Beals se convirtió en involuntaria creadora de tendencias: de repente, se pusieron de moda en todo el mundo los vaqueros destrozados, los calentadores, los sueters varias tallas más grandes y los pro gramas televisivos de aerobic (Eva Nasarre le debe su efímera fama). El crepúsculo de los ídolos: Beals tenía todos los números para convertirse en una gran estrella, pero su brillo se apagó rápidamente cuando el decepcionado público descubrió que sus coreografías en Flashdance las había hecho una doble. Por si esto fuera poco, su siguiente película, La prometida, un delirante remake pop de La novia de Frankenstein co-protagonizado por

Sting, se estrelló en taquilla, arrastrando con él los restos de su carrera. Lamiéndose las heridas, Beals regresó a la universidad para terminar sus estudios y no volvería a asomarse a las pantallas hasta tres años después. En 1986 se casó con el cineasta independiente Alexandre Rockwell, con el que posteriormente trabajaría en la multipremiada En la sopa y en uno de los segmentos de Four Rooms. Estos films reactivaron su carrera y Beals tuvo destacadas intervenciones en La señora Parker y el círculo vicioso y El demonio vestido de azul (su primera película para una major desde los tiempos de Flashdance), pero ninguna de ellas tuvo el éxito suficiente para devolverla a la lista “A”, y su estela se perdió de nuevo. Fue en esta época cuando uno de sus compañeros en Yale, David Duchovny (por lo visto, en las universidades americanas sólo tienes que darle una patada a una piedra para encontrarte algún actor famoso), la recomendó a los productores de Expediente X para el papel de Scully, pero éstos acabaron decidiéndose por Gillian Anderson. ¿Quién sabe dónde?: Divorciada de Rockwell en 1996, Beals actualmente reparte su tiempo entre Nueva York y Canadá, hogar natal de su segundo esposo. Últimamente se la ha visto en la alabada The Anniversary Party, debut en la dirección de la actriz Jennifer Jason Leigh, y en la miniserie Feast of All Saints, basada en la novela de Anne Rice. Centrada en el cine indie, retornó a las películas de gran presupuesto con el thriller El jurado.

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Filmografía básica: Flashdance (1983), La prometida (1985), Besos de vampiro (1989), En la sopa (1992), La señora Parker y el círculo vicioso (1994), El demonio vestido de azul (1995), Four Rooms (1995), The Last Days of Disco (1998), The Anniversary Party (2001), El jurado (2003).

Tom BERENGER [Thomas Michael Moore] Chicago, Illinois (USA); 3/5/1949 Aquellos maravillosos años: Aunque ya hace tiempo que se le escapó definitivamente el tren del estrellato, el intenso y versátil Berenger ha seguido ofreciendo su sólida presencia en al menos una película al año hasta el día de hoy. Antiguo estudiante de Periodismo, su trabajo en los escenarios del off-Broadway le condujo a la serie One Life to Live (1975), que abandonó al cabo de una sola temporada para probar suerte en la gran pantalla. Su primer rol cinematográfico de cierto empaque fue en Buscando al señor Goodbar, aunque su gran momento aún estaba por llegar. Después de ser una angustiada estrella televisiva en el Reencuentro de Lawrence Kasdan, su papel del sociópata Sargento Barnes en Platoon le valió una nominación al Oscar como Mejor Actor Secundario en 1986 e impulsó definitivamente su carrera, status que mantuvo gracias a los éxitos del estilizado thriller de Ridley Scott La sombra del testigo y de la comedia deportiva Una mujer en la liga (papel que repitió en la secuela de 1994). El crepúsculo de los ídolos: Berenger entró en los 90 brindando dos de las mejores interpretaciones de su vida, como un especulador de terrenos en El prado, y como el mercenario medio cheyenne que vuelve a sus raíces en Jugando en los campos del Señor. Sin embargo, los fiascos consecutivos del lamentable thriller pseudoerótico Acosada (la película que más detesta, y con razón, de toda su filmografía), de En el corazón de la jungla y de Misión explosiva, hicieron tambalear su posición como actor principal. ¿Quién sabe dónde?: Berenger pasó el resto de la década de los 90 fluctuando en papeles secundarios de héroes y villanos en títulos como Gettysburg, Conflicto de intereses, Training Day y

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Tom Berenger

Ojo asesino. También ha vuelto esporádicamente al medio televisivo, recibiendo una nominación al Emmy en 1993 por sus memorables apariciones en los últimos capítulos de Cheers, dando vida a un fontanero del que se enamoraba Kirstie Alley. Y en 2003, consiguió un rol recurrente en la exitosa serie Third Watch. Filmografía básica: Buscando al señor Goodbar (1977), Los perros de la guerra (1980), Reencuentro (1983), Platoon (1986), La sombra del testigo (1987), El sendero de la traición (1988), Nacido el 4 de julio (1989), Una mujer en la liga (1989), El prado (1990), Jugando en los campos del Señor (1991), Acosada (1993), Tres granujas en la liga (1994), El sustituto (1996), Conflicto de intereses (1998), Nido de cuervos (1999), Training Day (2001), Ojo asesino (2002).

Candice BERGEN Los Angeles, California (USA); 9/5/1946 Aquellos maravillosos años: La bella y escultural Candice estaba predestinada a trabajar como modelo, a hacer películas y a tener una agitada vida sentimental. Sidney Lumet la vio en un anuncio de Revlon y le dio el papel de lesbia-

Candice Bergen

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Jacqueline Bisset

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na en El grupo, su debut en la gran pantalla. Ese mismo año, apareció junto a Steve McQueen en El Yang-Tsé en llamas, pero los críticos la machacaron por su falta de talento, una constante que se repetiría con todos sus films de los 60. Ella se enfrentó a este rechazo experimentando con las drogas y dedicándose al fotoperiodismo. Viajó por todo el mundo trabajando para la revista “Life”, pero Hollywood la empujaba para que se pusiese delante de la cámara, no detrás, y Candice decidió tomarse su carrera más en serio. Comenzó a ejercer como una actriz de talento en Conocimiento carnal y El viento y el león, pero su verdadero punto de inflexión fue su interpretación como ex-esposa de Burt Reynolds en la comedia Comenzar de nuevo, que le valió una nominación al Oscar en 1979. Al comenzar los años 80 apareció en Ricas y famosas (más recordada hoy por ser el último trabajo del genial George Cukor) y Gandhi, pero los buenos papeles comenzaron a escasear, y a mediados de la década su carrera estaba virtualmente acabada. El crepúsculo de los ídolos: Su tempestuosa vida sentimental se asentó tras su matrimonio con el cineasta francés Louis Malle en 1981, que duró hasta la muerte de éste en 1995. Rechazada por el cine, comenzó a trabajar con mayor frecuencia en la pequeña pantalla y protagonizó varios telefims, hasta que en 1988 llegó el golpe de suerte que lo cambió todo: Candice hizo una audición para el personaje titular en la sitcom Murphy Brown, pero los productores preferían a la barbie Heather Locklear y la rechazaron. Sin embargo, la creadora de la serie insistió en que Candice era perfecta para el papel de la brillante y temperamental periodista, y terminó siendo suyo. Murphy Brown fue un éxito instantáneo y permaneció diez temporadas en antena, durante las cuales Candice ganó cinco premios Emmy. Uno de los grandes highlights de la serie fue un episodio de 1992 en el que Murphy decide convertirse en madre soltera, lo que provocó que el entonces vicepresidente de George Bush Sr., Dan Quayle -conocido por su incapacidad para articular palabras de más de dos sílabas-, lanzase su famoso discurso en defensa de los “valores familiares” que la serie supuestamente estaba socavando. Este asunto copó las portadas de todos los periódicos del país, y en conse-

cuencia, Murphy Brown se convirtió en un verdadero fenómeno sociológico que gozó de más éxito que nunca. ¿Quién sabe dónde?: Tras la cancelación de Murphy Brown en 1998, Candice se recluyó en la granja de la campiña francesa que había compartido con Louis Malle, pero no fue por mucho tiempo. Después de casarse en 2000 con el magnate inmobiliario Marshall Rose, ha vuelto al cine reciclada en eficaz secundaria y explotando su talento para la comedia en títulos como Miss agente especial, Sweet Home Alabama y Hasta que la muerte nos separe. Filmografía básica: El grupo (1966), El Yang-Tsé en llamas (1966), Los libertinos (1970), Conocimiento carnal (1971), Perdida en la gran ciudad (1971), Muerde la bala (1975), El viento y el león (1975), Comenzar de nuevo (1979), Ricas y famosas (1981), Gandhi (1982), Miss agente especial (2000), Sweet Home Alabama (2002), A View From the Top (2003), Hasta que la muerte nos separe (2003).

Jacqueline BISSET [Winnifred Jacqueline Fraser-Bisset] Surrey (Inglaterra); 13/9/1944 Aquellos maravillosos años: Utilizada a menudo como mero objeto decorativo, esta bella exmodelo ha demostrado ser una actriz de talento cuando le han dado la oportunidad, pero su gran error ha sido no ser más selectiva con los papeles que le ofrecen. Comenzó a despuntar con pequeñas apariciones en Callejón sin salida, Dos en la carretera y Casino Royale, aunque causó mucho más impacto en el público cuando perdió la parte superior de su bikini mientras rodaba una escena de surf en La playa (1967) y las fotos con sus encantos al aire aparecieron en todas las revistas. Su gran oportunidad le llegó en 1968, al reemplazar a Mia Farrow en El detective junto a Frank Sinatra, cuando la pareja estaba en medio de una agria separación. Consiguió el reconocimiento en Europa gracias a su interpretación de una actriz al borde de la crisis nerviosa en La noche americana de Francois Truffaut (Oscar al Mejor Film Extranjero en 1973), pero tendrían que pasar casi diez años para que su talento

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fuese tomado en serio en Hollywood con Ricas y famosas, la última película de George Cukor. Entre medias, Bisset alcanzó el cénit de su fama como la heroína de la comercial Abismo, en la que su espectacular físico fue hábilmente aprovechado por el director Peter Yates. Sus escenas submarinas provocaron una fiebre mundial por las camisetas mojadas, y el semanario “Newsweek” la proclamó como la «actriz más bella de todos los tiempos». El crepúsculo de los ídolos: En un intento por conseguir papeles con más sustancia, Bisset se aventuró en la producción y logró un gran éxito con la antes mencionada Ricas y famosas, aunque también erró en elecciones como El griego de oro (inconfeso biopic de la relación entre Aristóteles Onassis y Jackie Kennedy) e Inchon (un bodrio financiado por la Iglesia de la Unificación). Bajo el volcán, de John Huston, le valió una nominación al Globo de Oro y reanimó su mortecina carrera, pero a continuación hizo un paréntesis de varios años para dedicarse a la televisión, co-protagonizando junto a Armand Assante la exitosa serie Napoleón y Josefina: una historia de amor, en 1987. El resto de su producción cinematográfica en los 80 es olvidable (Escenas de la lucha de sexos en Beverly Hills) cuando no directamente avergonzante (Orquídea salvaje, un soft-porno de diseño en el que asistía impertérrita a las acrobacias sexuales de Mickey Rourke y Carré Otis). ¿Quién sabe dónde?: Sus trabajos en cine han sido muy esporádicos en los años 90, aunque en 1995 recibió una nominación al César por La ceremonia, de Claude Chabrol. Como muchos otros actores de su generación, Bisset ha encontrado en los últimos años mejores oportunidades en la pequeña pantalla: en 1999 fue nominada a un Emmy por su papel de madre de la protagonista (Leelee Sobiesky) en la ambiciosa producción televisiva Juana de Arco; y en 2001 tuvo un papel recurrente en algunos episodios de la quinta temporada de la popular serie Ally McBeal. Filmografía básica: Callejón sin salida (1966), Dos en la carretera (1967), Casino Royale (1967), El detective (1968), Bullitt (1968), Aeropuerto (1970), El juez de la horca (1972), El ladrón que vino a cenar (1973), La noche americana (1973), Asesinato en el Orient Express (1974), La escalera

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de caracol (1975), Abismo (1977), Ricas y famosas (1981), Class (1983), Bajo el volcán (1984), Escenas de la lucha de sexos en Beverly Hills (1989), Orquídea salvaje (1990), La ceremonia (1995).

Kenneth BRANAGH [Kenneth Charles Branagh] Belfast (Irlanda del Norte); 10/12/1960 Aquellos maravillosos años: Debe ser duro que la crítica mundial te catalogue como “el nuevo Lawrence Olivier” cuando aún no has cumplido los 30, y parece que, tras unos inicios fulgurantes, el peso de la púrpura finalmente se está revelando demasiado para los hombros de Kenneth Branagh. Irlandés emigrado a Inglaterra, ingresó en la Real Academia de Arte Dramático a los 18 años, obteniendo sus primeros éxitos sobre los escenarios del West End londinense. A los 23, ya era miembro de la prestigiosa Royal Shakespeare Company, consolidándose como uno de los talentos emergentes en la escena británica. Sin embargo, pronto se sintió desencantado con la impersonal y burocrática organización de la RSC, por lo que en 1987 decidió crear su propia compañía teatral, Reinaissance. Durante este frenético período, también debutó en el cine y trabajó asiduamente en televisión. Fue precisamente durante el rodaje de la serie Fortunes of War cuando conoció a Emma Thompson, con quien se casó en 1989, y junto a la que protagonizó casi todas sus películas hasta su divorcio en 1995. También en 1989, Branagh debutó como director de cine con la adaptación de Enrique V. La película fue un gran éxito internacional que reportó a su autor una doble nominación al Oscar como Director y Actor, además del apodo de “el nuevo Olivier” por parte de la prensa especializada. Subido en la cresta de la ola, Branagh desembarcó en Hollywood para dirigir y co-protagonizar junto a su esposa Morir todavía, un thriller de inspiración hitchcockiana que consagró al matrimonio como “la pareja real del cine británico”. Empeñado en llevar a Shakespeare a las masas, Branagh volvió a dar en la diana con su versión de Mucho ruido y pocas nueces. Durante una época, parecía que el nuevo chico de oro del cine inglés no podía equivocarse.

Kenneth Branagh

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El crepúsculo de los ídolos: Sin embargo, las cosas comenzaron a torcerse para Branagh cuando aceptó dirigir y protagonizar Frankenstein, una de las superproducciones más importantes de 1994. Aunque la película acabaría amasando más de 100 millones de dólares en todo el mundo, los críticos la masacraron sin piedad, y el halo dorado que hasta entonces había rodeado al cineasta empezó a nublarse. Para colmo, durante el rodaje inició una publicitada relación con la actriz Helena Bonham Carter, que pondría fin a su matrimonio con Emma Thompson. Branagh se desquitó de todos estos sinsabores escribiendo, dirigiendo e interpretando el papel titular en una mastodóntica versión de Hamlet, que algunos calificaron de obra maestra y le valió una nueva nominación al Oscar, esta vez como Guionista. Desafortunadamente, sus siguientes trabajos se toparon con el desdén o la indiferencia generalizadas. En esta categoría se incluyen títulos como Conflicto de intereses y, especialmente, Celebrity, que le mereció el unánime oprobio de la crítica por su lamentable imitación de Woody Allen. ¿Quién sabe dónde?: Tras la nula repercusión de su experimento musical Trabajos de amor perdidos, Branagh parece haber dejado de lado sus veleidades artísticas para centrarse en proyectos meramente alimenticios, como lo demuestra su participación en la segunda entrega de la saga cinematográfica de Harry Potter. Además, en agosto de 2003 volvió a pisar los escenarios teatrales por primera vez en más de una década, representando en Londres el papel protagonista en la obra de David Mamet “Edmond”. Por esas mismas fechas, se casó en secreto con la actriz Lindsay Brunnock, a la que había conocido dos años antes cuando trabajaban en el telefilm de la BBC Shackleton. Filmografía básica: Temporada alta (1987), Un mes en el campo (1987), Enrique V (1989, también director), Morir todavía (1991, también director), Los amigos de Peter (1992, también director), Mucho ruido y pocas nueces (1993, también director), Frankenstein de Mary Shelley (1994, también director), Otelo (1995), Hamlet (1996, también director), Conflicto de intereses (1998), Celebrity (1998), Wild Wild West (1999), Trabajos

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de amor perdidos (2000, también director), Harry Potter y la cámara de los secretos (2002).

Ellen BURSTYN [Edna Rae Gilhooley] Detroit, Michigan (USA); 7/2/1932 Aquellos maravillosos años: Antigua modelo y bailarina, Ellen Burstyn ya tenía tras de sí una larga experiencia en la televisión y sobre los escenarios de Broadway cuando debutó en el cine en For Those Who Think Young (1964), pero su gran momento aún no había llegado y retornó a la pequeña pantalla con la serie The Doctors. La adaptación del best seller de Henry Miller Trópico de Cáncer marcó el inicio de una larga cadena de films que la convirtieron en una de las actrices más populares de la década: La última película y El exorcista le valieron sendas nominaciones al Oscar, que consiguió por fin en 1974 por Alicia ya no vive aquí, un proyecto que llevaba persiguiendo largo tiempo. Y el que ganó Louise Fletcher al año siguiente por Alguien voló sobre el nido del cuco también podría haber sido suyo, si la grave enfermedad de su esposo no la hubiese obligado a rechazar el personaje de la enfermera Ratched. Aunque estaba en la cresta de la ola, pasarían cuatro años hasta que volviera a ponerse ante las cámaras en El próximo año, a la misma hora, adaptación de la obra de Broadway por la que se había llevado el premio Tony en 1974. Burstyn repitió su papel y cosechó su cuarta candidatura al Oscar, cifra que aumentó a cinco con la conseguida por Resurrección en 1980. El crepúsculo de los ídolos: A pesar de que durante los 70 había sido una presencia fija en las ceremonias de los premios de la Academia, Burstyn se encontró con que en los 80 apenas le llegaban papeles con sustancia. Durante aquellos años, repartió su tiempo entre su labor como presidenta del sindicato Actor’s Equity (19821985), su cargo como directora artística del Actor’s Studio y su trabajo en televisión, medio en el que protagonizó una larga lista de telefilms que le valieron un par de nominaciones a los Emmy, y una desastrosa sitcom, The Ellen Burstyn Show (1986).

Ellen Burstyn

¿Quién sabe dónde?: En los 90, Burstyn volvió al cine, esta vez en papeles secundarios de madre o abuela de los protagonistas: Elegir un amor, Cuando un hombre ama a una mujer, Donde reside el amor... Una nueva generación de espectadores la descubrió en el año 2000 gracias al director de culto Darren Aronofsky, que le dio el papel de una “maruja” adicta a las pastillas adelgazantes y a los concursos televisivos en el melodrama Réquiem por un sueño. Su conmovedora interpretación le valió la sexta nominación al Oscar y un cierto revival de su

carrera, con más roles secundarios en La otra cara del crimen y El clan Ya-Ya. Ese mismo año fue nombrada co-presidente del Actor’s Studio, junto a Al Pacino y Harvey Keitel. Filmografía básica: Trópico de Cáncer (1970), La última película (1971), El exorcista (1973), Harry y Tonto (1974), Alicia ya no vive aquí (1974), El próximo año, a la misma hora (1978), Resurrección (1980), Elegir un amor (1991), Cuando un hombre ama a una mujer (1994), Donde reside el amor (1995), Jugando con el corazón (1998), La otra cara del crimen (2000), Réquiem por un sueño (2000), El clan Ya-Ya (2002).

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Richard Chamberlain

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C Richard CHAMBERLAIN Los Angeles, California (USA); 31/3/1935 Aquellos maravillosos años: Richard Chamberlain se ha creado una posición singular en el showbiz como “el Rey de las Miniseries”, protagonizando algunas de las producciones más recordadas de la historia de la pequeña pantalla. Su papel del médico titular en Dr. Kildare (1961-1965) le convirtió en un ídolo juvenil, pero también trajo el inevitable encasillamiento, por lo que tras la cancelación de la serie encaminó sus pasos hacia Broadway, apareciendo en los montajes de “West Side Story”, “Historias de Filadelfia“ y una funesta versión musical de Desayuno con diamantes que fue prematuramente cancelada al cabo de cuatro representaciones. En 1968 decidió cruzar el charco y probar suerte en el teatro británico. Permaneció allí cinco años, alcanzando grandes éxitos con un montaje de “Ham let” y con la serie de la BBC Retrato de una dama, que marcaron un punto de inflexión en su carrera. En los 70 volvió a Estados Unidos, siendo desaprovechado entre la constelación de estrellas de las catastrofistas El coloso en llamas y El emjambre, y brindando brillantes interpretaciones como el mujeriego y galante Aramis en Los tres mosqueteros de Richard Lester (papel que repetiría en sus dos secuelas) y como un ecologista en la cinta australiana de Peter Weir La última ola.

En la primera mitad de los 80, Chamberlain permaneció apartado de la gran pantalla, pero a cambio consolidó su reinado televisivo gracias a las series Centennial, Shogun y, fundamentalmente, El pájaro espino, que le reportó un Globo de Oro por su papel de un maduro sacerdote católico al que no le llega la sotana al cuerpo ante los juveniles encantos de Rachel Ward. El crepúsculo de los ídolos: Amparado en su recuperada popularidad, Chamberlain volvió al cine en 1985, metiéndose en la piel de Allan Quatermain en un chapucero remake del clásico de aventuras Las minas del rey Salomón, que el avispado Menahem Golan (productor que tiene en su currículum todas las películas del finado Charles Bronson, ahí es nada) se sacó de la manga para recoger las migajas del éxito de las películas de Indiana Jones. Contra todo pronóstico, el film atrajo a los suficientes incautos como para propiciar una secuela, Allan Quatermain en la ciudad perdida del oro, en la que Chamberlain volvía a compartir protagonismo con una Sharon Stone bastante alejada aún de su imagen de reina del picahielos. ¿Quién sabe dónde?: Residente en Hawaii desde los años 70, Chamberlain ha anunciado en repetidas ocasiones su intención de retirarse del mundo del espectáculo para volcarse en su gran pasión, la pintura. Sin embargo, en los últimos años ha estado muy atareado con diversos proyectos teatrales y televisivos. Entre los primeros, destacan sus papeles en los montajes de Bro-

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adway de “My Fair Lady” (1993) y “Sonrisas y lágrimas” (1999). En la pequeña pantalla ha seguido protagonizando telefilms y miniseries como Dream West, Island Son y The Thorn Birds: the Missing Years, tardía secuela de El pájaro espino. Además de actuar, Chamberlain es conocido por su interés en los asuntos medioambientales, particularmente los que atañen a su hogar adoptivo. Filmografía básica: Acusación de asesinato (1963), Petulia (1968), El asesinato de Julio César (1970), La pasión de vivir (1970), Los tres mosqueteros (1973), Los cuatro mosqueteros (1974), El coloso en llamas (1974), La última ola (1977), El enjambre (1978), Las minas del rey Salomón (1985), Allan Quatermain en la ciudad perdida del oro (1987), El regreso de los mosqueteros (1989).

Chevy CHASE [Cornelius Crane Chase] Woodstock, Nueva York (USA); 8/10/1943 Aquellos maravillosos años: Chevy Chase es considerado uno de los mejores actores cómicos de su generación, aunque apenas pudo trasladar a un par de películas de éxito la gran popularidad que había cosechado en la televisión. Tras iniciarse como redactor de la revista satírica Mad y guionista en varios programas de humor, en 1975 fue fichado, junto a otros genios de la

Chevy Chase

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comedia como Dan Aykroyd y John Belushi, para poner en marcha el revolucionario Saturday Night Live. Su labor como presentador de una de las secciones del show, el noticiario satírico Weekend Update (que introducía siempre con la frase «Buenas noches, soy Chevy Chase y usted no lo es»), le lanzó al estrellato y le valió sendos Emmys como actor y guionista. Chase abandonó SNL al cabo de la primera temporada para hacer carrera en el cine, y obtuvo su primer éxito con la comedia de culto El club de los chalados. En la década de los 80, Chevy creó un par de personajes clásicos que le dieron sus mayores triunfos: el verborréico periodista/detective Fletch en Fletch el camaleón, y el agobiado padre de familia Clark Griswald en la saga de películas de Vacation. El crepúsculo de los ídolos: Chase consiguió moderados éxitos uniéndose a otros ex-miembros del SNL en comedias como Los tres amigos y Espías como nosotros, pero al llegar los 90 las cosas comenzaron a torcerse. La mala acogida crítica y comercial de Memorias de un hombre invisible y Este poli es un panoli fueron sendas cruces durante una década que también vio el colosal fracaso de su programa televisivo, The Chevy Chase Show, en 1993, cancelado sólo dos meses después de su primera emisión. En 1995 fue arrestado por conducir borracho, un incidente más en una carrera a menudo lastrada por sus abusos con el alcohol y las drogas. ¿Quién sabe dónde?: En los últimos años, Chase se ha decantado hacia un tipo de películas de orientación familiar como Snow Day. Este giro en su carrera le ha llevado a rechazar roles dramáticos como el de American Beauty, que acabó valiéndole un Oscar a Kevin Spacey. Últimamente le hemos visto en una pequeña aparición en la comedia juvenil Orange County. Filmografía básica: El club de los chalados (1980), National Lampoon´s Vacation (1983), Fletch el camaleón (1985), Las vacaciones europeas de una chiflada familia americana (1985), Espías como nosotros (1985), Los tres amigos (1986), Caddyshack II (1989), Fletch revive (1989), National Lampoon´s Christmas Vacation (1989), Memorias de un hombre invisible (1992), Héroe por accidente (1992), Este poli es un panoli (1994), Vacaciones en Las Vegas (1997), Orange County (2002).

Cher

CHER [Cherilyn Sarkisian LaPierre] El Centro, California (USA); 20/5/1946 Aquellos maravillosos años: Cantante superventas, actriz ganadora del Oscar, estrella televisiva, icono gay, reina del bisturí... El éxito de Cher durante casi cuatro décadas la certifica como

una de las figuras más duraderas del showbiz contemporáneo. A los 16 años comenzó a tomar clases de interpretación para convertirse en actriz, un plan que desechó cuando conoció al productor y compositor Sonny Bono en 1963, con el que se casaría en 1969. Tuvieron un gran hit en 1965 con la canción I Got You, Babe, pero cuando el movimiento hippie pasó de moda, sus fans les abandonaron. Lejos de desalentarse, Sonny

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intentó lanzar a su mujer en el mundo del cine con las películas Good Times (1967) y Chastity (1969), que fueron un fracaso y les dejaron al borde de la ruina. En 1971, la CBS les ofreció su propio show televisivo, The Sonny and Cher Comedy Hour, un éxito inmediato que convirtió a la extravagante y colorista Cher en una innovadora de la moda. Pero mientras la audiencia veía semanalmente a una pareja feliz, fuera de las cámaras el matrimonio se estaba viniendo abajo. Sonny y Cher se separaron en 1974, lo que provocó el prematuro fin del programa. Dos años después, se produjo la esperada reunión (al menos artística) en el nuevo Sonny and Cher Show, pero para entonces, Cher se había casado de nuevo y esperaba un hijo del rockero Gregg Allman. Esta bizarra situación hizo que el programa fuese retirado de antena al cabo de dos temporadas. Tras divorciarse de Allman, Cher intentó iniciar una carrera como actriz seria, pero debido a su extravagante imagen televisiva y a sus aireados problemas personales, nadie en Hollywood quería contratarla. Hasta que en 1983, el director Mike Nichols le confió el papel de la amiga lesbiana de Meryl Streep en Silkwood. Su interpretación dejó boquiabiertos a los críticos y le valió una nominación al Oscar, que ganaría cuatro años después enamorando a Nicolas Cage en Hechizo de luna. Al mismo tiempo, relanzó su carrera musical y llegó a lo más alto de las listas reinventándose como rockera ataviada con escuetas prendas de cuero. El crepúsculo de los ídolos: Esta frenética actividad le pasó factura: tras rodar Sirenas y hacer un tour americano, Cher sufrió un colapso por agotamiento y se apartó temporalmente del negocio. Decidida a hacer trabajos más relajados, rechazó el papel de Thelma en Thelma y Louise, haciendo en su lugar vídeos de fitness y anuncios para las teletiendas que le hicieron perder el respeto como estrella que tanto le había costado ganar. Después de hacer sendos cameos en El juego de Hollywood y Pret-A-Porter, volvió al trabajo como productora, directora y protagonista del aclamado telefilm If These Walls Could Talk (1996). ¿Quién sabe dónde?: En 1998, Cher volvió al nº1 de los charts con Believe, un disco de baile que se convirtió en el más vendedor de toda su carrera, y al año siguiente añadió Té con Mussolini a su filmografía. Tras hacer una gira de despedida que re-

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caudó más de 70 millones de dólares, en 2003 lanzó su nuevo álbum, Living Proof, y se interpretó a sí misma en la última película de los hermanos Farrelly, Pegado a tí. Actualmente, Cher pasa la mayor parte de su tiempo en Londres, desde donde apoya activamente la lucha contra el SIDA y la defensa de los derechos de los gays. Filmografía básica: Silkwood (1983), Máscara (1985), Las brujas de Eastwick (1987), Sospechoso (1987), Hechizo de luna (1987), Sirenas (1990), Fielmente tuya (1996), Té con Mussolini (1999), Pegado a tí (2003).

Macaulay CULKIN [Macaulay Carson Culkin] Nueva York, Nueva York (USA); 26/8/1980 Aquellos maravillosos años: El actor infantil más famoso desde Shirley Temple, Macaulay Culkin (“Mack” para los amigos) vio como su carrera se iba al garete debido en parte a una mala transición a la adolescencia y, sobre todo, a la codicia de sus padres, y ahora lucha por tener una segunda oportunidad como actor adulto. A los cuatro años, Mack ya estaba sobre los escenarios del off-Broadway, y a los ocho aparecía en su primera película, Rocket Gibraltar. En 1990, el director Chris Columbus le eligió entre más de 200 candidatos para protagonizar Solo en casa, que fue el film más taquillero del año y lanzó a Mack al superestrellato internacional. Se convirtió en el actor infantil mejor pagado de todos los tiempos, y se codeó con figurones como Michael Jackson, con el que apareció en un par de videoclips. Mack continuó su racha triunfal con dos nuevos blockbusters, Mi chica y Solo en casa 2, por la que cobró 4,5 millones de dólares. En esa época, su carrera era ferreamente controlada por su padre, Christopher “Kit” Culkin, un actor infantil fracasado que también manejaba los destinos de los seis hermanos de Mack (de ellos, sólo Rory y Kieran han alcanzado cierto éxito). Pronto comenzaron a circular por Hollywood los rumores sobre las maneras dictatoriales de Kit, como cuando amenazó a los productores de Solo en casa 2 con no permitir que su hijo hiciese la película si no le aseguraban a cambio el papel pro-

tagonista en El buen hijo, un radical cambio de registro donde encarnó a un psicópata en miniatura. El crepúsculo de los ídolos: Mack estaba llegando a la adolescencia, el público ya no le veía como el niño encantador y espontáneo de Solo en casa, y su tirón en taquilla se desvanecía. Esto quedó confirmado en 1994, año en que encadenó tres fracasos consecutivos: El guardían de las palabras, Mano a mano con papá y Niño rico. Sin embargo, por cada una de estas dos últimas películas cobró 8 millones de dolares, el salario más alto nunca pagado a una estrella infantil. Semejante mina de oro despierta la codicia del más pintado y, en 1995, sus padres -que nunca se habían casado- se separaron e iniciaron una agria batalla legal por la custodia de Mack y sus hermanos. La joven estrella declaró que no volvería a trabajar hasta que sus progenitores zanjaran su disputa, cosa que ocurrió en 1997, cuando Kit cedió la custodia de los niños a su madre, Patricia Brentrup. Deseando escapar de la atención pública, Mack se casó en 1998 con la actriz Rachel Miner, pero el matrimonio sólo duró dos años; ella deseaba tener hijos, mientras él quería volver a actuar. ¿Quién sabe dónde?: Mack “retornó” en 2001, apareciendo en la producción de “Madame Melville” en Londres, que después se representó durante cuatro meses en el off-Broadway. Nueve años después de Niño rico, volvió a ponerse ante las cámaras para protagonizar la película independiente Party Monster, historia real de la ascensión y caida del joven promotor de clubes Michael Alig, que fue presentada con buena acogida de crítica y público en el Festival de Sundance 2003. Un papel arriesgado en la búsqueda de una nueva carrera como actor adulto, pero con una fortuna personal estimada en 17

Macaulay Culkin

millones de dólares, está claro que Mack puede permitirse el lujo de elegir sólo los proyectos que realmente le apetezca hacer. Filmografía básica: Solos con nuestro tío (1989), Solo en casa (1990), Mi chica (1991), Solo en casa 2: perdido en Nueva York (1992), El buen hijo (1993), Mano a mano con papá (1994), El guardián de las palabras (1994), Niño rico (1994), Party Monster (2003).

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Timothy Dalton

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D Timothy DALTON Colwyn Bay, (Gales); 21/3/1946 Aquellos maravillosos años: Tras convertirse con sólo 18 años en una de las estrellas del National Youth Theatre inglés, el mismísimo Peter O’ Toole le recomendó para el papel de Rey de Francia en El león en invierno, su debut cinematográfico. A principios de los 70, le ofrecieron por primera vez convertirse en James Bond en Al servicio secreto de su majestad, pero Dalton lo rechazó, sintiendo que era demasiado joven para el papel, y prefirió hacer dramas de época como Cromwell y Cumbres borrascosas. Después volvió al teatro uniéndose a la Royal Shakespeare Company, con la que giró por todo el mundo. En 1978 hizo sus primeras producciones americanas, la alucinógena película Sexteto y la miniserie televisiva Centennial, cuyo éxito hizo que Dalton comenzase a trabajar más asiduamente en Hollywood. Después de interpretar al malvado Príncipe Barin en la campy adaptación de Flash Gordon, pasó la primera mitad de los 80 haciendo telefilms y series como Jane Eyre y La hija de Mistral. Por esa época, el productor Albert Broccoli volvió a proponerle sustituir a Roger Moore como 007, pero Dalton declinó de nuevo la oferta. Broccoli se dirigió entonces a Pierce Brosnan, pero éste no pudo liberarse de su compromiso con la serie Remington Steele, y Dalton acabó aceptan-

do el papel. El actor galés hizo dos películas como James Bond: Alta tensión, que funcionó razonablemente bien en taquilla y es considerada una de las mejores de la serie, y Con licencia para matar, que sufrió de una terrible falta de promoción que la condenó al fracaso desde el principio. Sin embargo, la oscura interpretación de Dalton fue saludada como la más cercana al espíritu original del personaje creado por Ian Fleming. El crepúsculo de los ídolos: El contrato de Dalton contemplaba tres películas de Bond, pero entonces los derechos de la serie entraron en litigio. Mientras se libraba esta batalla legal, fue contratado para protagonizar Cristobal Colón, el descubrimiento, que se encontró con la competencia de un proyecto similar y mucho más ambicioso con Gérard Depardieu y Ridley Scott. Cuando el director previsto fue despedido, Dalton abandonó la producción y fue reemplazado por Georges Corraface. Con el conflicto sobre los derechos de James Bond por fin resuelto, se comenzó a hablar de Goldeneye, la tercera película de Dalton como 007, pero sorpresivamente, éste renunció al papel en 1994. Algunas versiones dicen que el actor no estaba satisfecho con el guión, pero otras afirman que recibió fuertes presiones de la MGM para que dejase paso libre a Pierce Brosnan. ¿Quién sabe dónde?: El mismo año que abandonaba a Bond, Dalton se metió en los zapatos de otro mito cinematográfico, Rhett Butler, en la

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miniserie Scarlett, secuela oficiosa de Lo que el viento se llevó. Aunque la crítica le dispensó una tibia acogida, la serie fue un éxito mundial y rompió records de audiencia por doquier. Desde entonces, Dalton ha seguido trabajando principalmente en la pequeña pantalla, con esporádicas incursiones en películas independientes y de bajo presupuesto. Sus dos últimos films, sin embargo, han sido producciones auspiciadas por grandes estudios: el western juvenil American Outlaws y la cinta de animación Looney Tunes: De nuevo en acción, donde pone voz a uno de los personajes. Filmografía básica: El león en invierno (1968), Cromwell (1970), Cumbres borrascosas (1970), Sexteto (1978), Flash Gordon (1980), 007: Alta tensión (1987), Brenda Starr (1989), 007: Con licencia para matar (1989), La puta del rey (1990), Rocketeer (1991), Desnudo en Nueva York (1993), El informador (1997), Made Men (1999), American Outlaws (2001). Ted Danson

Ted DANSON [Edward Bridge Danson III] San Diego, California (USA); 29/12/1947 Aquellos maravillosos años: Ted Danson comenzó su carrera sobre los escenarios del off-Broadway, aunque pronto cambió el mundo del teatro por el más lucrativo de los spots publicitarios. Mientras aún estaba en Nueva York, apareció en series como Somerset y The Doctors, y en 1978 se mudó a Hollywood para probar suerte en el cine. Poco después debutó como secundario en Campo de cebollas, pero tuvo que poner su incipiente carrera en suspenso durante tres años para cuidar de su mujer, que sufrió una parálisis mientras daba a luz a su primera hija. Reapareció en 1981 como el abogado amigo de William Hurt en Fuego en el cuerpo, y el productor televisivo Glen Charles quedó tan impresionado con su actuación que le ofreció en papel protagonista en su nueva serie, Cheers. Durante once temporadas, Danson dio vida a Sam Malone, una antigua estrella del béisbol que vio su carrera arruinada por el alcohol y ahora regenta un bar. Mujeriego y fanfarrón, Sam se convirtió en un favorito del público y Danson ganó dos Globos de Oro y dos

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Emmys. Muy concienciado con el medio ambiente, en 1987 fundó la American Oceans Campaign, una organización que pretende alertar a los ciudadanos americanos sobre las amenazas que los vertidos tóxicos y la polución suponen para la vida en los mares. El crepúsculo de los ídolos: Mientras triunfaba con Cheers, Danson hizo frecuentes asaltos al estrellato cinematográfico, y finalmente dio en la diana como uno de los solteros de Tres hombres y un bebé, cuyo éxito de taquilla dio pie a la inevitable secuela. Sin embargo, su imagen de buen tipo saltó por los aires en 1993, debido no sólo a su aireado romance con Whoopi Goldberg, su partenaire en Made in America, sino a sus continuas declaraciones y bromas racistas mientras estuvieron juntos. Sus subsiguientes películas fueron un fracaso, y tuvo que ser la televisión la que acudiese de nuevo a rescatarle. En 1996 recuperó crédito con la miniserie Los viajes de Gulliver, co-protagonizada por su nueva esposa, Mary Steenburgen. Pero su siguiente vehículo estelar, la sitcom Ink, de nuevo junto a Steen burgen, fue cancelada al cabo de la primera temporada.

¿Quién sabe dónde?: Aparte de un pequeño papel en Salvar al soldado Ryan, Danson apenas se ha prodigado en la gran pantalla en los últimos años, prefiriendo centrarse en la televisión. También se ha aventurado en la producción de series y telefilms, ya estén protagonizados por él o no. Filmografía básica: Campo de cebollas (1979), Fuego en el cuerpo (1981), Creepshow (1982), El gran enredo (1986), Tres hombres y un bebé (1987), Un toque de infidelidad (1989), Mi padre (1989), Tres hombres y una pequeña dama (1990), Made in America (1993), Lago Ness (1995), Salvar al soldado Ryan (1998), Mumford (1999).

Geena DAVIS [Virginia Elizabeth Davis] Wareham, Massachussetts (USA); 21/1/1956 Aquellos maravillosos años: Con su 1’80 de estatura y sus interminables piernas, Geena Davis estaba destinada a convertirse en un sex symbol de la gran pantalla, previo peaje en las agencias de modelos. En 1982 apareció en algunos episodios de la popular sitcom Enredos de familia, y ese mismo año, el director Sydney Pollack la descubrió en un catálogo de lencería de Victoria’s Secret y le dio un pequeño papel en Tootsie junto a un travestido Dustin Hoffman. En 1985 protagonizó la mediocre comedia Transylvania 6-5000 junto a Jeff Goldblum, con quien repetiría después en el remake de La mosca y acabaría casándose en 1987. Su versatilidad para la comedia y el drama quedó plenamente demostrada en 1988: primero se enfrentó a un fantasmal Michael Keaton en la taquillera Bitelchús, y después ganó el Oscar a la Mejor Actriz Secundaria por su rol de vivaracha entrenadora canina en El turista accidental. Sólidamente establecida en la primera división de Hollywood, en 1991 se convirtió en un icono para todas las feministas del planeta gracias a su personaje de Thelma en una de las películas más recordadas de la década, Thelma y Louise, que le valió una nueva nominación al Oscar a la Mejor Actriz y la envidia de millones de mujeres por su revolcón con un por entonces desconocido Brad Pitt.

El crepúsculo de los ídolos: Geena logró un nuevo éxito de taquilla con la comedia coral Ellas dan el golpe, pero Angie, su primera tentativa de llevar en solitario el peso de una película, resultó una sonora decepción. Tras divorciarse de Goldblum, se casó en 1993 con el director finlandés Renny Harlin, y formaron la productora The Forge. Su primer trabajo juntos fue la superproducción de piratas La isla de las cabezas cortadas, uno de los mayores desastres comerciales que se recuerdan en el Hollywood moderno. En la siguiente película con su marido, Memoria letal, Geena se reinventó a sí misma como action heroine, pero el nuevo fiasco en el box office acabó precipitando la ruptura del matrimonio en 1998. ¿Quién sabe dónde?: Tras los fracasos de sus pe lículas con Harlin, Geena pasaría tres años apartada del cine. Su regreso en la comedia familiar Stuart Little resultó un sorprendente bombazo de taquilla, aunque ella era poco más que un elemento decorativo frente al insufrible ratón parlanchín protagonista. Tres años después llegó la inevitable secuela, que también alcanzó recaudaciones respetables. En el año 2000, Geena volvió a la televisión como productora y protagonista de su propia sitcom, The Geena Davis Show, que fue cancelada al cabo de la primera temporada. También intentó formar parte del equipo

Geena Davis

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Rebecca De Mornay

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estadounidense de tiro con arco que compitió en los JJ.OO. de Sydney 2002, pero desgraciadamente, no logró pasar la fase de clasificación. En los últimos tiempos, ha dejado a un lado su carrera para cuidar de los 3 hijos que ha tenido con el médico iraní Reza Jarrahy, con quien se casó en 2001. Filmografía básica: Tootsie (1982), Fletch el camaleón (1985), La mosca (1986), Bitelchús (1988), El turista accidental (1988), Las chicas de la Tierra son fáciles (1988), Thelma y Louise (1991), Héroe por accidente (1992), Ellas dan el golpe (1992), Angie (1994), La isla de las cabezas cortadas (1995), Memoria letal (1996), Stuart Little (1999), Stuart Little 2 (2002).

se pasó a la televisión, destacando su trabajo en el remake de El resplandor (producido por el propio Stephen King) y su rol recurrente como enferma de cáncer en la serie Urgencias en 1999. ¿Quién sabe dónde?: En los últimos años, Rebecca combina cine, televisión y teatro, donde ha protagonizado los montajes de “Nacida ayer” (1998) y “Closer” (2000). En la gran pantalla, ha obtenido su primer (relativo) éxito comercial en varios años con el thriller Identidad. Filmografía básica: Risky Business (1983), El tren del infierno (1985), Dealers: clan de ambiciosos (1989), Llamaradas (1991), La mano que mece la cuna (1992), El abogado del diablo (1993), Los tres mosqueteros (1993), Nunca hables con extraños (1995), Identidad (2003).

Rebecca DE MORNAY [Rebecca George] Santa Rosa, California (USA); 29/8/1962

Patrick DEMPSEY

Aquellos maravillosos años: Después de una adolescencia trotamundos que la llevó a estudiar en Inglaterra y Austria, Rebecca de Mornay volvió a Los Angeles y comenzó a trabajar como meritoria en los estudios Zoetrope de Francis Ford Coppola, que en 1982 le dio su primera oportunidad con un minúsculo papel (de ¡una línea de diálogo!) en el ya legendario desastre comercial Corazonada. Rebecca se dio a conocer al año siguiente como la avispada prostituta que seduce a un barbilampiño Tom Cruise en la comedia juvenil Risky Business (ambos continuaron su romance fuera de las pantallas durante un tiempo), pero a pesar de este éxito, tardaría dos años en volver a ponerse ante las cámaras. Se mantuvo más activa durante la segunda mitad de la década, pero no saltaría al estrellato internacional hasta 1992, cuando interpretó a la diabólica niñera Peyton en el thriller La mano que mece la cuna. El crepúsculo de los ídolos: Renunciando deliberadamente a los papeles de ingenua en favor de los de mujer manipuladora y provocadora, De Mornay siguió el hit de La mano que mece la cuna encarnando a Milady de Winter en la versión teenager de Los tres mosqueteros y acompañando a Antonio Banderas en el thriller erótico Nunca hables con extraños. En la segunda mitad de los 90, y ante la ausencia de ofertas apetitosas en el cine,

Aquellos maravillosos años: Tras iniciarse como titiritero, mago y malabarista en diversas compañías de verano, Patrick Dempsey empezó su carrera teatral uniéndose a la Maine Acting Company en el montaje de “En el estanque dorado”. A su debut cinematográfico en 1985 siguió una incursión televisiva en la serie Fast Times, adaptación de la película Aquel excitante curso, que fue cancelada al cabo de la primera temporada. Su primer papel protagonista le llegó en la

Lewiston, Maine (USA); 13/1/1966

Patrick Dempsey

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comedia No puedes comprar mi amor, un éxito que le convirtió en ídolo teen. Aunque por aquel entonces tenía 21 años, aparentaba ser mucho más joven, lo que le permitió seguir interpretando papeles de adolescente hasta el final de la década. En 1987 hizo Ellas los prefieren jóvenes, basada en la historia real de un chico de 15 años que se casa con una mujer mucho mayor. En un nuevo ejemplo de la vida imitando al arte, Dempsey se casó con la actriz de 48 años Rocky Parker, que también se convirtió en su manager, pero acabaron separándose a mediados de los 90. El crepúsculo de los ídolos: En los 90, Dempsey hizo un esfuerzo por apartarse de los papeles de estrella juvenil, pero aunque se mantuvo bastante activo, la mayoría de sus trabajos pasaron inadvertidos y se creó la sensación de que había desaparecido del mapa. Durante toda la década, el actor mezcló cine y televisión, combinando papeles secundarios en películas como Estallido y series como JFK: Reckless Youth (donde encarnaba a un joven Kennedy) y 20.000 leguas de viaje submarino. También debutó en la dirección en 1994 con Ava’s Magical Adventure. ¿Quién sabe dónde?: En el 2000, su destacado papel como detective en Scream 3 hizo que el público pensase que Dempsey estaba de vuelta. Recientemente le vimos como pretendiente de Reese Whiterspoon en el hit romántico Sweet Home Alabama, y posteriormente co-protagonizó The Emperor´s Club junto a Kevin Kline. De regreso a la televisión, asumió el papel de Hugh Grant en una sitcom basada en la comedia Un niño grande. Filmografía básica: Los albóndigas III (1987), No puedes comprar mi amor (1987), Loverboy (1989), El imperio del mal (1991), Con honores (1994), Estallido (1995), Scream 3 (2000), Sweet Home Alabama (2002).

1971. Tal y como había hecho antes con otras “protegidas” como Ursula Andress y Linda Evans, Derek literalmente reinventó a la joven Mary y la convirtió en una sexy actriz (o algo así), dándole el papel protagonista en su película Fantasies, rodada en 1973 pero no estrenada hasta 1981, en pleno “fenómeno Bo”. A pesar de los 30 años de diferencia entre ellos, se casaron en 1974. Bo no volvería a asomarse a la gran pantalla hasta 1977, con un papel secundario en Orca, la ballena asesina. Sin embargo, su siguiente película le daría el definitivo pasaporte al estrellato: gracias a la comedia de Blake Edwards 10, la mujer perfecta, donde corría por la playa a cámara lenta bajo los sensuales acordes del Bolero de Ravel, Bo se convirtió en el instantáneo objeto de deseo del llorado Dudley Moore y de cualquier hombre con algo de sangre en las venas, a la vez que ponía de moda entre las jóvenes un pintoresco peinado conocido popularmente como “mazorca”. El crepúsculo de los ídolos: Intentando mantener el control creativo sobre su carrera en vez de ponerse en manos de los grandes estudios, John y Bo crearon en 1980 su propia compañía pro-

Bo DEREK [Mary Cathleen Collins] Long Beach, California (USA); 20/11/1956 Aquellos maravillosos años: Mary Collins era una dulce e inocente modelo de 16 primaveras cuando fue descubierta por un agente artístico que la presentó al actor/director John Derek en

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Bo Derek

ductora, Svengali Inc. Con la excepción de Sólo para adultos, donde interpretaba a la amante de Anthony Hopkins, la mayoría de las siguientes películas de Bo fueron dirigidas por su marido: las infumables Tarzán, el hombre-mono, Bolero y Los fantasmas no pueden hacerlo conforman un triple cartel ideal para cualquier espectador con impulsos suicidas. Incapaz de ir más allá de su imagen como fantasía sexual, Bo prácticamente se retiró del cine a principios de los 90. ¿Quién sabe dónde?: Desde la muerte de John Derek en 1998, Bo ha aparecido ocasionalmente en películas de pequeño presupuesto, telefilms y programas de televisión. Recientemente ejerció como presentadora del programa semanal The Hollywood Fashion Machine, que emitía films con un énfasis especial en el mundo de la moda. Gran amante de los animales (no sean mal pensados), Bo también se ha dedicado en los últimos años a crear una línea de productos cosméticos para la higiene de las mascotas do mésticas. Últimamente se unió a otra veterana ex-estrella, Ryan O’Neal, en la comedia Malibu’s Most Wanted. Filmografía básica: Orca, la ballena asesina (1977), 10, la mujer perfecta (1979), Sólo para adultos (1980), Tarzán, el hombre-mono (1981), Bolero (1984), Los fantasmas no pueden hacerlo (1990), Tommy Boy (1995).

Richard DREYFUSS Brooklyn, Nueva York (USA); 29/10/1947 Aquellos maravillosos años: Richard Dreyfuss hizo sus primeros pinitos en las pantallas en episodios de Embrujada y The Mod Squad, y haciendo papeles sin acreditar en películas como El valle de las muñecas y El graduado, ambas de 1967. El relevo generacional en el campo de la dirección que se produjo en Hollywood a principios de los 70 le benefició enormemente, ya que debe casi toda su fama a dos de aquellos jóvenes cineastas: George Lucas y Steven Spielberg. Con el primero, trabajó en la nostálgica American Graffiti, que le valió el aplauso unánime de la crítica. Con el segundo, fue un arrogante científico marino en Tiburón, y un hombre que descubre que no estamos solos en el universo en En-

Richard Dreyfuss

cuentros en la tercera fase, dos de los títulos más taquilleros de la década. En 1977 consiguió el Oscar por su intensa interpretación de un actor fracasado en La chica del adiós, siendo a sus 29 años el ganador más joven de la historia, hasta que Adrien Brody le arrebató ese honor en 2003. El crepúsculo de los ídolos: Dreyfuss fue uno de los actores más solicitados de Hollywood en la segunda mitad de los 70, pero su carrera estuvo a punto de irse al garete por su publicitada adicción a las drogas y a las fiestas salvajes, que alcanzaron su punto álgido en 1982, cuando fue detenido por provocar un accidente de tráfico mientras iba completamente "ciego" de cocaína. Tras pasar una larga temporada en rehabilitación, reemergió completamente limpio y en 1986 tuvo un gran éxito con la comedia Un loco suelto en Hollywood. Con su reputación restaurada, Dreyfuss siguió trabajando prolíficamente hasta mediados de los 90, combinando roles protagonistas y secundarios en Always, Postales desde el filo, Querido intruso o ¿Qué pasa con Bob? En 1995, consiguió uno de los mejores papeles de su carrera como el profesor de música titular de Profesor Holland, que le valió una nominación al Oscar. ¿Quién sabe dónde?: En los últimos años, Dreyfuss se ha prodigado poco en el cine, mante-

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niéndose más activo en la televisión y el teatro. En la pequeña pantalla ha hecho varios telefilms y la serie The Education of Max Bickford (2001). También viajó a Inglaterra para dirigir un montaje de “Hamlet” para el Birmingham Repertory Theatre, y posteriormente fue Marco Antonio en “Julio César” y protagonizó “El prisionero de la Segunda Avenida” en Londres. Aún sigue tanteando la idea de retirarse del mundo de la interpretación para cumplir su sueño de convertirse en profesor de historia, y ha co-escrito la novela “The Two Georges”, que especula sobre cómo serían los Estados Unidos si Inglaterra aún poseyese las colonias. Filmografía básica: American Graffiti (1973), Dillinger (1973), Tiburón (1975), Encuentros en la tercera fase (1977), La chica del adiós (1977), Mi vida es mía (1981), Un loco suelto en Hollywood (1986), Cuenta conmigo (1986), Procedimiento ilegal (1987), Presidente por accidente (1988), Always (1989), Postales desde el filo (1990), Querido intruso (1991), ¿Qué pasa con Bob? (1991), En el punto de mira (1993), El presidente y Miss Wade (1995), Profesor Holland (1995), La noche cae sobre Manhattan (1997), La tribu de los Krippendorf (1998), The Crew (2000).

Faye DUNAWAY Bascom, Florida (USA); 14/1/1941 Aquellos maravillosos años: De sólida formación teatral, Faye Dunaway se unió en 1962 a la Lincoln Center Repertory Company bajo la dirección de Elia Kazan y apareció en un buen número de importantes producciones escénicas. Ésto la llevó a firmar un contrato de seis años con Otto Preminger, que la hizo debutar en La noche deseada, pero sus continuas peleas con el director la llevaron a rechazar su siguiente película. Después de una ardua batalla legal, pudo anular su contrato y le ofrecieron el papel de Bonnie Parker en Bonnie y Clyde. El film fue un gran éxito y ella consiguió una nominación al Oscar, convirtiéndose de la noche a la mañana en una estrella y poniendo de moda el look retro (boinas, peinado y maxifaldas) que hizo furor a finales de los 60. Faye consolidó su imagen de fría elegancia como la investigadora de seguros que tiene un

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romance con un ladrón millonario en El caso Thomas Crown. Sin embargo, sus proyectos durante la primera mitad de los 70 no obtuvieron la misma respuesta, y se alejó temporalmente del cine para centrarse en el teatro y la televisión. Volvió en 1973 como Milady de Winter en Los tres mosqueteros (papel que repetiría en la secuela), y después se emparejó con Jack Nicholson en el clásico del film noir Chinatown. A pesar de sus publicitados enfrentamientos con Roman Polanski, Faye ofreció una de sus mejores interpretaciones, recompensada con su segunda nominación al Oscar, que por fin conseguiría en 1976 por su rol de ambiciosa ejecutiva de televisión en Network, un mundo implacable. El crepúsculo de los ídolos: A pesar del Oscar, las siguientes películas de Faye en los 70 fueron mediocres, y tras el infausto remake de Campeón, su carrera comenzó a decaer de nuevo. Pasó la mayor parte de los 80 trabajando en la pequeña pantalla, en telefilms como Evita (1982) y miniseries como Cristobal Colón (1985). En 1987, Barfly encontró una audiencia de culto, pero sus films en esa década pasaron sin pena ni gloria. En los 90 trató de volver a la luz pública aceptando roles secundarios en El sueño de Arizona, Don Juan de Marco o incluso en la española En brazos de la mujer madura. De vuelta a los escenarios, en 1994 fue elegida para reemplazar a Glenn Close como Norma Desmond en la versión musical de El crepúsculo de los dioses, pero poco antes de que las representaciones comenzasen en Los Angeles, Andrew Lloyd Weber canceló el show, supuestamente porque Faye no daba la talla como cantante. Esto provocó que la actriz demandase al compositor, aunque el caso se resolvió fuera de los tribunales. Poco después, consiguió el papel de Maria Callas en Master Class, que espera repetir en el cine. ¿Quién sabe dónde?: Últimamente hemos visto a Faye haciendo pequeños cameos en el remake de El caso Thomas Crown y en Las reglas del juego, y en algunos capítulos de la segunda temporada de la exitosa serie Alias. Además, como ensayo a su anunciado paso al otro lado de las cámaras, en 2001 escribió, produjo, dirigió y protagonizó el corto The Yellow Bird. Su último trabajo ha sido junto a Val Kilmer en el thriller Blind Horizon.

Faye Dunaway

Filmografía básica: La noche deseada (1967), Bonnie y Clyde (1967), El caso Thomas Crown (1968), El compromiso (1969), Pequeño gran hombre (1970), Duelo a muerte en O.K. Corral (1971), Los tres mosqueteros (1973), Chinatown (1974), El coloso en llamas (1974), Los cuatro mosqueteros (1974), Los

tres días del cóndor (1975), Network, un mundo implacable (1976), Campeón (1979), Queridísima mamá (1981), Barfly, el borracho (1987), El sueño de Arizona (1993), Don Juan de Marco (1995), Cámara sellada (1996), Juana de Arco (1999), La otra cara del crimen (2000), Las reglas del juego (2002).

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Emilio Estevez

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E Emilio ESTEVEZ Nueva York, Nueva York (USA); 12/5/1962 Aquellos maravillosos años: Miembro de una respetada dinastía de actores, Emilio decidió conservar su verdadero nombre para labrarse una carrera propia sin que le relacionasen con su famoso padre, Martin Sheen, junto al que trabajó por primera vez en el telefilm To Climb a Mountain (1981). Al año siguiente, debutó en el cine en Tex, un drama juvenil basado en una novela de S.E. Hinton, al igual que su siguiente película, Rebeldes, que lanzó a una nueva generación de actores: Matt Dillon, Tom Cruise, Rob Lowe... En 1983, Oliver Stone le eligió como protagonista de su épica bélica Platoon, pero la producción se canceló a última hora por problemas financieros, y cuando por fin se rodó tres años después, el papel fue para su hermano Charlie Sheen. A continuación, Emilio encontró un filón en las populares películas para adolescentes de John Hughes, y apareció en los dos títulos quintaesenciales del Brat Pack, El club de los cinco y St. Elmo, punto de encuentro. Tratando de sacudirse esa etiqueta, con sólo 23 años escribió, dirigió y protagonizó junto a Demi Moore (su novia por aquel entonces) Wisdom, el delincuente, que fue un fracaso crítico y comercial. Pero pronto se recuperó con el taquillazo de Arma joven, un western orientado a la audiencia juvenil en el que interpretaba al mítico forajido Billy el Niño.

El crepúsculo de los ídolos: Al entrar en los 90, las cosas empezaron a torcerse para Emilio. Su siguiente esfuerzo a ambos lados de la cámara, la comedia Dos chalados y un fiambre (co-protagonizada por su hermano Charlie), pasó inadvertida, y sus siguientes vehículos en solitario no corrieron mejor suerte. Su tabla de salvación durante aquellos años fueron las tres millonarias películas de Somos los mejores, aunque Emilio sólo aceptó hacer una aparición especial en la última si la Disney, productora de la franquicia, financiaba su siguiente trabajo como director, The War at Home, un drama sobre Vietnam que protagonizó junto a su padre y que apenas encontró distribución. ¿Quién sabe dónde?: En los últimos años, Emilio ha continuado ampliando sus créditos directoriales con Rated X, una película ambientada en el mundo del cine porno (de nuevo junto a su hermano) que se estrenó directamente en la televisión por cable. Su nuevo proyecto como productor, guionista, director y protagonista es Bobby, la historia del asesinato del senador Robert Kennedy. Filmografía básica: Rebeldes (1983), Repo Man, el recuperador (1984), El club de los cinco (1985), St. Elmo, punto de encuentro (1985), Wisdom, el delincuente (1986, también director), Procedimiento ilegal (1987), Arma joven (1988), Intrépidos forajidos (1990), Freejack, sin identidad (1992), Somos los mejores (1992), Con el arma a punto (1992), En el punto de mira (1993), Vuelven los mejores (1994), Misión imposible (1996).

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Mia Farrow

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F Mia FARROW [Maria de Lourdes Villiers Farrow] Los Angeles, California (USA); 9/2/1945 Aquellos maravillosos años: Hija de la actriz Maureen O’Sullivan y el director John Farrow, Mia nació para ser una estrella. Debutó en Broadway en un montaje de “La importancia de llamarse Ernesto” en 1963. Al año siguiente, consiguió uno de los papeles protagonistas en la serie Peyton Place, por la que ganó un Globo de Oro, aunque alcanzó mucha más notoriedad cuando se casó en 1965 con Frank Sinatra, treinta años mayor que ella. El matrimonio duró apenas tres años, durante los cuales "La Voz" intentó que Mia abandonase su carrera y dedicase su vida a viajar con él. Cuando Roman Polanski la eligió para ser la madre del Anticristo en La semilla del diablo, Sinatra le entregó los papeles de divorcio delante de todo el equipo de rodaje. Para huir del acoso de la prensa, Mia se marchó a la India en la primavera de 1968 buscando la paz espiritual bajo las enseñanzas del Mahesh Yogi, y allí se encontró con los Beatles, de los que se hizo buena amiga. De regreso a los Estados Unidos, se casó con el compositor Andre Previn (del que se divorciaría en 1978) e interpretó a Daisy Buchanan en El gran Gatsby. En 1982, Mia conoció a Woody Allen en el rodaje de La comedia sexual de una noche de verano, iniciando una relación dentro y fuera de la pantalla que se prolongó durante diez años y tre-

ce películas. Woody escribió sus siguientes guiones a la medida de su musa, y extrajo de ella cualidades que ni el público ni la crítica habían visto antes. El crepúsculo de los ídolos: En 1992, la pareja saltó a las primeras páginas de la prensa internacional cuando Mia descubrió que Woody tenía un romance con su hija adoptiva Soon-Yi. Al parecer, Farrow encontró fotos comprometidas de la joven en el apartamento de Allen, pero incomprensiblemente, siguió trabajando en la que sería su última película juntos, Maridos y mujeres. Sin embargo, sus esperanzas de reconciliación se vinieron abajo cuando Woody y Soon-Yi anunciaron sus planes de casarse. Tras una larga y publicitada batalla legal por la custodia de sus hijos biológicos y adoptados, Mia trató de retomar su carrera, pero sin la protección de su mentor, apenas pudo conseguir algunos papeles secundarios en El pico de las viudas o Miami. ¿Quién sabe dónde?: Mia vive semirretirada, haciendo sólo esporádicos cameos y roles secundarios en algunas películas y telefilms. En 1997 publicó su autobiografía, “What Falls Away”, que se convirtió en un best seller. Actualmente, dedica la mayor parte de su tiempo a cuidar de sus trece hijos biológicos y adoptivos (un decimocuarto murió en 2000) y a su labor como Representante Especial de UNICEF para ayudar a erradicar la poliomelitis (enfermedad que ella misma sufrió en su infancia) entre los niños del Tercer Mundo.

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Filmografía básica: La semilla del diablo (1968), John y Mary (1969), El gran Gatsby (1974), Muerte en el Nilo (1978), La comedia sexual de una noche de verano (1982), Zelig (1983), Broadway Danny Rose (1984), La rosa púrpura de El Cairo (1985), Hannah y sus hermanas (1986), Días de radio (1987), Septiembre (1987), Otra mujer (1988), Historias de Nueva York (1989), Delitos y faltas (1989), Alice (1990), Sombras y niebla (1992), Maridos y mujeres (1992), El pico de las viudas (1994), Miami (1995).

Farrah FAWCETT [Mary Farrah Leni Fawcett] Corpus Christi, Texas (USA); 2/2/1947 Aquellos maravillosos años: Farrah Fawcett dejó su hogar en Texas en 1968 y se marchó a Los Angeles para ser modelo. Dos semanas después de llegar, ya había firmado un contrato y le llovían las ofertas para hacer anuncios. También por entonces conoció al actor Lee Majors, con el que se casaría en 1973. Farrah debutó en el cine con la alucinógena Myra Breckinridge y apareció en varios episodios de la serie de su marido, El hombre de los seis millones de dólares, hasta que en 1976 el productor Aaron Spelling la unió a Kate Jackson y Jaclyn Smith en Los ángeles de Charlie, y el resto es historia televisiva. Aunque la serie estaba concebida como un vehículo para Kate Jackson, fue Farrah en su papel de Jill Munroe, el "ángel deportista", la que se hizo más popular. Por esa época, un póster suyo posando con un inocente traje de baño rojo vendió 8 millones de copias y la consagró como sex symbol definitivo de la segunda mitad de los 70. A pesar de que aún le quedaba un año de contrato, Farrah decidió abandonar Los ángeles de Charlie al finalizar la primera temporada. Spelling la sustituyó por Cheryl Ladd y la demandó por 7 millones de dólares, aunque el caso se resolvió fuera de los tribunales al aceptar Farrah hacer apariciones especiales en algunos episodios de la tercera y la cuarta temporada. Hay distintas versiones sobre los motivos por los que Fawcett dejó la serie: ella dice que simplemente estaba descontenta con su sueldo y con los guiones; pero los más cercanos a la producción afirman

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que se debió a las presiones de Lee Majors, que la quería en casa para prepararle la cena cada noche. El crepúsculo de los ídolos: Farrah intentó revertir su popularidad en una carrera cinematográfica, pero el fracaso de películas como Sol ardiente y Saturno 3 pareció dar la razón a los que decían que no podría mantener el estrellato que había alcanzado como "ángel". Tras divorciarse de Majors en 1982, Farrah inició una larga relación con Ryan O’Neal (con el que tendría un hijo en 1985) y despidió a su agente para manejar personalmente sus asuntos. Decidida a borrar la imagen superficial que todos tenían de ella, interpretó a una víctima de violación con sed de venganza en la obra del off-Broadway “Extremities” (papel que repetiría en la versión cinematográfica de 1986) y protagonizó el telefilm sobre violencia doméstica The Burning Bed, que le valió una nominación al Emmy en 1984. Concentrada en la pequeña pantalla, en 1991 protagonizó junto a O’Neal la sitcom Good Sports, que fue cancelada al cabo de la primera temporada. ¿Quién sabe dónde?: En 1995, a sus 48 espléndidos años, Farrah posó en topless para un ejemplar de “Playboy” que vendió 4 millones de copias. También protagonizó para el Playboy Channel el especial All of Me, que posteriormente se editó en vídeo y fue nº1 de ventas en Estados Unidos. Esto le sirvió para reactivar su carrera cinematográfica, recibiendo estupendas críticas por su participación en The Apostle y El doctor T y las mujeres. También apareció como invitada especial en episodios de Ally McBeal y Spin City. Pero si profesionalmente Farrah parece vivir una segunda juventud, su vida personal ha sido un infierno en los últimos años: a su publicitada separación de Ryan O’Neal en 1997, después de 17 años juntos, le siguió un tormentoso romance con el director James Orr, que fue detenido y llevado a juicio en 1998 después de golpearla brutalmente cuando ella rechazó su proposición de matrimonio. Sus fotos con la cara llena de golpes dieron la vuelta al mundo. En una nota más positiva, parece que Farrah y O’Neal han retomado su relación recientemente, después de que ella estuviese en todo momento al lado del actor cuando le fue diagnosticada una leucemia en 2001.

Farrah Fawcett

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Filmografía básica: Myra Breckinridge (1970), La fuga de Logan (1976), Sol ardiente (1979), Saturno 3 (1980), Los locos de Cannonball (1981), Extremities (1986), The Apostle (1997), El doctor T y las mujeres (2000).

Sally FIELD Pasadena, California (USA); 6/11/1946 Aquellos maravillosos años: Sally Field disfrutó de un considerable éxito en los 60 como protagonista de las series de televisión Gidget (1965) y La monja voladora (1967-1970). Ambas le dieron fama y fortuna, pero también se convirtieron en enormes obstáculos cuando intentó ser considerada una actriz seria. Finalmente, pudo demostrar su valía en el telefilm Sybill, que le valió un Emmy en 1976 por su interpretación de una mujer con trastornos de personalidad múltiple. Poco después, inició una larga relación sentimental con Burt Reynolds, junto al que protagonizaría la taquillera Los caraduras (y su secuela), Hooper el

Sally Field

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increíble y De miedo también se muere. Sally rechazó todas las propuestas de matrimonio del galán y acabaron rompiendo, pero no logró sacudirse la etiqueta de “novia de Burt Reynolds” hasta que en 1979 ganó su primer Oscar por su esforzada composición de la líder sindical de Norma Rae. Lanzada al estrellato, la calidad de sus proyectos mejoró en los años 80, y en 1984 consiguió su segunda estatuilla por En un lugar del corazón, dando lugar a uno de los grandes momentos de la historia de la ceremonia cuando finalizó su discurso con el emocionado grito “¡Os gusto, realmente os gusto!”. El crepúsculo de los ídolos: Field creó la productora Fogwood Films para desarrollar sus propios proyectos, como El romance de Murphy o Magnolias de acero. Al entrar en la madurez, comenzó a encasillarse en papeles de madre combativa y enfrentada al mundo: No sin mi hija, Ojo por ojo, e incluso Forrest Gump, donde interpretaba a la madre de Tom Hanks a pesar de tener sólo diez años más que él. Sin embargo, también ha mostrado su faceta cómica en Escándalo en el plató y en el blockbuster Señora Doubtfire. ¿Quién sabe dónde?: Como les sucede a tantas actrices cuando pasan de los 40, los buenos papeles han empezado a escasear últimamente para Field, que se ha visto relegada a apariciones secundarias y cameos. Por ello, ha ido poniéndose cada vez más al otro lado de las cámaras: en 1998 dirigió un episodio de De la Tierra a la Luna, la aclamada miniserie producida por Tom Hanks, y dos años más tarde saltó a la gran pantalla con Beautiful, un drama protagonizado por Minnie Driver que se estrenó ante la indiferencia general. Volviendo esporádicamente a sus raíces televisivas, Field consiguió un papel recurrente en la serie Urgencias que le valió otro Emmy en 2001. Filmografía básica: Los caraduras (1977), Hooper el increíble (1978), Norma Rae (1979), Más allá del Poseidón (1979), Vuelven los caraduras (1980), Ausencia de malicia (1981), En un lugar del corazón (1984), El romance de Murphy (1985), Magnolias de acero (1989), No sin mi hija (1991), Escándalo en el plató (1991), Señora Doubtfire (1993), Forrest Gump (1994), Ojo por ojo (1996), Dónde está el corazón (2000), Una rubia muy legal 2 (2003)

Carrie FISHER Los Angeles, California (USA); 21/10/1956 Aquellos maravillosos años: Aunque es una reputada guionista y autora de best sellers, los cinéfilos siempre asociarán a Carrie Fisher con el personaje de la Princesa Leia en la trilogía de La guerra de las galaxias. Hija de la actriz Debbie Reynolds y del cantante/actor Eddie Fisher, Carrie comenzó a experimentar a temprana edad el escándalo que la acompañaría durante gran parte de su vida, cuando su padre dejó a su madre para irse con Elizabeth Taylor. Empezó a actuar a los 12 años en los espectáculos de nightclub de su madre e hizo su debut cinematográfico en 1975, como una de las conquistas de Warren Beatty en Shampoo. Después llegaron las tres películas de La guerra de las galaxias. Su creación de la decidida y deslenguada Princesa Leia Organa la convirtió -a pesar de que su horrible peinado en forma de ensaimada fue motivo de cachondeo en todos los ríncones del universo- en una estrella de la noche a la mañana. Un status que la joven actriz no estaba preparada para asimilar. El crepúsculo de los ídolos: En noviembre de 1978 Carrie presentó uno de los programas de Saturday Night Live y se hizo amiga de John Belushi, que la introdujo en el mundo de las drogas. En 1983 se casó con el cantante Paul Simon, pero debido a las adicciones de Fisher, el matrimonio duró menos de un año. Después de sufrir una sobredosis en 1985, ingresó en una clínica de desintoxicación y comenzó a escribir la novela autobiográfica “Postales desde el filo” (1987), que ella misma convirtió más tarde en el guión de la película homónima protagonizada por Meryl Streep y Shirley MacLaine. Durante los 80, Carrie continuó apareciendo esporádicamente en la gran pantalla, especializándose en los papeles de mejor amiga de la protagonista (véanse Hannah y sus hermanas y Cuando Harry encontró a Sally). ¿Quién sabe dónde?: Carrie apareció en varias películas y series de televisión a principios de los 90 y después se apartó de las cámaras para centrarse en su faceta como escritora. Sus otras dos novelas son “Surrender the Pink”, en la que explora su breve matrimonio con Paul Simon, y

Carrie Fisher

“Delusions of Grandma”, que habla sobre su embarazo. A lo largo de la década, se ha convertido en una de las más prolíficas script doctors (guionistas no acreditados) de Hollywood, puliendo los de películas como Hook, Arma letal 3, Sister Act, La mujer del predicador, El chico ideal... También ha escrito guiones para la serie El joven Indiana Jones y para los Oscar de 1997 y 2002. En los últimos años, Carrie ha hecho cameos y pequeños papeles en Austin Powers, Scream 3 o Las seductoras, y ha sido la presentadora del talk show Conversations From the Edge With Carrie Fisher. También apareció junto a Val Kilmer en Wonderland, biopic de la estrella del porno John Holmes. Pero en todo caso, su futuro parece estar definitivamente en la escritura: actualmente está trabajando en una nueva novela, desarrollando una serie de televisión para la Universal y dos comedias para la Disney. Durante su adolescencia, a Carrie le fue diagnosticado un desorden bipolar que le provocaba depresiones maníacas. En 1997 tuvo que ser hospitalizada para que los médicos le cambiasen la medicación que estaba tomando para controlar su enfermedad. Los nuevos medicamentos le provocaron adicción, por lo que en noviembre de 1998, Carrie se inscribió voluntariamente en un programa de tratamiento de drogas para vencer esta dependencia. Filmografía básica: Shampoo (1975), La guerra

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de las galaxias (1977), El imperio contraataca (1980), Granujas a todo ritmo (1980), El retorno del Jedi (1983), Hannah y sus hermanas (1986), No matarás...al vecino (1989), Loverboy (1989), Cuando Harry encontró a Sally (1989), Escándalo en el plató (1991), Austin Powers (1997), Scream 3 (2000), Las seductoras (2001), Wonderland (2003).

Peter FONDA Nueva York, Nueva York (USA); 23/2/1939 Aquellos maravillosos años: Conocido sucesivamente como el hijo de Henry, hermano de Jane y padre de Bridget, Peter Fonda nunca ha alcanzado una continuidad en su carrera que le permitiera escapar de la alargada sombra de su afamada familia. Debutó en Broadway a los 21 años, pero sus inicios estuvieron marcados por las continuas comparaciones con su mítico progenitor. Entró en el cine haciendo papeles de galán romántico en películas juveniles como Tammy and the Doctor y Los jóvenes amantes, hasta que en 1966 interpretó al líder de una banda de violentos moteros en Los ángeles del infierno, una

Peter Fonda

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producción del francotirador Roger Corman, con el que repitió al año siguiente en The Trip, una oda al LSD cuyo guión había sido escrito por Jack Nicholson. Estas dos cintas cimentaron la imagen de Peter como la oveja negra de la familia Fonda, la antítesis de su aparentemente intachable padre. En 1969, Fonda co-escribió, produjo y protagonizó junto a Nicholson y Dennis Hopper el manifiesto antisistema definitivo: Easy Rider, cuyo inesperado éxito crítico y comercial contribuyó enormemente a que Hollywood comenzase a interesarse por las películas de contenido social. Fonda fue nominado al Oscar por su labor como guionista y se convirtió en un icono de la contracultura en su papel del Capitán América. En 1971 se unió de nuevo a Hopper en The Last Movie, que no alcanzó ni de lejos la resonancia de Easy Rider, y debutó en la dirección con el fracasado western Hombre sin fronteras. El crepúsculo de los ídolos: Su reputación de actor difícil y poco dispuesto a plegarse a las exigencias de los estudios le cerró el paso a proyectos más importantes, y Fonda pasó la década de los 70 protagonizando películas de acción de serie B que utilizaban su nombre como gancho. Irónicamente, el salario del hippie millonario solía llevarse la mitad del presupuesto, que utilizaba para financiar sus trabajos tras las cámaras. Su tercer film como realizador, Wanda Nevada, le dio al fin la oportunidad de trabajar junto a su padre. Su carrera siguió cayendo en picado durante los 80. Hizo películas en Alemania y Japón, y a finales de la década volvió a verse eclipsado por el éxito de un miembro de su familia, en este caso su hija Bridget. ¿Quién sabe dónde?: Las cosas empezaron a mejorar para Fonda en los 90, con su recreación del cazavampiros Van Helsing en el film de culto Nadja. Pero su gran comeback llegó cuando Nick Nolte dejó pasar el papel protagonista en El oro de Ulee. Fonda brindó la interpretación de su vida como el apicultor titular, recompensada con un Globo de Oro y una nominación al Oscar. Desde entonces, ha aparecido en el thriller El halcón inglés y se ha mantenido activo trabajando en películas independientes y telefilms. Filmografía básica: Tammy and the Doctor (1963), Los jóvenes amantes (1964), Los ángeles

del infierno (1966), The Trip (1967), Easy Rider (1969), The Last Movie (1971), Wanda Nevada (1979, también director), Los locos de Cannonball (1981), Nadja (1994), 2013: rescate en L.A. (1996), El oro de Ulee (1997), El halcón inglés (1999).

Edward FURLONG [Edward Walter Furlong] Pasadena, California (USA); 2/8/1977 Aquellos maravillosos años: Considerado en su día como uno de los actores más prometedores de su generación, los problemas de índole personal parecen haber truncado la que se prometía una fulgurante carrera. Edward Furlong nunca había mostrado aspiraciones artísticas hasta que un agente de casting que buscaba a un joven actor para el papel de John Connor en el blockbuster Terminator 2, le descubrió en su Pasadena natal y le escogió entre miles de aspirantes al puesto. Furlong saltó al estrellato instantáneo con su debut cinematográfico, impresionando a todo el mundo por una madurez impropia de su edad, que le permitía mantener el tipo ante el mismísimo Arnold Schwarzenegger. A pesar de este esperanzador inicio, sus siguientes películas, aunque bien recibidas por la crítica, fueron virtualmente ignoradas por el público; éste fue el caso de Corazón roto, El arpa de hierba o Antes y después. No fue hasta que el inclasificable John Waters le dio el papel titular en Pecker, que comenzó a remontar el vuelo. A continuación, Furlong ofreció la mejor interpretación de su aún corta carrera como el hermano menor de un neo-nazi arrepentido (Edward Norton) en la imprescindible American History X. Estos dos éxitos consecutivos parecían abrir un brillante horizonte ante el joven actor, que su turbulenta vida privada no tardó en llenar de oscuros nubarrones. El crepúsculo de los ídolos: En 1999, Furlong rompió su publicitada relación con su novia y manager, Jacqueline Domac, diez años mayor que él (y sobre quien en su momento llegó a pender la acusación de corrupción de menores). Domac acudió a los tribunales y cursó contra el actor sendas demandas por abusos físicos y por ruptura de contrato, exigiendo en contrapresta-

Edward Furlong

ción el 15% de sus ingresos durante los tres últimos años. Para acabar de empeorar las cosas, los rumoreados problemas de Furlong con la bebida saltaron a las primeras páginas cuando, en septiembre de 2001, fue arrestado en West Hollywood por provocar un accidente de tráfico conduciendo en estado de embriaguez. ¿Quién sabe dónde?: Tras aparecer en el drama independiente Animal Factory, Furlong decidió alejarse de sus problemas y se marchó a trabajar a Europa, protagonizando la cinta italiana de aventuras medievales I Cavalieri che Fecero L’impresa, y el thriller anglo-francés Three Blind Mice, que apenas han llegado a verse fuera de sus respectivos países de origen. De vuelta a Hollywood, su último proyecto ha sido encarnar al fantasmal vengador de ultratumba en la cuarta entrega de El Cuervo, lo que no permite albergar muchas esperanzas sobre una hipotética recuperación profesional. Filmografía básica: Terminator 2: el juicio final (1991), Cementerio viviente II (1992), Corazón roto (1992), El arpa de hierba (1995), Antes y después (1996), Pecker (1998), American History X (1998), Cero en conducta (1999), Animal Factory (2000).

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Jami Gertz

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G Jami GERTZ Chicago, Illinois (USA); 28/10/1965 Aquellos maravillosos años: Tras ganar un concurso de talentos patrocinado por el productor Norman Lear, Jami Gertz debutó en el cine a los 16 años en el desastroso vehículo de Brooke Shields Amor sin fin (que también supuso la primera incursión en la gran pantalla de Tom Cruise). Después apareció en la serie Square Pegs junto a una jovencita Sarah Jessica Parker. Aunque fue cancelada al cabo de la primera temporada, Jami logró que la audiencia se fijase en ella y las cosas comenzaron a ponerse en marcha. Consiguió un papel recurrente en The Facts of Life, se la vio en episodios de Arnold y Enredos de familia, y en 1984 se convirtió en miembro oficial del famoso Brat Pack tras su aparición en Dieciséis velas. De todos modos, su trabajo más reconocible a día de hoy sigue siendo la estilizada cinta de vampiros teenager Jóvenes ocultos. El crepúsculo de los ídolos: Jami estuvo impresionante como niña rica y drogata en Golpe al sueño americano, adaptación de la polémica novela de Bret Easton Ellis “Menos que cero”, pero la película se estrelló en taquilla y marcó el inicio de su declive. Sus apariciones en la gran pantalla comenzaron a escasear y tras un par de films mediocres y la efímera sitcom Sibs, desapareció del mapa a principios de los 90 para cuidar de su hijo recién nacido.

¿Quién sabe dónde?: Tras una ausencia de cuatro años, Jami resurgió en 1996 como la novia del cazatornados Bill Paxton en el blockbuster Twister. Este éxito la llevó a un papel recurrente como psiquiatra en seis episodios de la temporada 1996-1997 de Urgencias. Más recientemente, fue una abogada devorahombres en Ally McBeal, rol que le valió una nominación a los Emmy en 2000. Filmografía básica: Amor sin fin (1981), Dieciséis velas (1984), Quicksilver (1986), Cruce de caminos (1986), Jóvenes ocultos (1987), Golpe al sueño americano (1987), Renegados (1989), Hay un muerto en mi cama (1991), Twister (1996).

Paul Michael GLASER [Paul Manfred Glaser] Cambridge, Massachussetts (USA); 25/3/1943 Aquellos maravillosos años: Actor reconvertido en director de éxito, Paul Michael Glaser siempre permanecerá en el imaginario colectivo como Dave Starsky, el 50% de la pareja de policías protagonista de la recordada Starsky & Hutch. Debutó en 1969 en la serie Love Is a Many Splendored Thing, a la que siguieron episodios de Las calles de San Francisco, Kojak y Los casos de Rockford. Hizo un par de incursiones en el cine con El violinista en el tejado y Las mariposas son libres (que ya había representado en Broadway en 1970), pero estaba escrito que sería en la televisión

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donde Glaser iba a alcanzar el superestrellato. En 1975 venció a otros 150 aspirantes al papel de Starsky, y su instantánea química con David Soul contribuyó en gran medida al éxito de la serie. De hecho, los dos actores forjaron una gran amistad dentro y fuera del plató. Starsky & Hutch se convirtió en un fenómeno sociológico, y durante aquellos años no hubo en nuestro país macarra de barrio que no pintase su SEAT 600 de rojo tomate cruzado por una franja blanca, a imagen y semejanza del legendario Ford Torino que la pareja utilizaba para perseguir delincuentes. Durante la tercera temporada de la serie, Glaser comenzó a dirigir algunos episodios, experiencia que le resultaría de gran utilidad para su carrera posterior. Tras la cancelación de Starsky & Hutch en 1979, protagonizó la película Phobia y algunos telefilms, hasta que en 1984 decidió abandonar la interpretación para concentrarse en la dirección de algunos de los mejores episodios de Corrupción en Miami, labor por la que recibiría una nominación al Emmy. Fue también en esta época cuando la tragedia golpeó brutalmente a su familia. El crepúsculo de los ídolos: En 1981, su esposa Elizabeth recibió una transfusión de sangre con-

taminada por el virus VIH mientras daba a luz a su hija Ariel, pero no lo supieron hasta que toda la familia se sometió a las pruebas del SIDA en 1984 y descubrieron que Elizabeth había transmitido el virus a sus dos hijos. Cuando Ariel murió en 1988, los Glaser ayudaron a fundar la Pediatric AIDS Foundation y se convirtieron en incansables activistas en la lucha contra la enfermedad. En medio de la tragedia, Paul logró sacar fuerzas para seguir desarrollando su nueva carrera detrás de las cámaras, y en 1986 debutó como director de largometrajes con La banda de la mano, a la que seguirían Perseguido, Una tribu en la cancha y Kazaam, de la que también fue guionista y productor. ¿Quién sabe dónde?: Al morir Elizabeth en 1994, Glaser la sustituyó como presidente de la Pediatric AIDS Foundation, cargo que desempeñó hasta enero de 2002. Nombrado Presidente Honorario, sigue sirviendo como asesor de la fundación desde su nuevo puesto. Últimamente ha dirigido varios episodios de la serie The Agency y ha vuelto a ponerse delante de las cámaras, casi 20 años después, haciendo un cameo en la adaptación cinematográfica de Starsky & Hutch, y un pequeño papel en la comedia Cuando menos te lo esperas. Filmografía básica: El violinista en el tejado (1971), Las mariposas son libres (1972), Phobia (1980), La banda de la mano (1986, director), Perseguido (1987, director), Una tribu en la cancha (1994, director), Kazaam (1996, director), Cuando menos te lo esperas (2003), Starsky & Hutch (2004).

Elliott GOULD [Elliott Goldstein] Brooklyn, Nueva York (USA); 29/8/1938

Paul Michael Glaser

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Aquellos maravillosos años: Personificación de la angustia de la joven clase media americana a finales de los 60 y principios de los 70, Elliott Gould fue una de las estrellas más populares de su tiempo, y hoy sigue trabajando profusamente como actor de carácter. A los 18 años comenzó a asomarse a los escenarios de Broadway y consiguió el papel principal frente a Barbra Streisand en la obra “I Can Get It For You Wholesale”, que

Elliot Gould

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fue rápidamente cancelada, aunque la pareja aún tuvo tiempo para enamorarse y casarse en 1963. Mientras la popularidad de su esposa se disparaba hasta la estratosfera, Gould veía cómo su propia carrera se estancaba, y tenía que soportar que todo el mundo le conociese como “Mr. Streisand”. Tras divorciarse de Barbra y someterse a psicoanálisis, alcanzó el estrellato gracias a la comedia sobre intercambio de parejas Bob & Carol & Ted & Alice, que le valió una nominación al Oscar en 1969. Pero fue M.A.S.H. la que realmente le puso en el punto de mira del público. La radical comedia antimilitar de Robert Altman le convirtió en un icono de la contracultura y le llevó a la portada de la revista “Time”. Gould se hizo enormemente popular entre los treintañeros, que se identificaron con los personajes confusos y neuróticos que interpretaba, imagen reforzada en sus siguientes trabajos con Altman: El largo adiós, California Split y Nashville. El crepúsculo de los ídolos: A principios de los 70, Gould parecía estar en todas partes, pero lentamente su carrera comenzó a declinar. Su publicitada participación en La carcoma, la primera película en inglés de Ingmar Bergman, fue vapuleada por la crítica, y el actor pasó el resto de la década encadenando un fracaso tras otro: Capricornio Uno, el remake del clásico de Hitchcock La dama del expreso, o S.P.Y.S, un desafortunado intento de repetir el éxito de M.A.S.H. junto a su co-protagonista en aquella, Donald Sutherland. Por otra parte, los ejecutivos de los estudios empezaban a cuestionarse la salud mental de Gould, dado su bizarro comportamiento en los sets de rodaje. Tanto es así que, antes de autorizar su contratación para hacer El largo adiós, la United Artists le obligó a someterse a un examen psiquiátrico para comprobar si estaba completamente cuerdo. Aparentemente, lo estaba. ¿Quién sabe dónde?: Gould pasó los 80 haciendo numerosas y olvidables películas y telefilms, hasta que un pequeño pero efectivo rol en Bugsy y, sobre todo, un papel recurrente como el padre de Ross y Monica en la archipopular sitcom Friends, le devolvieron al primer plano, ahora como actor secundario. Sus últimos trabajos incluyen apariciones en American History X, Cachitos picantes y la taquillera Ocean´s 11.

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Filmografía básica: Bob, Carol, Ted y Alice (1969), M.A.S.H. (1970), La carcoma (1971), El largo adiós (1973), California Split (1974), Nashville (1975), Harry y Walter van a Nueva York (1976), Un puente lejano (1977), Capricornio Uno (1978), El último vuelo del Arca de Noé (1980), Bugsy (1991), El juego de Hollywood (1992), American History X (1998), Ocean´s 11 (2001).

Louis GOSSETT JR. Brooklyn, Nueva York (USA); 27/5/1936 Aquellos maravillosos años: Con su cabeza rapada, sus casi 2,00 metros de altura y su profunda voz, Louis Gossett Jr. proyecta autoridad en cada uno de sus trabajos y se ha convertido en uno de los actores afroamericanos más respetados de Hollywood. Jugó al baloncesto en el instituto hasta que una lesión de rodilla le decidió a

Louis Gosset Jr.

probar suerte en la interpretación. Hizo su debut en Broadway a los 16 años y pronto consiguió sus primeros papeles en la pequeña pantalla. Cuando salió de la universidad, los New York Knicks le ofrecieron un contrato, y llegó a jugar algunos partidos con ellos antes de regresar definitivamente a su carrera actoral. Durante los 60, Gossett siguió combinando sus apariciones en el teatro y la televisión, que finalmente acabaron conduciéndole al cine. Su popularidad creció exponencialmente gracias a su rol de Fiddler en la aclamada serie Raíces (1977), que le valió un Emmy. Pero su definitivo salto a la fama le llegó como el vociferante sargento instructor que le hace la vida imposible al pobre Richard Gere en Oficial y caballero, papel por el que ganó el Oscar en 1982. El crepúsculo de los ídolos: El Oscar no fue una garantía de buenos papeles para Gossett. Aún así, estuvo brillante como un alienígena enfrentado a Dennis Quaid en Enemigo mío, y se limitó a repetir su personaje de Oficial y caballero en Águila de acero, un exploit juvenil de Top Gun que dio buenos dividendos en taquilla, propiciando una franquicia de calidad e ingresos progresivamente menguantes. Guardándose sus mejores interpretaciones para la televisión, encarnó al asesinado presidente egipcio en la miniserie Sadat (1983), lo que provocó que el gobierno de aquel país vetase sus películas. ¿Quién sabe dónde?: Aunque los créditos cinematográficos de Gossett en los 90 fueron muy escasos, se mantuvo como una presencia habitual en la pequeña pantalla, haciendo series, telefilms como The Josephine Baker Story (por la que ganó un Globo de Oro en 1991) y narrando documentales. También inició una carrera como productor que le garantiza un mayor control creativo sobre sus proyectos, y en 1999 se estrenó como director con la película para televisión Love Songs. En 2002 ejerció como maestro de ceremonias en la inaguración de los JJ.OO. de Invierno de Salt Lake City. Filmografía básica: Un lugar en el sol (1971), Abismo (1977), Oficial y caballero (1982), Tiburón 3-D (1983), Enemigo mío (1985), Águila de acero (1986), El rector (1987), Águila de acero II (1988), Águila de acero III (1992), Un buen hombre en África (1994), Águila de acero IV (1995).

Jennifer GREY Nueva York, Nueva York (USA); 26/3/1960 Aquellos maravillosos años: Hija del actor y coreógrafo Joel Grey (el maestro de ceremonias de Cabaret), Jennifer se inició en la profesión haciendo spots publicitarios y apareciendo en diversas obras de teatro del off-Broadway. Debutó en el cine en 1984 con un pequeño papel en Cotton Club y luchando contra una improbable invasión ruso-cubana en la fascistada juvenil Amanecer rojo. Dio su primer toque de atención como la envidiosa hermana de Matthew Broderick (al que estuvo unida sentimentalmente durante un tiempo) en la comedia de John Hughes Todo en un día, pero siempre se la recordará por su papel de Baby frente al macarra Patrick Swayze en el éxito-sorpresa de 1987 Dirty Dancing. Irónicamente, fue su belleza poco convencional lo que la hizo perfecta para el personaje, ya que el público se identificó plenamente con ella. Pero fue eso mismo lo que frenó su carrera después de Dirty Dancing.

Jennifer Grey

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El crepúsculo de los ídolos: A principios de los 90, Jennifer se sometió a cirugía plástica para retocar su prominente nariz. Desafortunadamente, la operación no salió demasiado bien y la actriz tuvo que someterse a una segunda intervención quirúrgica para arreglar el problema. Resultado: una nueva imagen que la hacía casi irreconocible hasta para los fans más recalcitrantes de Dirty Dancing. El fiasco de La fuerza del viento sepultó su carrera cinematográfica, y Jennifer se refugió en la pequeña pantalla, donde ha encontrado más oportunidades protagonizando una larga lista de telefilms y haciendo apariciones especiales en series como Friends. En 1994 interpretó a la esposa de Gene Wilder en el episodio-piloto de su sitcom Something Wilder, pero fue sustituída porque el público no aprobaba la gran diferencia de edad entre los dos personajes. ¿Quién sabe dónde?: En un movimiento valiente, Jennifer se autoparodió en el show It´s Like, You Know (1999), en el que se reía de su propia carrera, de su fallida cirugía y de otros éxitos y fracasos profesionales y personales. Pese a ganarse una audiencia de culto, la serie fue cancelada al cabo de la segunda temporada. Tras largos años de ausencia, volvió al cine en 2000 con un papel secundario en la comedia romántica Algo que contar, junto a Ben Affleck y Gwyneth Paltrow. Filmografía básica: Amanecer rojo (1984), Cotton Club (1984), American Flyers (1985), Todo en un día (1986), Dirty Dancing (1987), La fuerza del viento (1992), Algo que contar (2000).

Steve GUTTENBERG Nueva York, Nueva York (USA); 24/8/1958 Aquellos maravillosos años: Muchos aficionados se sorprenderían al saber que las películas protagonizadas por Steve Guttenberg han recaudado en conjunto más de 1.000 millones de dólares sólo en USA, una cifra al alcance de pocas estrellas. Sin embargo, este actor con pinta de vecino de al lado nunca ha logrado acceder a la “lista A” que marca las diferencias en Hollywood. Poco después de su debut en la comedia adolescente The Chicken Chronicles (1977) tuvo que pasar la dura prueba de compartir pantalla con Laurence Olivier y Gregory Peck en el thriller Los

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niños del Brasil. Su incipiente carrera sufrió un revés con el fracaso de Que no pare la música, un engendro discotequero que trataba de explotar el éxito de los Village People, pero se recuperó merced a su excelente trabajo en Diner, film que también descubrió a Mickey Rourke. Guttenberg pasaría el resto de la década de los 80 interpretando el personaje que le haría famoso en todo el mundo: el indisciplinado y mujeriego agente (luego ascendido a sargento) Carey Mahoney en las cuatro primeras entregas de la exitosa saga Loca academia de policía. Entre medias, aún le quedó tiempo para aparecer en otras franquicias fílmicas como Cocoon, Tres hombres y un biberón y Cortocircuito. El crepúsculo de los ídolos: De raíces firmemente asentadas en el teatro, Guttenberg quedó fuera de la vista del público en la primera mitad de los 90 para subirse a los escenarios de Broadway y Londres. Volvió al cine en 1995, pero los fracasos consecutivos de A casa por vacaciones y Dos por el precio de una le relegaron a los mercados del vídeo y la TV por cable. ¿Quién sabe dónde?: Su incansable dedicación a los niños propició que la organización benéfica Entertainment Industry le nombrase Embajador para Asuntos Infantiles. Este interés por los más jóvenes se ha visto reflejado en sus últimos trabajos como productor, director y protagonista de películas, telefilms y programas de televisión destinados al público infantil. En 2002 fue nombrado alcalde honorífico de Pacific Palisades (California), su lugar de residencia, por su labor en favor de los niños y la gente sin hogar. Ese mismo año produjo, escribió, dirigió y protagonizó la adaptación cinematográfica del éxito de Broadway P. S. Your Cat Is Dead, más famosa por ser la obra en la que estaba trabajando Sal Mineo cuando fue asesinado en 1976. Filmografía básica: Los niños del Brasil (1978), Que no pare la música (1980), Diner (1982), El día después (1983), Loca Academia de Policía (1984), Loca Academia de Policía 2: su primera misión (1985), Cocoon (1985), Loca Academia de Policía 3 (1986), Cortocircuito (1986), Loca Academia de Policía 4: los ciudadanos se defienden (1987), Tres hombres y un biberón (1987), El hotel de los fantasmas (1988), Cocoon: el regreso (1988), Tres hombres y una pequeña dama (1990), A casa por vacaciones (1995).

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Anthony Michael Hall

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H Anthony Michael HALL [Michael Anthony Thomas Charles Hall] Boston, Massachussetts (USA); 14/4/1968 Aquellos maravillosos años: Tras hacer algunos spots publicitarios, Anthony debutó en el cine en 1982 con Six Pack, mediocre producción a mayor gloria del cantante country Kenny Rogers. Un año después, fue el hijo de Chevy Chase en National Lampoon´s Vacation, cuyo éxito de taquilla propició varias secuelas, aunque Anthony no aparecería en ninguna de ellas. Su figura desgarbada y su expresión inocente le convertían en el candidato ideal para interpretar al bobalicón enamorado de Molly Ringwald en Dieciséis velas, uno de los títulos quintaesenciales del Brat Pack (se dice que el director y guionista John Hughes le utilizó como alter ego para revivir sus propios años de estudiante inadaptado), que lanzó al estrellato a su pareja protagonista, que durante un breve tiempo también lo fue más allá de las pantallas. Anthony aprovechó su recién adquirida popularidad para ingresar en el cast del show televisivo Saturday Night Live en 1985, convirtiéndose en el miembro más joven en la historia del programa. Sin embargo, al término de su primera temporada tuvo que abandonarlo para entrar en una clínica de rehabilitación (había comenzado a empinar el codo a los 13 añitos). Irónicamente, aquél debería haber sido el mejor año de su

vida, gracias a los éxitos de sus dos nuevas películas con Hughes, El club de los cinco y La mujer explosiva. El crepúsculo de los ídolos: Temiendo quedar encasillado en papeles de púber atontado, Anthony rechazó los protagonistas de Todo en un día y La chica de rosa (otros dos films de la Factoría Hughes), y se puso a las órdenes de Stanley Kubrick para interpretar al soldado Joker en La chaqueta metálica . Sin embargo, sus continuos enfrentamientos con el legendario director provocaron su sustitución por Matthew Modine al poco de iniciarse el rodaje. Su siguiente vehículo estelar, Johnny Superstar, se estrelló en taquilla, y Anthony desapareció del mapa durante varios años. ¿Quién sabe dónde?: Completamente limpio de su afición a la botella, Anthony comenzó en los 90 su segunda vida profesional como actor de carácter en Eduardo Manostijeras y Seis grados de separación. En 1994 se pasó a la dirección con Hail Caesar, que también protagonizaba. Últimamente triunfa en la TV americana con la serie La zona muerta, adaptación de la película, basada a su vez en el best seller de Stephen King. En mayo de 2001, mientras rodaba la serie en Vancouver (Canadá), tuvo que ser ingresado en un hospital tras sufrir un episodio de depresión bipolar psicótica. Fue dado de alta 24 horas después, pero la compañía aseguradora de la serie le demandó por negligencia, ya que no confesó que sufría la citada enfermedad cuando firmó el contrato.

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Mark Hamill

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La otra gran pasión de Anthony es la música. Recientemente lanzó su primer disco con su banda de rock, Hall of Mirrors. Varias canciones del álbum podían escucharse en la banda sonora de la comedia Freddy el colgao, en la que tenía un papel secundario. Filmografía básica: National Lampoon´s Vacation (1983), Dieciséis velas (1984), El club de los cinco (1985), La mujer explosiva (1985), Johnny Superstar (1988), Eduardo Manostijeras (1990), Seis grados de separación (1993), Freddy el colgao (2001).

Mark HAMILL Oakland, California (USA); 25/9/1951 Aquellos maravillosos años: Cuando Mark Hamill aceptó el papel de Luke Skywalker en La guerra de las galaxias, poco podía imaginar que terminaría convirtiéndose en un icono cultural para los jóvenes de todo el mundo. Antes de debutar en el cine con el personaje que le lanzó a la fama y le encasilló para siempre, el joven Mark se curtió en la pequeña pantalla con papeles regulares en las series Hospital General (1972-73) y Texas Wheeler (1974), varios telefilms y el episodio-piloto de Con ocho basta. En diciembre de 1976, unos meses antes del estreno de La guerra de las galaxias, sufrió un grave accidente de coche que le dejó desfigurado y obligó a los cirujanos a reconstruirle la mayor parte del rostro, algo que resultaba claramente apreciable en los primeros planos de El imperio contraataca. Aunque su personaje se mantuvo como el eje central de la trilogía, la trama se fue desviando progresivamente hacia su co-protagonista, el socarrón y carismático Han Solo interpretado por Harrison Ford, y su romance con la Princesa Leia. El crepúsculo de los ídolos: Impulsado por el megaéxito de la saga galáctica, Hamill apareció en films como la comedia juvenil Corvette Summer, el drama bélico Uno rojo, división de choque, y la delirante producción inglesa Brittania Hospital, pero nunca logró establecerse como una estrella capaz de cargar con el peso de una película. El público le identificaba demasiado con el personaje de Luke Skywalker como para aceptarle en otro tipo de papeles, y después de El retorno del Jedi, tuvieron que pasar seis años

antes de que volviese a ponerse ante las cámaras en la futurista Slipstream, la fuerza del viento. Alcanzando las más profundas simas de la psicotronía, incluso llegó a co-protagonizar junto a Christopher Lee y Teresa Gimpera La caída de las águilas, una chapucera serie Z bélica dirigida por el inefable Jesús Franco. Más fortuna tuvo en Broadway, donde obtuvo excelentes críticas por sus interpretaciones de John Merrick en “El hombre elefante” y de Mozart en “Amadeus”. ¿Quién sabe dónde?: En los 90, Hamill hizo varias producciones de bajo presupuesto dirigidas al mercado del vídeo, y papeles secundarios en sendas películas de John Carpenter, Body Bags: bolsa de cadáveres y El pueblo de los malditos. Gran aficionado a los cómics, ha prestado su voz al Joker en Batman: the Animated Series y a otros personajes en más de 200 series de dibujos animados: Spider-Man, Las Supernenas, El increíble Hulk... También ha participado en la realización de juegos de ordenador, bien poniendo su voz o actuando en escenas de vídeo en la popular saga Wing Commander. Y aún le ha quedado tiempo para escribir la novela gráfica The Black Pearl, un gran éxito de ventas que espera poder convertir en una película de animación, y para autoparodiarse en Jay y Bob el Silencioso contraatacan, dirigida por el fanático del universo Star Wars Kevin Smith. Recientemente debutó como director con Comic Book: The Movie, una película para el mercado del vídeo que también protagonizó. Filmografía básica: La guerra de las galaxias (1977), El imperio contraataca (1980), Uno rojo, división de choque (1980), Brittania Hospital (1982), El retorno del Jedi (1983), Slipstream, la fuerza del viento (1989), Body Bags: bolsa de cadáveres (1993), El pueblo de los malditos (1995).

Linda HAMILTON Salisbury, Maryland (USA); 26/9/1956 Aquellos maravillosos años: Tras aparecer a principios de los 80 en un puñado de irrelevantes telefilms y de tener un papel recurrente en Canción triste de Hill Street, en 1984 Linda Hamilton fue elegida por James Cameron para encarnar a Sarah Connor, objetivo de un androide homici-

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Linda Hamilton

da llegado del futuro, en una película de cienciaficción de presupuesto modesto titulada Terminator. El inesperado éxito de la cinta obligó a los críticos a aprender a deletrear correctamente “Schwarzenneger”, además de impulsar a Hamilton a otros roles enmarcados en el género fantástico-terrorífico, como Los chicos del maiz y la popular serie de televisión La Bella y la Bestia (1987-1989), revisión contemporánea del inmortal cuento de hadas en la que la actriz era una abogada neoyorquina que se enamora del monstruo (un Ron Perlman que apenas necesitó maquillaje) cuando éste la salva de unos atracadores. En 1991, Cameron, Schwarzenneger y Hamilton se reunieron para hacer la esperada secuela de Terminator. Trece semanas antes de comenzar la filmación, la actriz se sometió a un riguroso entrenamiento militar para su nueva caracterización de Sarah Connor, transformada en una fiera y musculada guerrera que por momentos parece más dura que el propio Arnie, ahora reciclado en robot bueno y protector, y que fue saludada como la sucesora de la Sigourney Weaver de Alien. El crepúsculo de los ídolos: Al finalizar el rodaje de Terminator 2, Hamilton y Cameron iniciaron un romance que acabaría desembocando en boda y posterior divorcio (1997-1999). La actriz pasó los siguientes tres años alejada de las pantallas para cuidar de la hija que tuvo con Came-

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ron en 1993. Cuando volvió al trabajo, descubrió que su composición de Sarah Connor había causado tanto impacto que había quedado encasillada y sólo le ofrecían papeles de mujeres de armas tomar, como la que interpretó en la cinta de catástrofes Un pueblo llamado Dante´s Peak, junto a Pierce Brosnan. ¿Quién sabe dónde?: En 1996, Hamilton volvió a meterse en la piel de Sarah Connor para rodar T2: 3-D, un cortometraje en tres dimensiones exhibido en parques temáticos estadounidenses, pero después se negó a protagonizar Terminator 3: La rebelíon de las máquinas . En los últimos tiempos ha aparecido en telefims y películas independientes, aunque parece haber encontrado una nueva vocación como actriz de doblaje en series de animación como Hércules, Batman Beyond y Buzz Lightyear. Recientemente se ha sabido que a Hamilton le fue diagnosticado en su juventud un desorden bipolar, y que rechazó el tratamiento a base de drogas que los médicos le prescribieron. Víctima de frecuentes crisis maníaco-depresivas, se volvió adicta a la cocaína en un intento de combatir sus frustraciones profesionales y personales, y no fue hasta que cumplió 30 años cuando decidió por fin comenzar un tratamiento con antidepresivos para controlar su enfermedad. Filmografía básica: Terminator (1984), Los chicos del maiz (1984), Terminator 2: el día del juicio (1991), Conspiración en la sombra (1997), Un pueblo llamado Dante´s Peak (1997).

Daryl HANNAH Chicago, Illinois (USA); 3/12/1960 Aquellos maravillosos años: Alta, rubia y de ojos azules, Daryl Hannah estaba hecha para el showbiz. Debutó en el cine a los 17 años con un pequeño papel en La furia, pero fue como Pris, la acrobática y sexy replicante de Blade Runner, cuando consiguió que el público reparase por primera vez en ella. En esta época comenzó una relación de diez años con el cantante Jackson Browne, y ocasionalmente se unió a su banda para tocar los teclados y hacer coros, tanto en estudio como en concierto. Saltó a la fama con su deliciosa interpretación de una sirena en la ta-

Daryl Hannah

quillera comedia 1,2,3... Splash! Sus siguientes películas le exigieron poco más que lucir su espectacular físico, aunque brindó una gran interpretación junto a Steve Martin en Roxanne, relectura contemporánea de Cyrano de Bergerac. Y en Magnolias de acero y Jugando en los campos del señor demostró ser capaz de afrontar papeles menos glamourosos. El crepúsculo de los ídolos: Durante la primera mitad de los 90, Daryl ocupó más espacio en la prensa por su noviazgo con el finado John-John Kennedy que por sus películas. La pareja se separó en 1994, supuestamente debido a la oposi-

ción de Jackie Kennedy Onassis a que su hijo se casase con una actriz. Ese mismo año debutó como directora con el corto The Last Supper, que ganó el Premio del Jurado en el Festival de Berlín. En la segunda parte de la década, Hannah dio un giro a su carrera para decantarse por el cine independiente, y también se dejó ver en la pequeña pantalla en el remake de La ventana indiscreta y en la aclamada miniserie El último Don, basada en la novela de Mario Puzo. ¿Quién sabe dónde?: En otoño del 2000, Daryl protagonizó el montaje londinense de “La tentación vive arriba”, repitiendo el papel que hiciera

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Marilyn Monroe en el cine, con división de críticas. Recientemente apareció en un videoclip del autoproclamado bad boy del pop inglés, Robbie Williams, y ha vuelto a las producciones de gran presupuesto de la mano de Quentin Tarantino en las dos entregas de Kill Bill. Filmografía básica: La furia (1978), Blade Runner (1982), 1,2,3... Splash! (1984), El clan del oso cavernario (1986), Peligrosamente juntos (1986), Roxanne (1987), Wall Street (1987), El hotel de los fantasmas (1988), Delitos y faltas (1989), Magnolias de acero (1989), Jugando en los campos del señor (1991), Memorias de un hombre invisible (1992), Dos viejos gruñones (1993), Discordias a la carta (1995), Two Much (1996), Una rubia auténtica (1997), Conflicto de intereses (1998), Kill Bill Vol. 1 (2003). Kill Bill Vol. 2 (2004)

Woody HARRELSON [Woodrow Tracy Harrelson] Midland, Texas (USA); 23/7/1961 Aquellos maravillosos años: Hijo de un asesino a sueldo convicto, ferviente activista medioambiental, abanderado de la legalización de la marihuana... Woody Harrelson es tanto o más famoso por sus actividades lejos de las cámaras que por su trabajo delante de ellas. Saliendo de

Woody Harrelson

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ninguna parte, en 1985 inició su meteórica carrera al unirse al reparto de la popular serie Cheers en la cuarta temporada, interpretando al ingenuo y bondadoso camarero Woody Boyd, papel por el que ganó un Emmy en 1988. Durante sus años en Cheers apareció en varios telefilms e hizo algunas incursiones en la gran pantalla, pero su gran salto al estrellato cinematográfico llegó con el éxito-sorpresa de 1992 Los blancos no la saben meter. Tratando de escapar de la sombra de su alter ego televisivo, Woody fue primero el marido cornudo de Demi Moore en Una proposición indecente, después el psicópata Mickey Knox en la hiperpolémica Asesinos natos, y por último el pornógrafo Larry Flynt en el biopic El escándalo de Larry Flynt, que le valió una nominación al Oscar en 1996. El crepúsculo de los ídolos: Woody se compró en 1993 su propia parcela de bosque tropical en Costa Rica, y pasa allí largas temporadas viviendo en comunas. Además, él y su mujer fundaron la organización Oasis Preserve International para defender el ecosistema. Pero su concienciación con el medio ambiente también le ha traído problemas con la ley: en junio de 1996 fue arrestado por plantar semillas de marihuana en Kentucky como acto de protesta, pero salió absuelto; y en noviembre del mismo año, volvió a ser detenido junto a otros ocho activistas por escalar el Golden Gate para colgar una pancarta contra la tala de árboles en el Headwater Complex (una reserva natural del norte de California), y esta vez fue condenado a 25 horas de servicio comunitario. Con una vida social tan ocupada, no es de extrañar que Woody apenas se prodigase en la pantalla durante la segunda mitad de los 90, limitándose a pequeños papeles en La cortina de humo o La delgada línea roja. ¿Quién sabe dónde?: El bajo perfil que Woody ha mantenido en los últimos años se debe por un lado a los pobres resultados comerciales de sus películas, y por otro, a la fama de polémico que le han ganado su extravagante estilo de vida, su ideología abiertamente izquierdista (fue uno de los actores más críticos con la política de George Bush durante la última guerra de Irak) y su frecuente comportamiento errático en los sets de rodaje. En la primavera de 2001 se embarcó junto a varios amigos en un viaje por toda la costa

Oeste del país a bordo de un autobús propulsado por combustible no contaminante, haciendo escalas en los campus universitarios para dar charlas sobre los alimentos orgánicos, la energía solar y el salvamento de bosques y animales en peligro de extinción; el viaje fue recogido en el documental Go Further, exhibido en varios festivales. En el cine “convencional”, recientemente pudimos verle como protagonista en la insulsa comedieta Esto no es un atraco y en un travestido cameo en Ejecutivo agresivo. Después ha trabajado en She Hate Me, lo último de Spike Lee, y en la comedia de acción After the Sunset. Filmografía básica: Doc Hollywood (1991), Los blancos no la saben meter (1992), Una proposición indecente (1993), Asesinos natos (1994), Asalto al tren del dinero (1995), Sunchaser (1996), Vaya par de idiotas (1996), El escándalo de Larry Flynt (1996), Welcome to Sarajevo (1997), La cortina de humo (1997), La delgada línea roja (1998), The Hi-Lo Country (1998), EdTV (1999), Jugando a tope (1999), Esto no es un atraco (2002).

Rutger HAUER Breukelen, Utrech (Holanda); 23/1/1944 Rutger Hauer

Aquellos maravillosos años: En una entrevista concedida en 1976 con motivo de la publicación de Entrevista con el vampiro, la escritora Anne Rice confesaba que se había inspirado en Rutger Hauer para crear al personaje de Lestat... Lástima que cuando la novela se llevó a la pantalla dos décadas después, el actor ya fuese demasiado viejo para el papel. Rubio, de acerados ojos azules, alto y atractivo, Hauer ya era la mayor estrella del cine holandés años antes de que el público americano supiese de su existencia. Esa etapa de su carrera está indisolublemente unida al director Paul Verhoeven, a cuyas órdenes protagonizó títulos como Delicias turcas (nominada al Oscar al Mejor Film Extranjero en 1973), Eric, oficial de la reina y Vivir a tope, en los que acostumbraba a alegrar la vista de las espectadoras con numerosos desnudos frontales que se convirtieron en su marca de fábrica. Abandonando la seguridad del cine neerlandés, desembarcó en Hollywood en 1981, haciendo un impactante debut como el terrorista al

que persigue Sylvester Stallone en el estimable thriller Los halcones de la noche. Pero si Hauer es recordado por un sólo personaje, ese es Roy Batty, el ambiguo replicante con sentimientos humanos de la obra maestra de la ciencia-ficción Blade Runner, donde logró eclipsar al mismísimo Harrison Ford. Su estremecedor soliloquio final ha quedado grabado con letras de oro en la historia del cine. El crepúsculo de los ídolos: Después de Blade Runner, Hauer protagonizó junto a Michelle Pfeiffer la mágica historia de amor Lady Halcon, y volvió a trabajar con Paul Verhoeven en Los señores del acero, dos films que nos lo presentaron como héroe medieval. Pero salvo Carretera al infierno (donde era un autoestopista psicópata que perseguía incansablemente al pobre C. Thomas Howell) y la italiana La leyenda del santo bebedor, fue incapaz de encontrar otros papeles que le mantuvieran en la cresta de la ola. Come-

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tió el error de rechazar el protagonista en Robocop (hubiese sido su sexta película con Verhoeven), y a comienzos de los 90, sorprendió a sus fans al protagonizar una serie de spots publicitarios para la cerveza Guinness. ¿Quién sabe dónde?: La pasada década vio a Hauer en infinidad de películas de acción para la televisión o estrenadas directamente en vídeo, interpretando indistintamente héroes y villanos. Incluso su film más popular en aquellos años, la comedia de terror Buffy la cazavampiros, tuvo mucho más éxito en su posterior versión televisiva. En 1999, la industria cinematográfica de su país le rindió un merecido tributo al nombrarle Actor Holandés del Siglo, además de elegir Delicias turcas como la mejor película neerlandesa de la centuria. Este homenaje parece haberle dado suerte, pues en los últimos tiempos ha retornado a las producciones de cierto empaque comercial, como Confessions of a Dangerous Mind, debut tras las cámaras de George Clooney, y sendas secuelas de Drácula 2001, en las que da (no) vida al vampiro titular. Filmografía básica: Delicias turcas (1973), Fruta madura (1976), Eric, oficial de la reina (1977), Vivir a tope (1980), Los halcones de la noche (1981), Blade Runner (1982), Lady halcón (1985), Los señores del acero (1985), Carretera al infierno (1986), La leyenda del santo bebedor (1988), Furia ciega (1989), Peligrosamente unidos (1991), Buffy la cazavampiros (1992), Juego de supervivencia (1994), Confessions of a Dangerous Mind (2002).

Goldie HAWN [Goldie Studlendgehawn] Washington, Columbia (USA); 21/11/1945 Aquellos maravillosos años: Aunque se ha construido una exitosa carrera a base de papeles de rubia vivaracha y alocada, tras la imagen que Goldie Hawn proyecta en la pantalla se esconde una mujer inteligente, astuta y polifacética. Bailarina de ballet desde los tres años, Goldie se marchó a Nueva York a principios de los 60 para lanzar su carrera en el show business. Entre sus primeros trabajos se incluyen bailarina de can-can en la Feria Mundial de Nueva York en 1965, y corista en musicales como “Chicos y Chi-

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cas”. Después se trasladó a Los Angeles, consiguiendo un papel en el show cómico Rowan & Martin’s Laugh-In (1968), que cosechó un éxito inmediato. Goldie aprovechó su reciente fama televisiva para saltar al cine con Flor de cactus, una comedia protagonizada por Walter Matthau e Ingrid Bergman, que le valió el Oscar a la Mejor Actriz Secundaria en 1969 (un premio que Raquel Welch recogió en su nombre porque ella olvidó ir a la ceremonia). Aunque sus siguientes películas insistieron en la imagen de rubia tonta, Goldie demostró que también podía ser una actriz “seria” en títulos como Las mariposas son libres, Loca evasión -el debut cinematográfico de Steven Spielberg- y Shampoo. En 1980 se estrenó como productora con La recluta Benjamin, un gran éxito que la confirmó como estrella taquillera y le reportó una nueva nominación al Oscar. El crepúsculo de los ídolos: En los 80, las apariciones cinematográficas de Goldie se fueron haciendo cada vez más esporádicas, dejando su carrera a un lado para cuidar de los dos hijos que tuvo con el cantante Bill Hudson, con quien estuvo casada entre 1976-79. En 1983 conoció a Kurt Russell durante el rodaje de Swing Shift, y comenzaron una relación que les ha confirmado como una de las parejas más estables de Hollywood (años más tarde volverían a trabajar juntos en Un mar de líos). Goldie remontó su carrera a principios de los 90 gracias al éxito de las comedias Dos pájaros a tiro, Esposa por sorpresa y La muerte os sienta tan bien, pero poco después se vio obligada a apartarse nuevamente de las pantallas para cuidar de su madre enferma, quien falleció en 1994. ¿Quién sabe dónde?: Superado este duro trance, Goldie volvió a saborear las mieles del éxito con El club de las primeras esposas y Todos dicen I Love You. Después del triunfo de su hija Kate Hudson en Casi famosos, Goldie regresó tras una larga ausencia con el sonado fracaso Enredos de sociedad. Mejor suerte corrió Amigas a la fuerza, donde su interpretación de una groupie cincuentona fue bien acogida por crítica y público, indicando que la actriz aún conserva el talento para provocar risas, si bien su futuro -no tiene proyectos a la vista- parece un tanto incierto. Filmografía básica: Flor de cáctus (1969), Hay

Goldie Hawn

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una chica en mi sopa (1970), Las mariposas son libres (1972), Loca evasión (1974), Shampoo (1975), La recluta Benjamín (1980), Como en los viejos tiempos (1980), Amigos muy íntimos (1982), Protocolo (1984), Un mar de líos (1987), Dos pájaros a tiro (1990), Esposa por sorpresa (1992), La muerte os sienta tan bien (1992), El club de las primeras esposas (1996), Todos dicen I Love You (1996), Enredos de sociedad (2001), Amigas a la fuerza (2002).

Mariel HEMINGWAY Mill Valley, California (USA); 22/11/1961 Aquellos maravillosos años: En los inicios de su carrera, parecía que Mariel Hemingway nunca podría escapar de la sombra de sus dos famosos (y suicidas) parientes: su abuelo Ernest y su hermana mayor Margaux. Mariel hizo su debut a los 14 años en Lipstick, un controvertido drama sobre violación concebido como un vehículo estelar para lanzar en el cine a Margaux, por entonces una cotizadísima top model. Sin embargo, su hermana le "robó" la película y fue nominada al Globo de Oro. Al cabo de tres años, la pobre Margaux estaba fuera del negocio y encima, tenía que ver cómo Mariel era candidata al Oscar por su papel de amante adolescente de Woody Allen en Manhattan. El crepúsculo de los ídolos: Mariel fue pasto de la prensa sensacionalista cuando se sometió a una operación de aumento de pechos para interpretar a la trágica conejita de “Playboy” Dorothy Stratten en Star 80. Sus continuos fracasos cinematográficos acabaron por llevarla a la televisión, donde también protagonizó su buena ración de escándalos, a saber: apareció desnuda en un episodio de la serie Civil Wars, y besó en la boca a Roseanne Barr en una controvertida aparición especial en su sitcom. ¿Quién sabe dónde?: En los últimos años, Mariel ha intentado un tímido retorno al cine con papeles secundarios en producciones de prestigio como Desmontando a Harry y Candidata al poder. Recientemente se hizo quitar los implantes de silicona que se puso para Star 80, al descubrir que se habían roto y que su toxicidad era la causa de sus continuas enfermedades.

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Mariel Hemingway

Filmografía básica: Lipstick (1976), Manhattan (1979), Star 80 (1983), Superman IV: en busca de la paz (1987), Asesinato en Beverly Hills (1988), Desmontando a Harry (1997), Candidata al poder (2000).

Paul HOGAN Lightning Ridge, Nueva Gales del Sur (Australia); 8/10/1939 Aquellos maravillosos años: Si Australia tiene un rostro identificable para los aficionados al cine, ese es el de Paul Hogan. Este antiguo albañil comenzó su poco convencional carrera en el mundo del showbiz a la tardía edad de 31 años, cuando se presentó como bailarín de claqué y lanzador de cuchillos (!) en el concurso de talentos de la televisión australiana New Faces. No tardó en ganarse las simpatías del público, hasta el punto de que en 1973 consiguió su propio programa, The Paul Hogan Show, y se convirtió en el cómico aussie más famoso. Hogan expandió su

popularidad a Inglaterra al protagonizar una serie de premiados spots publicitarios para la cerveza australiana Foster’s. Mientras visitaba Nueva York en 1985, Hogan quedó impresionado con el gran choque cultural entre América y su país, y tomó esa experiencia como base para escribir el guión de una película. Después cogió las ganancias de su programa televisivo y produjo y protagonizó la comedia Cocodrilo Dundee. Para promocionar el film en Estados Unidos, Hogan hizo sin cobrar varios anuncios para la Comisión de Turismo de Australia. La estrategia dio resultado: Cocodrilo Dundee recaudó 375 millones de dólares en todo el mundo, y Hogan ganó un Globo de Oro como actor y fue nominado al Oscar como guionista. Durante el rodaje, se enamoró de su coprotagonista, la americana Linda Kozlowski, con la que se casó en 1990 y que le acompañaría en sus siguientes películas. El crepúsculo de los ídolos: El megaéxito de Cocodrilo Dundee propició la inevitable secuela dos años más tarde, pero Hogan cometió el error de seguir repitiendo la misma fórmula una y otra

vez, y su carrera en Hollywood no sobrevivió. Las comedias Casi un ángel y Relámpago Jack, de nuevo escritas, producidas y protagonizadas por él mismo, ni siquiera recaudaron el equivalente a los costes de promoción, y su primer proyecto para un gran estudio, la adaptación cinematográfica de la popular serie Flipper, se saldó con un rotundo fracaso comercial. Tratando de recuperar la gloria perdida, Hogan se calzó por tercera vez su sombrero y su chaleco de piel de cocodrilo, pero quince años después, el público ya había olvidado al entrañable Mick Dundee, y Cocodrilo Dundee en Los Angeles apenas ingresó 25 millones de dólares. ¿Quién sabe dónde?: Tras este nuevo fracaso, Hogan apareció en algunos shows de la televisión australiana. De vuelta a los Estados Unidos, se dedica a su pasatiempo favorito: descansar en su rancho de Santa Barbara, California, mientras hace sus primeros pinitos tras las cámaras como asistente de dirección en la comedia indie Pipe Dream (2002). Filmografía básica: Cocodrilo Dundee (1986), Cocodrilo Dundee II (1988), Casi un ángel (1990), Relámpago Jack (1994), Flipper (1996), Cocodrilo Dundee en Los Angeles (2001).

C. Thomas HOWELL [Christopher Thomas Howell] Los Angeles, California (USA); 7/12/1966

Paul Hogan

Aquellos maravillosos años: Inicialmente, Howell parecía estar más interesado en el mundo de los rodeos que en el cine. Elegido Cowboy del Año en categoría Junior entre 1978 y 1980, ganó premios por toda California e incluso llegó a hacer de doble para actores juveniles en películas y series de televisión. Sin embargo, animado por sus amigos Rob Lowe y los hermanos Estevez-Sheen, pronto se vio inmerso en la ac- tuación. Su debut cinematográfico fue en E.T., el extraterrestre, como uno de los adolescentes que ayudan a escapar al alienígena cabezón del título. Al año siguiente llegaría su aclamada interpretación como Ponyboy Curtis, el granuja con alma sensible protagonista de Rebeldes. Se consagró como ídolo teenager en las comedias Admiradora secreta y Harvard, movida americana, aunque su

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C. Thomas Howell

mejor papel después de Rebeldes fue el del sufrido conductor perseguido por un psicópata con el rostro de Rutger Hauer en Carretera al infierno. El crepúsculo de los ídolos: Tras el estrepitoso fracaso comercial de su siguiente vehículo estelar, Un tigre en la almohada, la carrera de Howell entró en barrena. El resto de su producción en los 80 no interesó a nadie, y en los 90 protagonizó un sinfín de thrillers de acción de serie B que fueron a parar directamente a las estanterías de los vídeoclubs o a los canales de televisión por cable.

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En total, ha hecho más de cincuenta películas, la mayoría de las cuales no merecen ni siquiera el esfuerzo de intentar recordar sus títulos. ¿Quién sabe dónde?: En 1995, Howell se puso por primera vez tras la cámara para dirigirse a sí mismo en Cumbres de poder, otra cinta de acción cutre que se estrenó directamente en vídeo, el mismo destino que siguieron sus siguientes esfuerzos, Pure Danger y The Big Fall. Recientemente intervino en el drama bélico-histórico Gods and Generals, precuela de Gettysburg, repitien-

do el personaje que interpretase en 1993. En plena fiebre revivalista, volvió a meterse en la piel de Jim Halsey en The Hitcher II: I´ve Been Waiting, continuación de Carretera al infierno que se estrenó directamente en vídeo. También hizo uso de su talento como jinete para interpretar un pequeño papel en Océanos de fuego. Filmografía básica: E.T., el extraterrestre (1982), Rebeldes (1983), Amanecer rojo (1984), Admiradora secreta (1985), Carretera al infierno (1986), Harvard, movida americana (1986), Un tigre en la almohada (1988), El regreso de los mosqueteros (1989), Gettysburg (1993), Gods and Generals (2003), Océanos de fuego (2004).

Tom HULCE Whitewater, Wisconsin (USA); 6/12/1953 Aquellos maravillosos años: Eligiendo seguir su propio camino antes que la trayectoria que todos esperaban de él, Tom Hulce siempre ha mostrado una marcada preferencia por el teatro antes que por el cine. Apenas un mes después de llegar a Nueva York, consiguió el papel protagonista en el montaje de Broadway de “Equus”, iniciando una carrera sobre las tablas que a lo largo de los años le ha procurado éxitos como “Romeo y Julieta”, “Algunos hombres buenos”, y “Julio César”. Hulce hizo su debut cinematográfico como un joven profundamente afectado por la muerte de James Dean en 9/30/1955, pero obtuvo más reconocimiento como el único miembro "normal" de la fraternidad de John Belushi en Desmadre a la americana, piedra angular del subgénero de la comedia universitaria. Tras cuatro años apartado de las pantallas y dedicado al teatro, Hulce se presentó al casting para el papel de Mozart en la adaptación cinematográfica del musical de Peter Schaffer Amadeus. Todos los actores de Hollywood pretendían el codiciado puesto, pero el director Milos Forman se decidió por el semidesconocido Hulce. Para prepararse, el actor tomó lecciones de piano durante cuatro horas al día y también aprendió los rudimentos de la dirección de orquestas. Con sus chaquetas púrpuras, sus pelucas rosas y una estridente risa de hiena, Hulce convirtió a Mozart en una caprichosa e inmadura estrella

de rock del siglo XVIII y fue nominado al Oscar, pero lo perdió ante su co-protagonista, F. Murray Abraham, que interpretaba al envidioso Salieri. El crepúsculo de los ídolos: Tras el éxito de Amadeus, a Hulce le llovieron las ofertas para protagonizar importantes producciones, pero él prefirió decantarse por películas más modestas en las que poder interpretar personajes con los que se sintiera más conectado, como Sin vía de escape o La fuerza de un ser menor. Al mismo tiempo, su lista de créditos teatrales seguía creciendo vertiginosamente, incluyendo varias obras de Shakespeare. ¿Quién sabe dónde?: Durante la primera mitad de los 90, Hulce apareció como característico en películas como Sin miedo a la vida y Frankenstein, y puso voz al deforme Quasimodo en el éxito animado de Disney El jorobado de Notre Dame. Después de trabajar en Las alas del coraje, el primer largometraje rodado en formato IMAX 3-D, se apartó ¿definitivamente? del cine para centrarse en su carrera teatral, donde recientemente debutó como director con un montaje de ¡6 horas! de la aclamada obra de John Irving “Las normas de la casa de la sidra”. Filmografía básica: Desmadre a la americana (1978), Amadeus (1984), Sin vía de escape (1987), La fuerza de un ser menor (1988), Dulce hogar... a veces (1989), Sin miedo a la vida (1993), Frankenstein (1994), Las alas del coraje (1995).

Tom Hulce

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William HURT Washington, Columbia (USA); 20/3/1950 Aquellos maravillosos años: Perfecta encarnación del WASP (Blanco, Anglosajón y Protestante) americano, William Hurt es probablemente uno de los mejores actores que saltaron a la fama en los años 80, especializándose en el retrato de personajes complejos y torturados. Después de un prolijo trabajo teatral con el New York Shakespeare Festival, debutó en el cine en 1980 como un científico que experimenta consigo mismo (con terribles resultados) en Viaje alucinante al fondo de la mente. Pero no fue hasta que apareció frente a una fatale Kathleen Turner en Fuego en el cuerpo, que se convirtió en una estrella y sex symbol para los intelectuales. Ésta fue su primera colaboración con Lawrence Kasdan, su director-fetiche, con el que repetiría en Reencuentro, El turista accidental y Te amaré hasta que te mate. Hurt cambió radicalmente de registro con su papel de gay encerrado en una prisión sudamericana en El beso de la mujer araña, por la que ganó el Oscar en 1985. Y sería nuevamente nominado de forma consecutiva por Hijos de un

dios menor (durante cuyo rodaje tuvo un comentado romance con su co-protagonista, Marlee Matlin) y Al filo de la noticia. El crepúsculo de los ídolos: Hurt siempre ha tenido una relación compleja con Hollywood y con su propio estrellato, labrándose una reputación de tipo difícil delante y detrás de la pantalla. A pesar de sus líos sentimentales y de sus problemas con el alcohol y las drogas, el actor se mantuvo relativamente ocupado durante la mayor parte de los 90, bien protagonizando películas independientes como Hasta el fin del mundo y Smoke, bien haciendo secundarios en producciones comerciales como Michael y Dark City. ¿Quién sabe dónde?: Con la llegada del nuevo milenio, Hurt se ha mantenido más activo en la televisión que en el cine, apareciendo en varios telefilms y en la miniserie Dune (2000). De vuelta a la gran pantalla, últimamente le hemos visto como característico en A.I.: Inteligencia artificial y Al límite de la verdad, y protagonizó The Village, un nuevo thriller sobrenatural de M. Night Shyamalan (El sexto sentido). Filmografía básica: Viaje alucinante al fondo de la mente (1980), Fuego en el cuerpo (1981), Reencuentro (1983), Gorky Park (1983), El beso de la

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mujer araña (1985), Hijos de un dios menor (1986), Al filo de la noticia (1987), El turista accidental (1988), Te amaré hasta que te mate (1990), Alice (1990), El doctor (1991), Hasta el fin del mundo (1991), Smoke (1995), Jane Eyre (1996), Michael (1996), Dark City (1998), Perdidos en el espacio (1998), Cosas que importan (1998), A.I.: Inteligencia artificial (2001), Al límite de la verdad (2002).

Timothy HUTTON Malibu, California (USA); 16/8/1960 Aquellos maravillosos años: A primera vista, parece que Timothy Hutton no ha podido cumplir las promesas que auguraban sus meteóricos inicios, pero cuando se gana un Oscar a los 19 años, es fácil crearse expectativas poco realistas. Hijo del actor Jim Hutton, Timothy tuvo sus primeras experiencias interpretativas girando por todo el país con la compañía teatral de su padre. Después de conseguir alguna atención con sus trabajos en una larga ristra de telefilms a finales de los 70, debutó en el cine con el drama Gente corriente, que también era la primera película como director de Robert Redford. Canalizando la angustia por la reciente pérdida de su padre víctima del cáncer, Timothy brindó una desgarradora interpretación como un chico que se autoinculpa de la muerte de su hermano, lo que le valió el Oscar y la inmediata consagración como uno de los actores jóvenes más prometedores de Hollywood. El crepúsculo de los ídolos: A pesar de este espectacular arranque, Hutton nunca ha alcanzado el status de estrella, en gran parte debido a su voluntaria renuncia a la comercialidad (por lo que dejó pasar el papel de Tom Cruise en Risky Business) para abordar personajes más serios y profundos, que le han confirmado como un gran actor pero sin tirón en taquilla. Sus intentos de romper con el estereotipo de joven sensible y consciente que Hollywood le había encasquetado no surtieron mucho efecto, aunque logró cierto éxito con las románticas Cuando me enamoro y Hecho en el cielo, en la que trabajó con su entonces esposa Debra Winger, con la que estuvo casado entre 1986 y 1990. A mediados de los 80 hizo su debut en Broadway, pero no volvería a pi-

Timothy Hutton

sar los escenarios hasta 1990, sustituyendo a Alec Baldwin en el montaje de “Prelude to a Kiss”. ¿Quién sabe dónde?: En los años 90, Hutton decidió al fin acometer proyectos con clara vocación comercial que, sin embargo, no acabaron de enganchar al público, como la comedia French Kiss y el thriller La mitad oscura. Su mejor papel en esa década fue el del confuso treintañero que se siente atraído por la lolita Natalie Portman en la deliciosa Beautiful Girls. Habiéndose aventurado tras las cámaras en los 80 con un episodio de la serie Amazing Stories y algunos videoclips para The Cars, en 1998 se estrenó en la dirección de largometrajes con Digging to China. También ha dirigido varios capítulos de su nueva serie, A Nero Wolfe Mystery. Su última película es Ventana secreta, adaptación de la novela de Stephen King. En el plano sentimental, en 2000 se casó con Aurore Giscard d’Estaing, nieta del expresidente francés Valéry Giscard d’Estaing. Filmografía básica: Gente corriente (1980), Taps, más allá del honor (1981), El juego del halcón (1985), Turk 182, el rebelde (1985), Hecho en el cielo (1987), Cuando me enamoro (1988), El año de las lluvias torrenciales (1989), Distrito 34: corrupción total (1990), La mitad oscura (1993), French Kiss (1995), Beautiful Girls (1996), La hija del general (1999), Sunshine State (2002), Ventana secreta (2004).

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Amy Irving

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I Amy IRVING Palo Alto, California (USA); 10/9/1953 Aquellos maravillosos años: Hija del productor teatral Jules Irving y de la actriz Priscilla Pointer, Amy Irving inició a finales de los 70 una prometedora carrera que no llegaría a consolidarse con posterioridad. Tras pulirse sobre las tablas del offBroadway y en varios telefilms, hizo un inolvidable debut cinematográfico como la manipuladora compañera de clase de Sissy Spacek en Carrie, el best seller de Stephen King adaptado a la pantalla por Brian De Palma; Irving reincidiría con este dúo dos años después en La furia. Pero su pasaporte a la fama sería su papel de la joven judía que vive una historia de amor imposible con una travestida Barbra Streisand en Yentl. Curiosamente, Irving es una de los pocos intérpretes en la historia en ser candidatos a un premio de la Academia y un Razzie (los anti-Oscar de Hollywood) por el mismo rol. Por Yentl, resultó nominada como Mejor y Peor Actriz Secundaria de 1983, aunque finalmente no ganó ninguno de los dos. El crepúsculo de los ídolos: En noviembre de 1985, Irving se casó con Steven Spielberg, lo que frenó en seco su escalada al estrellato. Temerosos de contratar a la esposa del cineasta más poderoso de Hollywood, los productores dejaron de ofrecerle trabajo, y durante la segunda mitad de los 80, la actriz virtualmente desapareció de las pantallas (a pesar de su nominación al Globo

de Oro en 1989 por la comedia Cruzando la calle). Irónicamente, dos de sus mejores interpretaciones en estos años no fueron vistas por el público: era la voz cantante de la sexy Jessica Rabbit en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? - Kathleen Turner dobló el resto de sus diálogos- y Miss Kitty en Fievel va al Oeste. Más activa se mostró en la televisión, apareciendo en miniseries y telefilms como Anastasia, que le valió otra candidatura a los Globos de Oro en 1986. ¿Quién sabe dónde?: En 1989, Irving y Spielberg protagonizaron uno de los divorcios más sonados y multimillonarios de la historia de Hollywood; en virtud de su acuerdo prematrimonial, la actriz se embolsó la friolera de 100 millones de dólares por la separación. Al año siguiente, inició una relación con el director brasileño Bruno Barreto durante el rodaje de Bajo otra bandera; se casaron en 1996 y han tenido un hijo. Libre por fin de la alargada sombra de Spielberg, Irving fue reactivando poco a poco su carrera en la década de los 90. Además de sus ocasionales trabajos con Barreto, apareció en Desmontando a Harry, hizo un pequeño cameo en la secuela de Carrie, y fue la sufrida esposa de Michael Douglas en el thriller narcótico Traffic. Además, entre 2001 y 2003 interpretó el papel de Emily Sloane en la popular serie televisiva Alias. Filmografía básica: Carrie (1976), La furia (1978), Yentl (1983), Micki y Maude (1984), Cruzando la calle (1988), Desmontando a Harry (1997), La ira: Carrie 2 (1999), Traffic (2000).

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Glenda Jackson

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J Glenda JACKSON Birkenhead, Cheshire (Inglaterra); 9/5/1936 Aquellos maravillosos años: La dureza de sus rasgos ha permitido a Glenda Jackson especializarse en interpretar a mujeres decididas y de fuerte carácter. A los 16 años abandonó los estudios y se unió a una troupe de teatro amateur. Después de una década de penurias, fue invitada a unirse al Teatro de la Crueldad, un apéndice de la Royal Shakespeare Company. Allí fue descubierta por el director teatral Peter Brook, que en 1964 le confió el papel de la asesina Charlotte Corday en su premiada obra “Ma rat/Sade”, personaje que repitió dos años después en la versión cinematográfica. Favorita del realizador Ken Russell, ganó el Oscar en 1969 por la primera de sus cinco películas juntos, Mujeres enamoradas. Jackson tuvo su época de gloria en los años 70, cosechando un segundo Oscar en 1973 por la comedia romántica Un toque de distinción, y dos nominaciones más por Domingo, maldito domingo y Hedda. En 1971 también consiguió un Emmy por su interpretación de la reina Isabel de Inglaterra en la aclamada miniserie Elizabeth R. El crepúsculo de los ídolos: En los años 80, su carrera se ralentizó y sus apariciones en películas se espaciaron cada vez más, al tiempo que su implicación en la política crecía progresivamente. Apartada del cine desde 1989, en 1990 montó

una infructuosa campaña para llegar al Parlamento Británico como miembro del Partido Laborista. Lo intentó de nuevo dos años más tarde y tras conseguir su escaño por Hampstead y Highgate, echó definitivamente el telón a su trayectoria artística para dedicar todas sus energías a la política. ¿Quién sabe dónde?: Contra los pronósticos que le auguraban una corta carrera política, Jackson renovó su escaño parlamentario en las elecciones de 1997 y 2001. En 1997 fue nombrada ministra de transportes para Londres, cargo que abandonó en 1999 para presentar su candidatura a la alcaldía de la capital. Aunque fue derrotada, el nuevo alcalde la nombró consejera de Asuntos Sociales en la Asamblea de Londres. Filmografía básica: Marat/Sade (1966), Mujeres enamoradas (1969), La pasión de vivir (1970), Domingo, maldito domingo (1971), María, reina de Escocia (1971), Un toque de distinción (1973), Hedda (1975), Tres en un diván (1987), Salomé (1988).

Kate JACKSON [Catherine Elise Jackson] Brimingham, Alabama (USA); 29/10/1949 Aquellos maravillosos años: Kate Jackson ostenta el récord mundial de haber protagonizado más telefilms y series de televisión que ninguna otra actriz en la historia. Trabajó como modelo

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Kate Jackson

de Max Factor y Revlon, y como guía en los estudios de la NBC para pagarse las clases en la American Academy of Dramatic Arts. En los primeros 70 probó fortuna en el cine, fue una presencia habitual en el show de James Stewart y se convirtió en televisiva “Reina del Grito” al aparecer en varios thrillers de terror. El productor Aaron Spelling se fijó en ella y le dio un papel en su serie The Rookies (1972-1976). Cuando ésta fue cancelada, Spelling pensó que Kate merecía tener su propio show , y juntos crearon el esqueleto de lo que terminaría convirtiéndose en Los ángeles de Charlie. Kate daba vida a Sabrina Duncan, el “ángel” intelectual y analítico, y al ser la actriz más experimentada del trío, cobraba 10.000 dólares por episodio, el doble que sus compañeras. Pronto se ganó fama de difícil y antipática, hasta el punto de que los técnicos de la serie la llamaban “Hate” (Odio) Jackson. En 1979 le ofrecieron protagonizar Kramer contra Kramer, pero Spelling no le permitía hacer

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películas en virtud de su contrato con la serie, y ese papel terminó dàndole un Oscar a Meryl Streep. Furiosa, Kate abandonó Los ángeles de Charlie al final de la tercera temporada, siendo sustituida por Shelley Hack. El crepúsculo de los ídolos: Ese mismo año se casó con el actor Andrew Stevens (hijo de Stella Stevens), junto al que produjo y protagonizó el remake televisivo de la película Una pareja invisible, concebido como el episodio-piloto de una nueva serie que nunca llegó a ver la luz. Su matrimonio tampoco sobrevivió y se divorció de Stevens en 1980. En 1983 produjo y protagonizó Scarecrow y Mrs. King, una serie de espías que tuvo un gran éxito de audiencia durante sus cuatro temporadas y volvió a convertirla en una de las actrices más populares de la pequeña pantalla. En 1987 le fue diagnosticado un cáncer de mama, que la obligó a someterse a una mastectomía. Una vez recuperada, se embarcó en la sitcom Baby Boom, basada en la popular película de Diane Keaton Baby, tú vales mucho, pero los bajos ratings llevaron a su cancelación al cabo de pocos meses. ¿Quién sabe dónde?: Acosada por sus problemas de salud, Kate se sometió en 1994 a una operación a corazón abierto tras serle descubierto un defecto de nacimiento que nunca le había sido diagnosticado hasta entonces. En los últimos tiempos ha dosificado mucho su trabajo para dedicarse a cuidar del niño que adoptó en 2000, limitándose a hacer apariciones especiales en series como Ally McBeal, por la que fue nominada a un Emmy, o a su labor como imagen visible de diversas marcas comerciales. Filmografía básica: Limbo (1972), Making Love (1982), Loverboy (1989).

Don JOHNSON [Donnie Wayne Johnson] Flat Creek, Missouri (USA); 15/12/1949 Aquellos maravillosos años: El de Don Johnson fue uno de esos casos de éxito que llega de la noche a la mañana después de muchos años de trabajo poco reconocido. Tras hacer sus primeras armas en el American Conservatory Theatre de San Francisco, en 1968 fue descubierto por

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la antigua estrella de Rebelde sin causa Sal Mineo, que le dio el papel protagonista en su controvertida obra “Fortune and Men´ s Eyes”. Las buenas críticas cosechadas le llevaron a debutar en el cine con la comedia contracultural The Magic Garden of Stanley Sweetheart, pero su carrera se estancó a mediados de los 70 y pasó los siguientes años haciendo series y películas para la televisión. Su vida privada también estuvo llena de altibajos: en 1973 conoció a Melanie Griffith durante el rodaje de The Harrad Experiment; se casaron en 1976, pero se divorciaron ese mismo año. En 1981 inició una tumultuosa relación con la modelo Patti D’Arbanville, salpicada frecuentemente por orgías de alcohol y drogas, lo que acabaría propiciando su ruptura en 1985. En 1984, la carrera de Don reemergió gracias a Corrupción en Miami, donde interpretaba a Sonny Crockett, un policía divorciado que vive en un barco llamado “Baile de San Vito” (?) en compañía de su peculiar mascota, el cocodrilo “Elvis”. El fenomenal éxito de la serie lanzó a Don al estrellato y le dio un Globo de Oro y un romance con Barbra Streisand (aunque considerar esto como un premio sería decir demasiado). Puede que aconsejado por la diva, Don se animó a grabar dos discos, “Heartbeat” (1986) y “Let It Roll” (1988), que, sorprendentemente, vendieron un millón de copias cada uno. El crepúsculo de los ídolos: Don y Melanie se reencontraron en 1987, cuando ella apareció como estrella invitada en un episodio de Corrupción en Miami; volvieron a casarse en 1989 y tuvieron a su hija Dakota. Ese mismo año, la serie terminó su emisión, y Don reactivó su carrera cinematográfica protagonizando películas como Tiro mortal, Un lugar llamado Paraíso y el remake de Nacida ayer (estas dos últimas junto a Melanie), pero ninguna funcionó en taquilla. Don decidió ahogar sus penas en alcohol, lo que le llevó a la Clínica Betty Ford y al final de su matrimonio en 1996, cuando Melanie le pidió el divorcio para casarse con Antonio Banderas. ¿Quién sabe dónde?: En ese mismo año 1996, la carrera de Don experimentó una segunda resurrección cuando apareció junto a Kevin Costner en la taquillera comedia deportiva Tin Cup. Este éxito le animó a desarrollar, producir y protagoni-

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zar su propia serie televisiva, Nash Bridges, que obtuvo una buena acogida por parte del público. Irónicamente, después de alcanzar el estrellato persiguiendo a criminales durante cinco años, Don tuvo su propio encontronazo con la ley en noviembre de 2002, cuando oficiales de aduanas alemanes encontraron en su coche acciones, bonos y cheques por valor de 8 millones de dólares cuando cruzaba la frontera procedente de Suiza. Johnson afirma que los documentos bancarios pertenecían a un grupo de potenciales inversores con los que estaba discutiendo un proyecto cinematográfico, pero las autoridades alemanas siguen investigándole por posible evasión de divisas. Filmografía básica: The Magic Garden of Stanley Sweetheart (1970), Return to Macon County (1975), Tiro mortal (1989), Labios ardientes (1990), Dos duros sobre ruedas (1991), Un lugar llamado Pa raíso (1991), Nacida ayer (1993), El abogado del diablo (1993), Tin Cup (1996), Goodbye Lover (1999).

Grace JONES [Grace Mendoza] Spanishtown (Jamaica); 19/5/1952 Aquellos maravillosos años: Grace Jones se mudó desde su Jamaica natal a Nueva York con la intención de labrarse una carrera como modelo. Fue contratada por una de las agencias más importantes de la Gran Manzana, pero su imagen era demasiado extravagante para el público americano y Grace se marchó a París, donde ganó fama y fue portada en revistas como “Elle” y “Vogue”. De vuelta a Nueva York, entabló amistad con Andy Warhol y se hizo clienta habitual de la discoteca Studio 54. En 1977 consiguió un contrato discográfico y lanzó su primer álbum, “Portfolio”, que llegó a lo más alto de las listas empujado por su cover de “La Vie en Rose”. Sus explosivos conciertos, en los que compartía el escenario con leones y leopardos, hicieron furor entre la comunidad homo neoyorquina, que la coronó como "Reina de las Discotecas Gays". La ola anti-disco que barrió USA al llegar los años 80 hizo que Grace buscase un sonido más experimental, al tiempo que mutaba su look sadomaso de los 70 en una imagen andrógina. De-

Grace Jones

cidida a hacer carrera como actriz, debutó en Conan, el destructor, metiéndose con tanta convicción en su papel de fiera amazona, que el pobre Schwarzenegger se quejó de que la jamaicana era "demasiado dura". Acto seguido fue May Day, una dominatrix que se las hace pasar canutas al acartonado Roger Moore en la bondiana Panorama para matar. En esa época también tuvo un breve romance con Dolph Lundgren, que aparecía junto a ella en la película. El crepúsculo de los ídolos: Después de sus incursiones cinematográficas, Grace volvió a la música y en 1985 obtuvo su mayor éxito con el single “Slave to the Rhythm”. A principios de los 90 volvió a probar suerte en la gran pantalla con un autoparódico papel de caprichosa modelo en la comedia de Eddie Murphy Boomerang. Fiel

a su fama de mujer-escándalo, en 1998 consiguió que se la vetase de por vida en Disney World después de mostrar sus pechos al público durante una actuación. ¿Quién sabe dónde?: En los últimos años, Jones sigue combinando sus facetas como actriz y cantante. Mientras prepara su nuevo disco, ha aparecido en telefilms y series como Shaka Zulu. Actualmente está trabajando en el guión de una película basada en su propia vida, que también producirá y se rodará en Jamaica. Como es lógico, el mayor problema está siendo encontrar a una actriz que se atreva a meterse en la piel de esta feroz y excesiva pantera negra. Filmografía básica: Conan, el destructor (1984), Panorama para matar (1985), Siesta (1987), Boomerang (1992).

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William Katt

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K William KATT Los Angeles, California (USA); 16/2/1950 Aquellos maravillosos años: Hijo de los actores Bill Williams y Barbara Hale (la secretaria de Perry Mason en la vieja serie de televisión), William Katt desarrolló una intensa actividad teatral antes de aparecer en algunos telefilms a comienzos de los 70. En 1976, debutó en el cine en el papel de Tommy Ross, el guaperas que invita a la protagonista al baile de graduación más sangriento de la historia en Carrie, adaptación del best seller de Stephen King. El éxito de la película le abrió las puertas a sus primeros protagonistas en la surfera El gran miércoles y en el western Los primeros golpes de Butch Cassisy y Sundance Kid, especie de precuela de Dos hombres y un destino, en la que recuperaba el rol que una década antes hiciese Robert Redford. La oportunidad de su vida le llegó en 1981, cuando le ofrecieron hacer la serie El gran héroe americano, hito del camp catódico donde los haya. Katt daba vida a Ralph Hinkley, un apocado profesor de instituto al que unos alienígenas entregan un ridículo traje rojo que le dota de superpoderes. Para regocijo de la audiencia, el torpón Ralph pierde el libro de instrucciones y ha de aprender el funcionamiento de su nuevo uniforme a base de trompazos, lo que no le impide salir triunfador en todas sus

aventuras. Aunque sólo estuvo dos temporadas en antena, la serie permanece en el imaginario colectivo como una de las más recordadas de los 80, e incluso su pegadizo tema central llegó a lo más alto de las listas americanas. El crepúsculo de los ídolos: Tras la cancelación de El gran héroe americano en 1983, la carrera de Katt volvió a su registro habitual: la mediocridad. Logró un moderado éxito de taquilla con la cinta de terror House, una casa alucinante, que propició tres secuelas (aunque él sólo repetiría en la última), y apareció en varios telefilms de un renovado Perry Mason, lo que le dio la oportunidad de trabajar al lado de su madre. Pero cuando llegó el final de la década, resultaba más que evidente que sus años en el candelero habían quedado definitivamente atrás. ¿Quién sabe dónde?: Desde los 90, Katt ha venido alternando sus trabajos en telefilms y en películas de bajo presupuesto lanzadas directamente en vídeo. Su último título de cierto empaque comercial fue la cinta de terror juvenil Caramelo asesino. En 1999 escribió, dirigió y protagonizó la modesta producción Clean and Narrow. Filmografía básica: Carrie (1976), El gran miércoles (1978), Los primeros golpes de Butch Cassidy y Sundance Kid (1979), Baby, el secreto de la ciudad perdida (1985), House, una casa alucinante (1986), House IV (1992), Caramelo asesino (1999).

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Diane Keaton

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Diane KEATON [Diane Hall] Los Angeles, California (USA); 5/1/1946 Aquellos maravillosos años: Diane Keaton alcanzó el estrellato representando a la mujer neurótica, urbanita e independiente de los 70, una imagen que debe gran parte del mérito a su antiguo compañero y mentor, Woody Allen. De orígenes teatrales, Diane formó parte del reparto original del musical de Broadway “Hair” (1968) antes de conocer a Woody cuando representaron juntos una obra escrita por él, “Sueños de un seductor”. Ambos repitieron sus respectivos personajes en la adaptación cinematográfica de 1972, e iniciaron una relación profesional y sentimental que se prolongaría hasta el final de la década. Ese mismo año, Francis Ford Coppola le dio el papel de esposa de Michael Corleone en su épica El Padrino, que repetiría en las secuelas de 1974 y 1990. En 1977 protagonizó Annie Hall, que le valió un Oscar y la convirtió en icono de la mujer progresista e intelectual de los 70. En los años siguientes, y hasta su ruptura, sólo se la vería en las películas de Woody. El crepúsculo de los ídolos: Diane empezó una relación con Warren Beatty, junto al que apareció en su ambiciosa pero comercialmente ruinosa Rojos, que le reportó una nueva nominación al Oscar en 1981. El resto de sus películas de los 80 pasaron con más pena que gloria, y el éxito de la comedia Baby, tú vales mucho fue un triunfo puntual que no tuvo continuidad. Para compensar la falta de trabajo ante las cámaras, Diane empezó a ponerse detrás de ellas y dirigió el documental Heaven, varios vídeos musicales para Belinda Carlisle y un episodio de la serie Twin Peaks. ¿Quién sabe dónde?: En los 90, Diane se recicló en actriz para todos los públicos y se especializó en papeles de madre luchadora, como en El padre de la novia (y su secuela), El club de las primeras esposas o La habitación de Marvin, por la que recibió su tercera candidatura al Oscar. También volvió a reunirse con Woody Allen en la alabada Misterioso asesinato en Manhattan, y con Warren Beatty en Enredos de sociedad, una producción plagada de problemas que se estrelló

espectacularmente en taquilla. En 1995 debutó como directora de largometrajes con Strung Heroes, a la que siguieron Mother´s Helper, Colgadas (que también protagonizó) y la serie de televisión Pasadena. Últimamente combina sus trabajos en telefilms con sus labores como madre de los dos niños que adoptó en 1996 y 2001, aunque su última nominación a los premios de la Academia por Cuando menos te lo esperas, podría relanzar su carrera. Filmografía básica: Sueños de un seductor (1972), El Padrino (1972), El dormilón (1973), El Padrino II (1974), La última noche de Boris Grushenko (1975), Harry y Walter van a Nueva York (1976), Annie Hall (1977), Buscando al señor Goodbar (1977), Interiores (1978), Manhattan (1979), Rojos (1981), La chica del tambor (1984), Mrs. Soffel (1984), Crímenes del corazón (1986), Días de radio (1987), Baby, tú vales mucho (1987), El Padrino III (1990), El padre de la novia (1991), Misterioso asesinato en Manhattan (1993), Vuelve el padre de la novia (1995), El club de las primeras esposas (1996), La habitación de Marvin (1996), Colgadas (2000), Cuando menos te lo esperas (2003).

Michael KEATON [Michael John Douglas] Coraopolis, Pennsylvania (USA); 9/9/1951 Aquellos maravillosos años: Michael John Douglas empezó su carrera en los 70... demasiado tarde para utilizar su verdadero nombre. El “otro” Michael Douglas ya lo había registrado en el Sindicato de Actores, así que recordando un artículo que había leído sobre Diane Keaton, tomó éste como su apellido artístico. Una vez solucionado el problema, pudo centrarse en su trabajo, que comenzó como actor y guionista en La hora de Mary Tyler Moore y otras series televisivas. Keaton empezó a llamar la atención del público como el propietario de una morgue en la alocada Turno de noche, su debut cinematográfico, y al año siguiente ya tuvo su primer protagonista en Las locas aventuras de un señor mamá. Después de rechazar el papel que lanzó a la fama a Tom Hanks en 1, 2, 3... Splash!, encadenó varios fracasos consecutivos que pusieron en peligro su incipiente carrera. Fue el protagonista original de La

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Michael Keaton

rosa púrpura del Cairo, pero Woody Allen le sustituyó por Jeff Daniels a mitad del rodaje. Por suerte, Tim Burton llegó al rescate: primero le dio el papel del travieso bio-exorcista titular en Bitelchús, un éxito de taquilla que volvió a ponerle en el punto de mira de Hollywood, posición solidificada en 1989 cuando protagonizó Batman. La inesperada elección de Burton enfureció a los fans del cómic, obligando a la Warner a lanzar un trailer de avance para demostrar que Keaton era válido para interpretar al vengador enmascarado. Batman se convirtió en uno de los mayores blockbusters de la historia, y Keaton repitió con similar fortuna en la primera secuela, Batman vuelve, pero se negó a hacer una tercera entrega, a pesar de que los productores llegaron a ofrecerle 35 millones de dólares. El crepúsculo de los ídolos: A pesar de los beneficios artísticos y comerciales derivados de Batman, la mayoría de las películas de Keaton en los 90 resultaron decepcionantes en ambos sentidos, y demostraron que su nombre no bastaba por sí solo para vender un film. Su mejor traba-

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jo en los 90 fue en la película de Quentin Tarantino Jackie Brown. El personaje del policía Ray Nicolette fue tan memorable que Keaton lo repitió haciendo un cameo en Un romance muy peligroso, que, como aquella, estaba basada en una novela de Elmore Leonard. ¿Quién sabe dónde?: Aunque en los noventa facturó una media de dos películas por año, tanto comedias como dramas, Keaton desapareció del mapa en 1998 tras los fracasos consecutivos del thriller Medidas desesperadas y de la fábula navideña Jack Frost. El actor no volvió a dar señales de vida hasta que en 2001 protagonizó junto a Michael Caine Quicksand, un drama de pequeño presupuesto que, a día de hoy, sigue esperando fecha de estreno en los Estados Unidos. Filmografía básica: Turno de noche (1982), Las locas aventuras de un señor mamá (1983), Pisa a fondo (1986), Bitelchús (1988), Batman (1989), De repente, un extraño (1990), Batman vuelve (1992), Mucho ruido y pocas nueces (1993), Mi vida (1993), Detrás de la noticia (1994), Mis dobles, mi mujer y yo (1996), Jackie Brown (1997), Medidas desesperadas (1998), Un romance muy peligroso (1998), Jack Frost (1998).

Margot KIDDER [Margaret Ruth Kidder] Yellowknife (Canadá); 17/10/1948 Aquellos maravillosos años: Tras iniciarse en la profesión en la televisión de su país, Kidder llegó a Los Angeles a finales de los 60 y prontó consiguió notoriedad como activista política y defensora de la experimentación con las drogas y de la liberación sexual. Tras debutar en el cine interpretando a una prostituta en Los locos años de Chicago, regresó a Canadá para trabajar como editora de películas, pero en 1971 estaba de vuelta en los Estados Unidos para aparecer en la serie de James Garner Nichols. Encontró más oportunidad de lucimiento encarnando a las siamesas homicidas del thriller Hermanas, dirigido por Brian De Palma, con el que convivió durante dos años. Kidder siguió trabajando en cine y televisión hasta que le llegó el papel de su vida: Lois Lane, la ambiciosa y romántica periodista ena-

morada de Superman en la adaptación cinematográfica de las aventuras del Hombre de Acero. Pero aparte de las tres secuelas de Superman, ninguna de sus posteriores películas (con la excepción, quizás, de Terror en Amityville) tuvo éxito, y su carrera entró en un rápido declive al que no fueron ajenos sus malos modos en los sets de rodaje, su adicción a las drogas y al alcohol, su caótica vida personal y una larga serie de problemas mentales, físicos y financieros. El crepúsculo de los ídolos: Perseguida durante largo tiempo por crisis nerviosas, Kidder fue diagnosticada en 1988 como maníaco-depresiva, pero rechazó el diagnóstico y el tratamiento prescrito por los médicos. En 1990 sufrió un accidente de coche en Vancouver mientras rodaba una serie para la televisión canadiense. Se dañó tres vértebras, pero se negó a operarse y quedó confinada durante casi dos años en una silla de ruedas. Los productores de la serie la despidieron y la actriz les demandó, pero perdió el caso y en 1992 tuvo que declararse en bancarrota, viéndose obligada a vender su casa y sus joyas. Comprendiendo que las puertas de Hollywood se le habían cerrado, trató de ganarse la vida impartiendo clases de interpretación, labrándose una carrera teatral y prestando su voz a series de dibujos animados. Pero su pesadilla no había hecho más que comenzar... El 22 de abril de 1996, Kidder desapareció en el aeropuerto de Los Angeles cuando iba a tomar un vuelo a Phoenix para participar en un taller de interpretación. Tres días después, la policía la encontró escondida en el patio trasero de una casa en Glendale, a 40 kilómetros del aeropuerto. Magullada y vestida con harapos, se había cortado su larga melena con una navaja, se había arrancado las fundas de los dientes y parecía estar bajo los efectos de un fuerte ataque de histeria. Kidder afirmó que su primer marido, el escritor Thomas McGuane, había contratado a alguien para matarla, pero la policía no pudo encontrar ninguna prueba que respaldase sus acusaciones. De repente, la antigua estrella volvió a las portadas de los periódicos cuando fue ingresada en un hospital para ser sometida a un examen psiquiátrico. ¿Quién sabe dónde?: A finales del mismo 1996, Kidder protagonizó una de las historias favoritas

de Holywood: el regreso. Enfrentándose a sus adicciones y a sus viejos demonios, trabajó sin descanso hasta el final de la década en telefilms, series y películas independientes. Sin embargo, al perro flaco todo son pulgas: en agosto de 2002, cuando parecía haber recuperado el control de su vida, sufrió otro aparatoso accidente de circulación cerca de Belfast, Maine, mientras volvía de presentar un festival de teatro y se dirigía a Otawa, donde estaba trabajando en la aclamada obra “Los monólogos de la vagina”. Como consecuencia, la actriz se rompió la pelvis y tuvo que pasar varios días ingresada en un hospital. Filmografía básica: Los locos años de Chicago (1969), Hermanas (1973), El carnaval de las águilas (1975), Superman (1978), Terror en Amityville (1979), Superman II (1980), Una almohada para dos (1980), Una especie de héroe (1982), Superman III (1983), Superman IV: en busca de la paz (1987), Maverick (1994).

Margot Kidder

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Nastassja KINSKI [Nastassja Nakszynski] Berlín(Alemania); 24/1/1959 Aquellos maravillosos años: Hija del actor Klaus Kinski, a los 16 años decidió seguir una carrera como modelo posando para “Vogue” y debutó en el cine de la mano de Wim Wenders en Falso movimiento. Cuando aún no había cumplido los 20 se convirtió en amante de Roman Polanski, que la acogió bajo su ala y se ocupó de su preparación como actriz. Tras estudiar interpretación en Nueva York y Londres, Polanski la lanzó al estrellato internacional en Tess, que le valió a Kinski un Globo de Oro en 1979. Poco después se convirtió en mito erótico al posar para un famoso póster del fotógrafo Richard Avedon en el que una serpiente pitón se enroscaba sobre su cuerpo desnudo. El crepúsculo de los ídolos: Nastassja trabajó con Coppola en Corazonada, aunque sus siguientes películas prestaban más atención a sus atributos físicos que a su talento: en el remake de El beso de la pantera (dirigida por su pareja de

entonces, Paul Schrader) se transformaba en felino después de tener relaciones sexuales; y en Un cebo llamado Elizabeth, Rudolf Nureyev “tocaba” su cuerpo con un arco de cello. A mediados de los 80 abandonó Hollywood y volvió a Europa para hacer films con grandes ínfulas artísticas pero escaso tirón en taquilla. Durante un tiempo permaneció en el ojo público gracias a sus publicitados romances (Marcello Mastroianni, Dudley Moore, Gérard Depardieu, Milos Forman...) y al escándalo que suscitó cuando dio a luz a un niño sin revelar el nombre del padre, hasta que al final se descubrió que el progenitor era el productor egipcio Ibrahim Moussa, con quien estuvo casada entre 1984 y 1992. A principios de los 90 desapareció de la circulación para cuidar del hijo que había tenido con el famoso músico y productor Quincy Jones. ¿Quién sabe dónde?: En 1994, Nastassja reapareció por sorpresa en el cine comercial hollywoodiense en la cinta de acción Velocidad terminal. Desde entonces, su carrera ha experimentado un segundo renacimiento, gracias a producciones independientes como Después de una noche, Amigos y vecinos o El perdón. Últimamente ha vuelto a Europa para trabajar en dos ambiciosas miniseries para la televisión francesa, una adaptación de Las amistades peligrosas y La Femme Musketeer. Filmografía básica: Falso movimiento (1975), Tess (1979), Corazonada (1982), El beso de la pantera (1982), Infielmente tuya (1984), El hotel New Hampshire (1984), Paris, Texas (1984), Los amantes de Maria (1984), Revolución (1985), Tan lejos, tan cerca (1993), Velocidad terminal (1994), Un lío padre (1997), Después de una noche (1997), Amigos y vecinos (1998), El perdón (2000), Enredos de sociedad (2001).

Kris KRISTOFFERSON Brownsville, Texas (USA); 22/6/1936

Nastassja Kinski

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Aquellos maravillosos años: Como muchos otros antes que él, Kris Kristofferson buscó el éxito en Hollywood después de convertirse en una estrella en el mundo de la música, pero a diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, demostró que también sabía actuar. Antiguo

boxeador amateur y capitán del Ejército, en 1965 se involucró en la escena country de Nashville y se labró una sólida reputación como compositor y cantante, lanzando su primer disco en 1970 y escribiendo para Janis Joplin el celebérrimo Me and Bobby McGee. En 1971, su amigo Dennis Hopper le pidió que escribiese la música para su película The Last Movie, y Kristofferson acabó debutando también ante las cámaras. En sus inicios siempre le ofrecían papeles de músico, pero cuando empezaba a correr el riesgo de encasillarse, Sam Peckinpah le ofreció el rol del forajido titular en el clásico Pat Garrett y Billy el Niño (posteriormente volvería a trabajar con el director en Quiero la cabeza de Alfredo García y Convoy). En 1974 brindó una gran interpretación en la aclamada Alicia ya no vive aquí, y tras un paréntesis de dos años para centrarse en la música y superar su serio problema con la bebida, protagonizó junto a Barbra Streisand el remake de Ha nacido una estrella. Estas películas le hicieron ganar estatura como actor, pero su participación en La puerta del cielo, uno de los mayores desastres comerciales de la historia de Hollywood, estuvo a punto de acabar con su carrera. El crepúsculo de los ídolos: Kristofferson pasó los primeros 80 sin encontrar trabajo, hasta que reapareció en 1984 con Songwriter, que le valió una nominación al Oscar como compositor de la banda sonora. Salvo excepciones como ésta, durante esos años encontró más y mejores oportunidades en la televisión que en el cine, caso de la polémica miniserie Amerika (1987), que narraba una hipotética invasión de los USA por parte de la URSS y que le granjeó un gran número de críticas. ¿Quién sabe dónde?: Cuando su nombre comenzaba a ser poco más que un recuerdo, Kristofferson reemergió a mediados de los 90 con “A Moment of Forever”, su primer disco con material nuevo en varios años, y con una impresionante interpretación como sheriff racista en la película de John Sayles Lone Star, que resucitó su carrera. Una nueva generación de espectadores le ha

Kris Kristofferson

descubierto gracias a su papel de Abraham Whistler, el mentor de Wesley Snipes en la exitosa saga vampírica Blade y a su participación en el infausto remake de El planeta de los simios, perpetrado por Tim Burton. En 1999 lanzó su último álbum, “The Austin Sessions”, y se embarcó en una gira por los Estados Unidos para presentarlo. Filmografía básica: The Last Movie (1971), Cisco Pike (1972), Pat Garrett y Billy el Niño (1973), Quiero la cabeza de Alfredo García (1974), Alicia ya no vive aquí (1974), Ha nacido una estrella (1976), Convoy (1978), La puerta del cielo (1980), Songwriter (1984), Inquietudes (1985), Lone Star (1996), Blade (1998), La hija de un soldado nunca llora (1998), Payback (1999), Limbo (1999), El planeta de los simios (2001), D-Tox (2002), Blade II (2002).

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Lorenzo Lamas

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L Lorenzo LAMAS [Lorenzo y de Santo Lamas] Los Angeles, California (USA); 20/1/1958 Aquellos maravillosos años: Hijo de los actores Fernando Lamas y Arlene Dahl e hijastro de la "sirena" Esther Williams, Lorenzo debutó en el cine intentando robarle la chica a John Travolta en Grease. Después paseó su físico de macarra playero por varias series de corta vida hasta que dio en la diana con el papel de Lance Cunsom, el nieto playboy de la malvada Angela Channing en el longevo culebrón Falcon Crest (1981-1990). En la cumbre de su popularidad, vino a España para protagonizar un anuncio de colchas en el que, mostrando su velludo torso, decía en plan sugerente aquello de: “Soy Lorenzo Lamas, el rey de las camas”, estremecedor pareado publicitario que haría palidecer de envidia a Shakespeare. El slogan resultaba de lo más apropiado para la época, pues se decía que Lorenzo se había pasado por la piedra a todas las féminas de la serie (excepto, suponemos, a la venerable Jane Wyman). El crepúsculo de los ídolos: Siguiendo a la cancelación de Falcon Crest, Lorenzo se recicló en héroe de acción en cutre-películas de serie Z, y en 1992 volvió a saborear las mieles del triunfo con la serie Renegado, en la que interpretaba a un ex-policía convertido en cazarrecompensas tras ser condenado por un crimen que no había cometido. Incomprensiblemente, Renegado al-

canzó éxito internacional y se prolongó durante cinco temporadas, durante las cuales Lorenzo se animó a dirigir algunos episodios. En la serie aparecía su tercera esposa, Kathleen Kinmont, de la que se divorció durante la segunda temporada, colocando en su lugar a su cuarta cónyuge, Shauna Sand, de la que también acabaría separándose en octubre de 2002 después de obtener una orden de restricción contra ella, ya que Lorenzo afirmaba que su ex-mujer le había atacado físicamente (?). ¿Quién sabe dónde?: Desde la desaparición de Renegado, Lorenzo ha seguido haciendo películas para los videoclubs de barrio (aunque yo no he encontrado ninguna en el mío) y series de televisión. Su último logro ha sido ejercer de jurado en el lamentable concurso de belleza Are You Hot?, en el que tiene la estúpida costumbre de señalar con un puntero láser las imperfecciones de las participantes. Filmografía básica: Grease (1978), La musa (1999).

Jessica LANGE Cloquet, Minnesota (USA); 20/4/1949 Aquellos maravillosos años: Jessica Lange ha logrado trascender la imagen de florero rubio que se le adjudicó tras su desastroso debut hasta convertirse en una de las actrices más respetadas de Hollywood. Estudió mimo y baile en la

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Jessica Lange

Opera Comique de París, y a su regreso trabajó como modelo en Nueva York hasta que en 1976 Dino de Laurentiis la escogió como la bella de la que se enamora un gigantesco gorila en el infortunado remake de King Kong. La película fue destrozada por la crítica y tuvieron que pasar tres años hasta que Lange volviera a ponerse delante de las cámaras. El coreógrafo y director Bob Fosse (su pareja por entonces) escribió especialmente para ella el papel del Ángel de la Muerte en su autobiográfica Empieza el espectáculo, que le

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trajo los primeros comentarios favorables, pero fue su composición de mujer fatal junto a Jack Nicholson en la nueva versión de El cartero siempre llama dos veces lo que la convirtió en estrella. El año 1982 marcó un punto de inflexión en la carrera de Lange: primero produjo y protagonizó Frances, basada en la trágica vida de la actriz de los años 30 Frances Farmer, y se metió tanto en el papel que estuvo al borde de una crisis nerviosa. Para olvidar la dureza de ese rodaje, hizo de novia de Dustin Hoffman en el hit cómico Tootsie.

Cuando se anunciaron las nominaciones a los Oscar, Lange fue candidata como actriz protagonista por Frances y como secundaria por Tootsie, perdiendo el primero ante Meryl Streep pero llevándose a casa el segundo. Durante el resto de la década, recibió nuevas nominaciones por Country, Dulces sueños y La caja de música. El crepúsculo de los ídolos: Durante el rodaje de Frances, Lange conoció al actor y dramaturgo Sam Shepard, con el que inició una relación que llega hasta el día de hoy y que ha dado como fruto dos hijos (ella tiene otro de su romance con el bailarín Mikhail Baryshnikov). En los 90, sus apariciones en el cine se hicieron cada vez más esporádicas debido a su decisión de dedicar tiempo a su familia y a su creciente interés en el teatro: en 1992 apareció en Broadway como Blanche Dubois en el montaje de “Un tranvía llamado deseo”, rol que repitió en la versión televisiva de 1995 y sobre los escenarios de Londres en 1996. Aún así, le quedó tiempo para conseguir un éxito de taquilla con el remake de El cabo del miedo y para ganar su segundo Oscar en 1994 por su papel de desequilibrada esposa de un militar en Las cosas que nunca mueren (película que había rodado en 1990). ¿Quién sabe dónde?: Lange y Shepard viven en una granja en Minnesota, apartados del bullicio de Hollywood. Mientras Prozac Nation -que rodó en 2001- sigue esperando fecha de estreno, la actriz ha reavivado su carrera cinematográfica con su participación en Big Fish, la última película de Tim Burton. También sigue activa en el teatro: en 2000 y 2001 representó la obra “Long Day’s Journey into Night” en Londres y Broadway, respectivamente. Recibió un premio a su brillante trayectoria en el Festival de San Sebastián 2002, donde no dejó pasar la oportunidad de criticar duramente la política exterior de George Bush. Filmografía básica: King Kong (1976), Empieza el espectáculo (1979), El cartero siempre llama dos veces (1981), Frances (1982), Tootsie (1982), Country (1984), Dulces sueños (1985), Crímenes del corazón (1986), Cuando me enamoro (1988), La caja de música (1989), El cabo del miedo (1991), La noche y la ciudad (1992), Las cosas que nunca mueren (1994), Rob Roy (1995), Heredarás la tierra (1997), Titus (1999), Big Fish (2003).

Kelly LEBROCK Nueva York, Nueva York (USA); 24/3/1960 Aquellos maravillosos años: Con apenas 16 años, Kelly LeBrock ya era una de las más cotizadas top models de la prestigiosa agencia Eileen Ford, y su bello rostro adornaba las portadas de docenas de revistas. Como muchas otras modelos, decidió probar suerte en el mundo del cine, y en 1984 hizo un impactante debut en la taquillera La mujer de rojo, inconfeso remake de La tentación vive arriba dirigido y protagonizado por Gene Wilder. Inmediatamente después, fue la chica perfecta que dos jóvenes con las hormonas revolucionadas crean informáticamente en La mujer explosiva, otra de las populares comedias teenager de John Hughes. El éxito de estas dos películas la convirtió en un sex symbol, pero tan rápido como había llegado, Kelly desapareció misteriosamente del mapa durante cinco largos años. El crepúsculo de los ídolos: Una posible explicación para esta prolongada ausencia es el traumático divorcio de su primer marido, Victor Drai, en 1984. En 1990 volvió a ponerse ante las cámaras acompañando al mastuerzo Steven Se-

Kelly LeBrock

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agal en Difícil de matar. Como sucede tantas veces, la bella y el bestia mezclaron trabajo y placer, y se enamoraron en el set. Se casaron poco después y tuvieron tres hijos, lo que volvió a poner en suspenso la carrera de Kelly. La pareja se divorció de forma poco amistosa en 1996, y la prensa comenzó a hacerse eco de oscuras historias de malos tratos y violencia doméstica. ¿Quién sabe dónde?: Tras su separación de Seagal, Kelly intentó reactivar por segunda vez su carrera apareciendo junto a Leslie Nielsen en la lamentable parodia ¡Vaya un fugitivo!. Su proyecto cinematográfico más reciente es la película infantil The Sorcerer´s Apprentice (2002). Últimamente, también se ha convertido en asidua del circuito de talk shows televisivos, a los que acude para hablar sobre su nueva pasión, la medicina alternativa. Filmografía básica: La mujer de rojo (1984), La mujer explosiva (1985), Difícil de matar (1990), ¡Vaya un fugitivo! (1998).

Robert Sean LEONARD [Robert Lawrence Leonard] Westwood, New Jersey (USA); 28/2/1969 Aquellos maravillosos años: Veterano de los escenarios teatrales desde los 12 años, Robert Sean Leonard debutó en el cine en 1986. Tras un par de películas menores, saltó a la fama gracias al papel de Neil Perry, el sensible estudiante que recita aquello de “Oh, capitán, mi capitán” y acaba suicidándose en la muy reverenciada El club de los poetas muertos, causante del despertar de miles de vocaciones literarias. Saludado como uno de los actores jóvenes más prometedores del nuevo Hollywood, Leonard se pasó el primer tercio de los 90 sumergido en producciones de época: Los rebeldes del swing, Mucho ruido y pocas nueces, La edad de la inocencia... El crepúsculo de los ídolos: A pesar de la mayor celebridad que le reportaba el cine, su amor por el teatro acabó imponiéndose, y Leonard prefirió seguir desarrollando el grueso de su carrera sobre los escenarios de Broadway. En 1993 consiguió su primera nominación a los premios Tony (los Oscar del teatro), y poco después fundó su propia compañía escénica, Malaparte, en Nueva York.

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Robert Sean Leonard

¿Quién sabe dónde?: Aunque dando preponderancia a los escenarios sobre la pantalla, Leonard ha seguido haciendo esporádicas apariciones en el cine, como la cinta de acción automovilística Driven, o el drama independiente Chelsea Walls, debut en la dirección de su antiguo compañero de clase en El club de los poetas muertos, Ethan Hawke. Tras pasarse más de media vida sobre las tablas, Leonard finalmente ganó el premio Tony en 2001 por su interpretación en la obra “The Invention of Love”, dirigida por Tom Stoppard. Últimamente, combina su trabajo en Broadway con diversas apariciones en series y películas para la televisión americana. Filmografía básica: El club de los poetas muertos (1989), Esperando a Mr. Bridge (1990), Los rebeldes del swing (1993), Mucho ruido y pocas nueces (1993), La edad de la inocencia (1993), Los últimos días del disco (1998), Driven (2001).

Rob LOWE [Robert Hepler Lowe] Charlottesville, Virginia (USA); 17/3/1964 Aquellos maravillosos años: En sus primeras películas, Rob Lowe siempre encarnaba al chico guapo constantemente metido en problemas, algo que también se ha repetido en la vida real.

Comenzó su carrera a los ocho años como modelo infantil en spots publicitarios, y en 1979 consiguió un papel en la serie A New Kind of Family. Después de encadenar un buen número de episodios-piloto para fallidas series de televisión, su carrera cinematográfica despegó en los 80 a raiz de su participación en Rebeldes y St. Elmo, punto de encuentro, dos películas que le garantizaron un puesto privilegiado entre el grupo de jóvenes actores del Brat Pack. Tratando de huir de la imagen de ídolo teenager que se había forjado con películas como Class o El Hotel New Hampshire, Lowe recibió el aplauso de la crítica y una nominación al Globo de Oro con su papel de deficiente mental en Square Dance . Considerado como la versión americana y rejuvenecida de Alain Delon, también fue asiduo de la prensa rosa gracias a sus romances con Nastassja Kinski, la cantante Chynna Phillips o la Princesa Estefanía de Mónaco. Rob Lowe tenía todo lo que un joven veinteañero puede soñar. Y de repente, todo estalló. El crepúsculo de los ídolos: De fuertes inquietudes políticas, Lowe participó activamente en la campaña presidencial de Michael Dukakis en

Rob Lowe

1988. Durante una convención del Partido Demócrata en Atlanta, conoció a dos chicas en un club nocturno, se las llevó a su hotel y grabó en vídeo sus actividades sexuales con ellas. Las chicas robaron las cintas y un año después, la madre de una de ellas, que resultó tener sólo 16 años, demandó al actor (el vídeo en cuestión se convirtió en pieza de coleccionista en el mercado negro, y la broma que circuló por entonces en Hollywood era que se trataba de una de sus mejores películas). La prensa se hizo amplio eco del escándalo, que en cierto modo marcó el final de los días de gloria del Brat Pack. Condenado a prestar servicio comunitario, Lowe también tuvo que reconocer que tenía un grave problema con el alcohol y las drogas, e ingresó en una clínica de rehabilitación en Arizona. A esas alturas, su carrera parecía estar completamente arruinada. ¿Quién sabe dónde?: Cuando todos le daban por muerto y enterrado, Lowe reemergió en los 90 limpio, sobrio y padre de familia. En marzo de 1990 presentó uno de los shows de Saturday Night Live y se hizo amigo de uno de los humoristas del programa, Mike Myers. Considerado como el verdadero artífice de su “resurrección”, Myers le dio papeles secundarios en Wayne´ s World y en la taquillera saga de Austin Powers. También resultó convincente en su faceta más seria, como líder ultracristiano enfrentado a Jodie Foster en Contact. Aunque en esta segunda etapa de su carrera no ha alcanzado el status estelar del que disfrutara en los 80, Lowe recuperó parte de su pasada gloria gracias a la serie El ala Oeste de la Casa Blanca, que le valió una nominación al Emmy en 2001. Sin embargo, en 2002 abandonó el programa por disputas salariales con los productores. Recientemente ha protagonizado el remake de la miniserie Salem´s Lot, basada en la novela de Stephen King. Filmografía básica: Rebeldes (1983), Class (1983), El Hotel New Hampshire (1984), Un yanqui en Oxford (1984), St. Elmo, punto de encuentro (1985), ¿Qué pasó anoche? (1986), Square Dance (1987), Malas influencias (1990), Wayne´s World (1992), Mullholland Falls, la brigada del sombrero (1996), Austin Powers (1997), Contact (1997), Austin Powers: la espía que me achuchó (1999), Austin Powers en Miembro de Oro (2002).

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Ralph Macchio

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M Ralph MACCHIO Huntington, Nueva York (USA); 4/11/1961 Aquellos maravillosos años: Aunque ya tiene 41 años, Ralph Macchio ha sido incapaz de sacudirse la imagen de eterno adolescente que le ha perseguido durante toda su carrera. Su cara de niño, que le sirvió para convertirse en ídolo teen a principios de los 80, ha sido un obstáculo en su búsqueda de roles más adultos y profundos. Después de hacer varios anuncios en televisión, en 1980 logró su primer papel de cierta notoriedad en la popular Con ocho basta, como el problemático sobrino de Dick Van Patten (cómo el cabeza de familia podía mantener a tamaña prole con un sueldo de simple columnista sigue siendo uno de los misterios insondables de la pequeña pantalla). Aunque la serie fue cancelada al final de la siguiente temporada, su trabajo llamó la atención de Francis Ford Coppola, que le reclutó para Rebeldes, plataforma de lanzamiento para un puñado de jóvenes actores que dominarían Hollywood en los años siguientes. Macchio continuó el éxito de Rebeldes con Karate Kid, una película que ha resultado ser una maldición para él, al convertirse en el papel con el que se le ha identificado desde entonces y que ha fijado su imagen de adolescente en las retinas del público. Pese a todo, Karate Kid fue un monumental éxito que aún pervive como uno de los títulos más recordados de los 80. En ella, Mac-

chio (que por entonces tenía 22 años) era Daniel LaRusso, un adolescente de 14 que encuentra un sentido a su vida a través de las artes marciales que, con peculiares métodos (quién no recuerda aquello de “dar cera, pulir cera”), le enseña el entrañable señor Miyagi. La película originó dos secuelas menos exitosas, y para cuando se estrenó una tercera continuación en 1994, Macchio ya había abandonado el personaje. El crepúsculo de los ídolos: En los ratos libres que le dejaban sus cabriolas karatekas, Macchio protagonizó Profesores de hoy y Cruce de caminos, pero cuando se hizo demasiado mayor para seguir interpretando papeles de adolescente, su carrera se estancó. Otros argumentan que después de haber hecho tres películas de Karate Kid, era difícil asociarle con otra cosa. Esa película le encasilló y no le dejó crecer en pantalla, un caso similar al de Michael J. Fox después de Regreso al futuro. ¿Quién sabe dónde?: En 1992 su carrera experimentó un pequeño revival con el éxito sorpresa de Mi primo Vinny, y un año después apareció en la comedia independiente Desnudo en Nueva York, pero sólo fue un espejismo. Macchio volvió a quedar en el dique seco, por lo que en 2002 decidió ponerse al otro lado de las cámaras con el corto Love Thy Brother. En los últimos años, Ralph parece haber orientado su carrera hacia el teatro. Ya en 1986 hizo un impresionante debut en el offBroadway, manteniendo el tipo frente a Robert De Niro en la obra “Cuba and His Teddy Bear”, y más

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recientemente ha protagonizado “Cómo triunfar en los negocios sin dar golpe”. Filmografía básica: Rebeldes (1983), Karate Kid (1984), Profesores de hoy (1984), Karate Kid 2 (1986), Cruce de caminos (1986), Ecos de guerra (1988), Karate Kid 3 (1989), Mi primo Vinny (1992), Desnudo en Nueva York (1993).

Ali MACGRAW [Alice MacGraw] Pound Ridge, Nueva York (USA); 1/4/1938 Aquellos maravillosos años: A los 22 años, Ali se inició en el mundo de la moda como estilista y ayudante de fotografía en la revista “Harper´s Bazaar”, hasta que alguien pensó que era demasiado bella para estar escondida detrás de una cámara y le sugirió iniciar una carrera como modelo. Al poco, su rostro de rasgos exóticos aparecía en multitud de portadas y spots televisivos. Después de un olvidable debut fílmico en 1968, comenzó a ganar notoriedad con su segunda película, Complicidad sexual, pero fue el lacrimógeno dramón Love Story el que lanzó definitivamente su carrera. El film, basado en el best seller de Erich Seagal, fue uno de los grandes taquillazos de 1970 y agotó las reservas mundiales de kleenex. El personaje de Jenny Cavalleri, la encantadora estudiante cuya enfermedad pone un trágico fin a su romance con Ryan O’Neal, catapultó a Ali al estrellato internacional y le valió una nominación al Oscar. El año anterior se ha-

bía casado con el ejecutivo de la Paramount Robert Evans, que comenzó a guiar los destinos de su carrera y desarrolló para ella proyectos como El gran Gatsby. El crepúsculo de los ídolos: En 1972, Ali se enamoró de Steve McQueen mientras rodaban juntos el thriller de Sam Peckinpah La huida y se divorció de Evans. Cuando se casaron en 1973, McQueen insistió a Ali para que se apartase del cine y se concentrase en su matrimonio. La actriz perdió los papeles protagonistas femeninos de El gran Gatsby (fue a parar a Mia Farrow) y Chinatown (ante Faye Dunaway), y su carrera entró en un declive del que ya nunca se recuperaría. Tras divorciarse de McQueen en 1978, Ali regresó a la gran pantalla con Convoy, una película que la reunía con Peckinpah y que supuso un gran fracaso para ambos. En los años 80, Ali intentó que el público no la olvidase trabajando esporádicamente en la televisión: en 1983 apareció junto a Robert Mitchum en la ambiciosa miniserie Vientos de guerra, y fue la aristócrata Lady Ashley Mitchell en la temporada 1985-1986 del popular culebrón Dinastía. ¿Quién sabe dónde?: En 1991 Ali publicó su autobiografía “Moving Pictures” y se concentró en sus trabajos como diseñadora y representante de una línea de cosméticos, apareciendo ocasionalmente en proyectos cinematográficos como Glam (1997), la primera película de su hijo Josh Evans. Ali también es una forofa del yoga y en 1994 produjo y protagonizó el vídeo Ali MacGraw: Yoga Mind & Body. Su última aparición pública fue como invitada especial en la ceremonia de los Oscar del año 2002. Filmografía básica: Complicidad sexual (1969), Love Story (1970), La huida (1972), Convoy (1978), Pasiones en juego (1979), Dime lo que quieras (1980).

Kyle MACLACHLAN Yakima, Washington (USA); 22/2/1959

Ali MacGraw

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Aquellos maravillosos años: David Lynch sorprendió a propios y extraños cuando, después de un multitudinario casting a escala nacional, eligió a un desconocido para protagonizar la adaptación del best seller de Frank Herbert

“Dune”, una de las grandes superproducciones de 1984. En su debut cinematográfico, Kyle MacLachlan (que afirma ser descendiente por parte materna del compositor Johann Sebastian Bach) estaba bastante perdido como el héroe futurista Paul Atreides, pero logró salir indemne del descalabro crítico y comercial de la película, y se convirtió en el actor-fetiche del bizarro director. Después, rechazó el papel que acabaría yendo a parar a Charlie Sheen en Platoon para hacer Terciopelo azul, una de las cult movies definitivas de los 80. En 1990, Lynch y MacLachlan conquistaron también la pequeña pantalla con Twin Peaks, serie de culto para televidentes postmodernos. El actor lanzó definitivamente su carrera gracias al personaje-bombón de Dale Cooper, un poco convencional agente del FBI que llega al pueblo titular para investigar el asesinato de Laura Palmer (la muerta más famosa de la historia de la televisión) y acaba convirtiéndose en adicto a la tarta de cerezas del restaurante local. MacLachlan ganó un Globo de Oro por este papel, que repitió dos años después en la precuela cinematográfica. El crepúsculo de los ídolos: Intentando desvincularse de su lado oscuro, MacLachlan se pasó al cine comercial como villano prehistórico en la versión fílmica de Los Picapiedra. A continuación llegó la desastrosa Showgirls, que puso de manifiesto que sin la guía del extravagante Lynch su carrera estaba abocada al fracaso. Alejado definitivamente del estrellato, el actor pasó el resto de los 90 alternando telefilms y producciones independientes alabadas por la crítica pero con escaso potencial comercial. ¿Quién sabe dónde?: En el año 2000, Mac Lachlan consiguió un papel recurrente en la exitosa serie Sexo en la ciudad, y poco después prestó su voz a uno de los personajes del popular videojuego “Grand Theft Auto III”. Probando suerte en el teatro, en el verano de 2002 se fue a Londres para representar la obra “On an Average Day” junto a Woody Harrelson. Además de por su trabajo, MacLachlan también se ha hecho notar por sus sonadas relaciones sentimentales con actrices como Lara Flynn Boyle y Laura Dern, y modelos como Linda Evangelista, con la que estuvo comprometido durante tres años. En

Kyle MacLachlan

2002 se casó con la publicista de modas Desiree Gruber. Filmografía básica: Dune (1984), Terciopelo azul (1986), Oculto (1987), The Doors (1991), Twin Peaks: fuego camina conmigo (1992), Los Picapiedra (1994), Showgirls (1995), El efecto dominó (1996), Después de una noche (1997), Hamlet (2000).

Mary Elizabeht MASTRANTONIO Lombard, Illinois (USA); 17/11/1958 Aquellos maravillosos años: Mientras estudiaba para cumplir su sueño de ser cantante de ópera, Mary Elizabeth Mastrantonio pasaba los veranos dando conciertos de country & western en Nashville. A principios de los 80 llegó a Nueva York y fue contratada en el revival de “West Side Story” en Broadway. Después se pasó al cine y debutó como extra en El rey de la comedia. Aunque su intervención se quedó en la sala de montaje, llamó la atención del director Martin Scorsese, que más tarde la compensaría al darle uno de los roles protagonistas en El color del dinero, por el que obtuvo una nominación al Oscar en

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1986. De hecho, su verdadero debut había llegado tres años antes, como la incestuosa hermana de Al Pacino en el remake de El precio del poder firmado por Brian De Palma. Pese a la comentada dureza de su rodaje, la épica submarina de James Cameron Abyss lanzó a Mastrantonio al estrellato, cimentado por el taquillazo de Robin Hood, príncipe de los ladrones, en la cual heredó el papel de Lady Marian de una embarazada Robin Wright Penn. El crepúsculo de los ídolos: Con dos éxitos de taquilla consecutivos, Mastrantonio estaba en el cénit de su carrera. Sin embargo, en 1990 se casó con Pat O’Connor (que la había dirigido el año anterior en El asesino del calendario) y se mudó a Londres, tomándose un largo descanso para centrarse en su creciente familia. Volvió en 1995 con la decepcionante Tres deseos, y los fiascos de sus siguientes películas hicieron comprender a la actriz que su estrella había declinado (casi) definitivamente, forzándola a un nuevo retiro temporal. ¿Quién sabe dónde?: Cuando su carrera parecía definitivamente finiquitada, Mastrantonio ree-

Mary Elizabeth Mastrantonio

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mergió por sorpresa en 1999 gracias a la aclamada cinta indie Limbo, a la que siguió un papelito en el blockbuster La tormenta perfecta. Feliz esposa y madre de dos hijos, Mastrantonio aún reside en Londres y ha aparecido en un par de pequeñas películas inglesas. Recuperando sus orígenes en el teatro musical, recientemente se subió a los escenarios de Broadway para interpretar a Dulcinea en el montaje de “El hombre de La Mancha”. Filmografía básica: El precio del poder (1983), El color del dinero (1986), Sin vía de escape (1987), El asesino del calendario (1989), Abyss (1989), Robin Hood: príncipe de los ladrones (1991), Arenas blancas (1992), Dobles parejas (1992), Tres deseos (1995), Limbo (1999), La tormenta perfecta (2000).

Marlee MATLIN Morton Grove, Illinois (USA); 24/8/1965 Aquellos maravillosos años: La sordera (total en el oído derecho y del 80% en el izquierdo) nunca ha supuesto un freno para Marlee en su sueño de convertirse en actriz. Comenzando su carrera teatral a la precoz edad de 7 años, su primer papel adulto fue como secundaria en la premiada obra “Hijos de un dios menor”. Cuando el montaje saltó de Chicago a Nueva York, Marlee ascendió al rol protagonista de Sarah, una mujer sorda que se empeña en aislarse del resto del mundo. La directora Randa Haines la vio y le ofreció repetir el mismo personaje en la versión cinematográfica de 1986, frente a William Hurt (con el que vivió un publicitado romance). Su debut en el cine le valió un Oscar, convirtiéndose en la primera actriz sorda en ganarlo. El crepúsculo de los ídolos: A principios de los 90, Marlee hizo un papel secundario en Encadenadamente tuya y un cameo en El juego de Hollywood, pero ante la ausencia de buenos guiones decidió volcarse en la televisión, medio en el que ha tenido una trayectoria mucho más exitosa: interpretó a una fiscal sorda en la serie Dudas razonables (1991-1993), por la que obtuvo dos candidaturas a los Globos de Oro, y se unió al reparto de Picket Fences en la temporada 1995-1996, lo que le reportó una nominación a los Emmy. Además, apareció como estrella invitada

Marlee Matlin

en episodios de Seinfeld, Urgencias o Spin City, y protagonizó varios telefims. ¿Quién sabe dónde?: En 1996 Marlee tuvo su mejor papel cinematográfico de los 90 como la hermana de Eric Roberts en el aclamado drama sobre el SIDA It´s My Party. Pero sigue manteniéndose mucho más activa en la pequeña pantalla, como una de las protagonistas de la serie El ala oeste de la Casa Blanca y presentadora de Blues Clues, un programa de la cadena infantil Nickelodeon en el que enseña a los niños el lenguaje de los sordos. Incansable luchadora en favor de la infancia y de los discapacitados, Marlee siempre saca tiempo para visitar a los niños sordos de los lugares en los que rueda, y colabora en varias organizaciones benéficas. En 2002 publicó su primera novela, “Caution: Deaf Child Crossing”, inspirada en sus propias experiencias de la infancia. Filmografía básica: Hijos de un dios menor (1986), Encadenadamente tuya (1991), El juego de Hollywood (1992), It´s My Party (1996).

Pero es su siguiente película, St. Elmo, punto de encuentro, la que le lanza al estrellato como componente de la camada de jóvenes actores que la prensa bautizó como Brat Pack. McCarthy capitalizó su nueva fama encadenando otras dos populares comedias juveniles, La chica de rosa (también de John Hughes) y Maniquí. Pero como les sucedió a casi todos sus compañeros de generación, al llegar el fin de la década la máquina comenzó a detenerse, y el postrero éxito de Este muerto está muy vivo no fue suficiente para reavivar su carrera. Tratando de escapar de los estereotipos de la prensa, debutó en Broadway junto a Matt Dillon y Wesley Snipes en el drama sobre Vietnam “The Boys of Winter”. El crepúsculo de los ídolos: Al entrar en los 90, McCarthy decidió cambiar de tercio: el actor que antes buscaba éxitos comerciales, se decantaba ahora por películas pequeñas en las que poder demostrar sus capacidades dramáticas. Pasó algún tiempo en Francia y trabajó con Claude Chabrol en Dr. M. y Días tranquilos en

Andrew MCCARTHY Nueva York (USA); 29/11/1962 Aquellos maravillosos años: Andrew McCarthy ascendió a la cima a la velocidad del rayo, pero su caída al final de los 80 fue igual de rápida, quedando relegado a películas de serie B. A los 21 años y saliendo de ninguna parte, consiguió el papel protagonista en Class, como el estudiante seducido por la madre de su amigo (Rob Lowe).

Andrew McCarthy

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Clichy. De vuelta a los Estados Unidos, apareció en un puñado de películas independientes alabadas por la crítica (si bien no tanto por el público): El club de la buena estrella, de Wayne Wang; La señora Parker y el círculo vicioso, de Alan Rudolph; o Cosas que nunca te dije, de la catalana Isabel Coixet. ¿Quién sabe dónde?: En los últimos años, McCarthy ha seguido haciendo películas de pequeño presupuesto, telefilms y miniseries como la alabada Jackie Bouvier Kennedy Onassis, donde encarnaba a Bobby Kennedy. De vuelta a sus raíces teatrales, se ha subido indistintamente a los escenarios de Broadway en “Side Men” (1999) y “The Glass Menagerie” (2001), y del off-Broadway en “The Exonerated” (2002), junto a su antigua compañera del Brat Pack Ally Sheedy. Filmografía básica: Class (1983), St. Elmo, punto de encuentro (1985), La chica de rosa (1986), Maniquí (1987), Golpe al sueño americano (1987), Este muerto está muy vivo (1989), Días tranquilos en Clichy (1990), Este muerto está muy vivo II (1993), El club de la buena estrella (1993), La señora Parker y el círculo vicioso (1994), Mulholland Falls, la brigada del sombrero (1996), Cosas que nunca te dije (1996).

Malcolm MCDOWELL [Malcolm Taylor] Leeds (Inglaterra); 13/6/1943 Aquellos maravillosos años: Malcolm McDowell se ha forjado una carrera a base de interpretar personajes malignos y crueles que, sin embargo, logran transmitir cierto encanto. Nacido en una familia de clase obrera, trabajó como camarero y vendedor de café antes de unirse a la Royal Shakespeare Company a finales de los 60. Después de conseguir diversos roles televisivos, se trasladó a Nueva York; allí conoció al director Lindsay Anderson, quien le eligió para interpretar a Mick Travis, el arrogante y rebelde joven protagonista de If..., primera entrega de una trilogía de películas que desafiaban las tradiciones e instituciones británicas. La saga se completa con Un hombre de suerte y Hospital Britannia. Stanley Kubrick tomó buena nota de su trabajo con Anderson y le ofreció el pasaporte al estrella-

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Malcolm McDowell

to internacional en su adaptación de La naranja mecánica. El rol del ultraviolento Alex DeLarge, líder de una pandilla de delincuentes futuristas aficionados a la leche y a Beethoven, convirtió a McDowell en todo un icono de la cultura pop. El crepúsculo de los ídolos: A pesar de la fama que le reportó la película, La naranja mecánica también fue la cruz de la carrera de McDowell, que se encasilló en una imagen de villano depravado de la que nunca ha podido (ni querido) escapar. Caracterización que se vería aún más reforzada en 1979, cuando hizo el papel titular del emperador romano en la escandalosa Calígula, de Tinto Brass. Ese mismo año, McDowell se fue a vivir a América, y debutó en Hollywood interpretando al escritor H.G. Wells -uno de sus escasos papeles de héroe- en Los pasajeros del tiempo; durante el rodaje conoció a Mary Steenburgen, con quien estuvo casado entre 1980 y 1990. Después de aparecer en otros proyectos de envergadura como El beso de la pantera y El trueno azul, y de superar su adicción a las dro-

gas, McDowell se pasó el resto de la década componiendo más villanos en películas de bajo presupuesto mayormente olvidables. ¿Quién sabe dónde?: Los noventa marcaron un cierto resurgimiento en la carrera de McDowell. Después de un lucido cameo en El juego de Hollywood, consiguió el reconocimiento de un nuevo público con sus papeles de malvado caricaturesco en Star Trek: la próxima generación y Tank Girl. Al mismo tiempo, empezó a prestar su voz a diversos cartoons televisivos (Superman, Spiderman, Batman). A fi na les de la década hizo algunas puntuales incursiones en el cine inglés, y luego retornó a Ho llywood para seguir engordando su billetera en grandes producciones como Soy espía y Océanos de fuego, aunque también hemos podido verle en cintas inde pendientes como The Com pa ny, de su amigo Robert Altman. Filmografía básica: If... (1968), La naranja mecánica (1971), Un hombre de suerte (1973), El viaje de los malditos (1976), Calígula (1979), Los pasajeros del tiempo (1979), El beso de la pantera (1982), Hospital Britannia (1982), El trueno azul (1983), Asesinato en Beverly Hills (1988), El juego de Hollywood (1992), Star Trek: la próxima generación (1994), Tank Girl (1995), Mr. Magoo (1997), Los visitantes en América (2001), Soy espía (2002), The Company (2003), Océanos de fuego (2004).

Kelly MCGILLIS Newport Beach, California (USA); 9/7/1957 Aquellos maravillosos años: Tras probar una infructuosa carrera como modelo, Kelly McGillis hizo un impresionante debut en la gran pantalla como la novia de un escritor alcohólico en Reuben, Reuben (1983). Al año siguiente iba a ser la protagonista femenina en la comedia de Tom Hanks Despedida de soltero, pero la echaron al poco de comenzar el rodaje porque los productores no la consideraron lo suficientemente sexy. McGillis se resarció con creces de este mal trago cuando consiguió el papel de una reprimida y joven viuda Amish de la que se enamora un policía (Harrison Ford) en Único testigo. Para prepararse, McGillis convivió durante un tiempo con

una auténtica familia Amish, pero tras el estreno de la película, éstos se quejaron públicamente del modo en que la actriz había retratado la forma de vida de su comunidad. Único testigo convirtió a Kelly en una estrella y le permitió acceder al codiciado papel de Charlie Blackwood, la instructora de vuelo e interés amoroso de Tom Cruise (a pesar de que su 1’80 de estatura resultaba cruelmente evidente en los planos que compartía con el retaco galán) en Top Gun. Ídolos del aire, el mayor blockbuster de 1986. El crepúsculo de los ídolos: Desde Top Gun, la trayectoria de McGillis ha seguido un camino descendente y ha caído en la categoría de “promesa incumplida”. Hecho en el cielo, su primera tentativa de llevar en solitario el peso de una película, se saldó con un rotundo fracaso comercial. Después consiguió el papel de abogada defensora de una víctima de violación (Jodie Foster) en Acusados. Durante el rodaje, Kelly confesó que en 1982 ella misma había sido forzada por dos intrusos que irrumpieron en su apartamento, y que aquella terrible experiencia la había decidido a aceptar el proyecto. Su brillante interpretación no hizo, sin embargo, gran cosa por su carrera, pues fue Foster la que acaparó todos los elogios de la crítica y se llevó a casa su primer Oscar. ¿Quién sabe dónde?: Tras co-protagonizar junto a John Goodman The Babe, fallido biopic del legendario jugador de béisbol Babe Ruth, McGillis pasó el resto de la década de los 90 confinada al mercado de los telefilms y los videoestrenos. En 1999 tuvo un papel secundario al lado de Val Kilmer y Mira Sorvino en A primera vista, su primera película para un gran estudio desde los tiempos de Acusados. Probando suerte en el teatro, en 1988 apareció en un montaje de “El mercader de Venecia” del Folger Shakespeare Theatre, y desde entonces ha continuado su asociación con esta compañía. Actualmente está interpretando el papel de Mrs. Robinson en un montaje itinerante de “El graduado”. Filmografía básica: Reuben, Reuben (1983), Único testigo (1985), Top Gun: ídolos del aire (1986), Hecho en el cielo (1987), La casa de Carroll Street (1988), Acusados (1988), El cazador de gatos (1989), Un muchacho llamado Norte (1994), A primera vista (1999).

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Kelly McGillis

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Liza MINNELLI Los Angeles, California (USA); 12/3/1946 Aquellos maravillosos años: Nacida en la realeza de Hollywood, la vida de Liza Minnelli sobrepasa las fantasías del guionista más imaginativo: noches locas espolvoreadas con cocaína en el Studio 54, visitas a las clínicas de desintoxicación, problemas de salud, cuatro matrimonios, un Oscar, triunfos, fracasos... Hija de Judy Garland y del director Vincente Minnelli, Liza ha sabido escapar de la alargada sombra de sus famosos padres para labrarse una carrera propia que ya alcanza cinco décadas y ha compaginado cine, teatro, televisión y música. Debutó en la gran pantalla con sólo dos años acompañando a su madre en In the Good Old Summertime. A los 16 se independizó y se marchó a Nueva York para abrirse camino en el showbiz. En 1964, Garland la invitó a actuar con ella en el Palladium de Londres, un show que supuso un punto de inflexión en la carrera de Liza y en la relación entre ambas. Un año después, ganó el primero de sus tres premios Tony por el musical “Flora, the Red Menace”. En 1969, Liza fue nominada al Oscar por The Sterile Cuckoo, pero el mejor papel de su carrera fue el de Sally Bowles en Cabaret, versión cinematográfica del éxito de Broadway. Su prodigiosa interpretación le valió un Oscar y las portadas de “Time” y “Newsweek” en la misma semana. Ese mismo año, también ganó un Emmy por el especial televisivo Liza With a Z, y el subsiguiente tour mundial confirmó su status como una de las mayores estrellas del negocio. Sin embargo, ninguna de sus siguientes películas se acercaron al éxito de Cabaret. Pese a trabajar con directores como Stanley Donen (Los aventureros del Lucky Lady), Martin Scorsese (New York, New York) o con su propio padre (Nina), tuvieron que pasar nueve años para que Liza lograse otro éxito de taquilla con Arthur, el soltero de oro. El crepúsculo de los ídolos: Liza entró en los 80 bajo la “maldición de Judy Garland”, sufriendo los mismos problemas de salud, inestabilidad emocional y adicción a las drogas y al alcohol que acabaron por llevar a su madre a la tumba en 1969. Retirada de la vista del público durante varios años, su retorno en 1984 con la obra “The

Rink” le valió una nueva nominación al Tony, pero meses después tuvo que ser internada en la Clínica Betty Ford para tratarse de sus adicciones. Al año siguiente ganó el Globo de Oro por el telefilm A Time to Live, y durante el resto de la década se embarcó en una gira mundial con Frank Sinatra y Sammy Davis Jr, y retomó su carrera musical con el disco “Results”, producido por los Pet Shop Boys, que alcanzó un gran éxito en Europa. En 1991 protagonizó la adaptación cinematográfica del musical inglés Un paso adelante (nada que ver con esa teleserie para estultes emitida por una de nuestras cadenas), y aunque la película pasó sin pena ni gloria por las pantallas, Liza la tomó como base para una serie de conciertos en Nueva York y Londres que rompieron records de taquilla. ¿Quién sabe dónde?: Desde los años 90, Liza ha permanecido apartada de las pantallas y ha centrado su carrera en los escenarios, cuando sus problemas de salud se lo han permitido. En enero de 1997 volvió a Broadway por primera vez en doce años para reemplazar temporalmente a Julie Andrews en el montaje de “Víctor o Victoria”. A finales de ese mismo año inició un tour por USA e Inglaterra, pero tuvo que cancelarlo en mayo de 1998 para operarse de las cuerdas vocales. En diciembre de 1999 retornó a Nueva York con el espectáculo “Minnelli On Minnelli”, un tributo musical a las películas de su padre, pero en octubre de 2000 fue ingresada en un hospital para ser tratada de una encefalitis vírica que puso su vida en serio peligro. Recuperada, en marzo de 2002 se casó por cuarta vez, y poco después presentó en Broadway el show “Liza´s Back”, que contó con la aparición especial del viejo maestro de ceremonias de Cabaret, Joel Grey. En los últimos tiempos, Liza ha vuelto a sus viejas (y perniciosas) costumbres, y en marzo de 2003 tuvo que volver a rehabilitación en una clínica de Pennsylvania para someterse a lo que su agente llamó eufemísticamente un “programa de autoayuda” de ocho semanas. Recientemente ha sido noticia por su esperpéntico divorcio de su último esposo, David Gest, que acusó a la diva de agredirle con sus botellas de ginebra. Filmografía básica: Charlie Bubbles (1967), The Sterile Cuckoo (1969), Dime que me amas, Junie Moon (1970), Cabaret (1972), Los aventureros del Lucky Lady (1975), Nina (1976), New York, New

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Lizza Minnelli

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York (1977), Arthur, el soltero de oro (1981), Arthur 2: On the Rocks (1988), Un paso adelante (1991).

Matthew MODINE Loma Linda, California (USA); 22/3/1959 Aquellos maravillosos años: Matthew Modine comenzó su carrera en spots y culebrones televisivos, antes de que John Sayles le hiciese debutar en la comedia Baby, eres tú. Intentando escapar de la imagen de chico sanote típicamente americano, aceptó papeles arriesgados en Desechos, de Robert Altman, y Birdy, donde interpretaba a un desquiciado veterano de Vietnam que se cree pájaro. Tras rechazar el papel que acabaría haciendo Tom Cruise en Top Gun por su desacuerdo con el mensaje de la película, Modine se fue a Inglaterra para convertirse en el soldado Joker en la odisea bélica de Stanley Kubrick La chaqueta metálica. El éxito de este film le propulsó al rol protagonista en la taquillera comedia Casada con todos. El crepúsculo de los ídolos: A principios de los 90, los fracasos consecutivos de De repente, un extraño y Memphis Belle pusieron en entredicho su capacidad para cargar en solitario con el peso de una película. Después de recuperarse parcialmente gracias al éxito crítico de Vidas cruzadas, consiguió el papel protagonista masculino en La isla de las cabezas cortadas, una superproducción de piratas urdida por el entonces matrimonio formado por el director Renny Harlin y la actriz Geena Davis. La película resultó ser uno de los mayores fiascos comerciales del Hollywood reciente, asestando una estocada casi mortal a las carreras de todos los implicados. ¿Quién sabe dónde?: En los últimos años, Modine ha alternado papeles protagonistas en films independientes (The Blackout, Una rubia auténtica) con apariciones casi anecdóticas en producciones de gran presupuesto (Notting Hill, Un domingo cualquiera). Después de veinte años de carrera, sigue donde siempre ha estado: trabajando lo suficiente para que el público no se olvide de él, pero no tanto como para convertirse en la estrella que una vez prometió ser. Autor de varios cortos a lo largo de los 90, en 1999 se estrenó en la dirección de largometrajes con la mo-

Matthew Modine

desta If... Dog... Rabbit, que también escribió y protagonizó. Filmografía básica: Baby, eres tú (1983), Desechos (1983), El Hotel New Hampshire (1984), Birdy (1984), Mrs. Soffel (1984), La chaqueta metálica (1987), Casada con todos (1988), Memphis Belle (1990), De repente, un extraño (1990), En el filo de la duda (1993), Vidas cruzadas (1993), La versión Browning (1994), La isla de las cabezas cortadas (1995), The Blackout (1997), Una rubia auténtica (1997), Un domingo cualquiera (1999), Le Divorce (2003).

Demi MOORE [Demetria Gene Guynes] Roswell, New Mexico (USA); 11/11/1962 Aquellos maravillosos años: Lanzada al estrellato con una serie de exitosas películas durante los 80 y la primera mitad de los 90, Demi Moore se distingue por su habilidad para llamar la atención tanto dentro como fuera de la pantalla, desde Striptease hasta su publicitada boda y posterior divorcio de Bruce Willis. A los 16 años pasó una temporada en Europa trabajando como modelo, y de vuelta a Hollywood comen-

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Demi Moore

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zó su carrera como actriz en el culebrón Hospital General y en películas poco relevantes. Fue en esa época cuando estuvo a punto de conseguir el papel protagonista en Flashdance, pero los productores acabaron decantándose por Jennifer Beals. En 1985 se unió al contingente del Brat Pack en la emblemática St. Elmo, punto de encuentro. Demi (que durante el rodaje inició una relación de tres años con Emilio Estevez) estaba por entonces luchando contra su adicción a la cocaína, y el director Joel Schumacher la expulsó del set cuando un día apareció completamente pasada. Tras someterse a un programa de desintoxicación, fue readmitida, y St. Elmo se convirtió en la película de su explosión. Demi supo evitar el oscuro destino de la mayoría de sus compañeros e hizo la transición a roles adultos en La séptima profecía y Nunca fuimos ángeles, aunque lo que realmente disparó su fama hasta niveles insospechados fue su boda con Bruce Willis en 1987. El megaéxito de Ghost la puso en la lista A de actrices, posición afianzada en los primeros 90 con Algunos hombres buenos y Una proposición indecente. También consiguió que todo el mundo hablara de ella cuando apareció desnuda y embarazadísima en la portada de “Vanity Fair”. Repitió la jugada al año siguiente, aunque esta vez "vestida" con un traje hecho de pintura corporal. El crepúsculo de los ídolos: Pese a los fracasos de La letra escarlata y Coacción a un jurado, Demi estaba en la cima, y Bruce y ella eran los favoritos de la prensa del corazón. En 1996 se convirtió en la actriz mejor pagada de Holly wood al cobrar 12,5 millones de dólares por protagonizar Striptease. Poco antes del estreno, Demi apareció en el late show de David Letterman vestida sólo con un escueto bikini para desmentir los rumores de que estaba demasiado gorda para el papel. Sus esfuerzos fueron en vano, pues Striptease fue masacrada por la críti-

ca e ignorada por el público. Idéntico destino corrió el panfleto de reclutación La teniente O’Neil, pero una vez más, Demi siguió siendo noticia por su azarosa vida personal, esta vez con su sonado divorcio de Bruce Willis en 1998. ¿Quién sabe dónde?: A finales de los 90, Demi dijo a la prensa que se alejaba de Hollywood para cuidar de sus tres hijas, aunque ha desarrollado una lucrativa faceta como productora de la saga de Austin Powers. Tras varios años de ausencia, en 2003 volvió a asomarse a las pantallas con un publicitado rol secundario en la secuela de Los ángeles de Charlie. Para luchar en igualdad de condiciones a sus 41 primaveras frente a las esculturales protagonistas, Demi contrató a un nutricionista, un preparador personal, un instructor de yoga y un entrenador personal, complementando así los 380.000 dólares que ya se había gastado en la consulta del cirujano (incluidas una reducción de sus implantes de pechos, liposucción, inyecciones de colágeno en los labios y fundas de porcelana en los dientes). Fiel a su estilo, la actriz ha seguido apareciendo en los tabloides por sus romances con el rockero Anthony Kiedis, el empresario Guy Oseari y el actor Ashton Kutcher, 15 años más joven que ella. En un nuevo ejemplo de la vida imitando al arte, uno de sus empleados la denunció recientemente por supuesto acoso sexual, tal como en su exitosa película de 1994. Filmografía básica: Lío en Río (1984), St. Elmo, punto de encuentro (1985), ¿Qué pasó anoche? (1986), La séptima profecía (1988), Nunca fuimos ángeles (1989), Ghost (1990), Pensamientos mortales (1991), Algunos hombres buenos (1992), Una proposición indecente (1993), Acoso (1994), La letra escarlata (1995), Amigas para siempre (1995), Coacción a un jurado (1996), Striptease (1996), La teniente O´Neil (1997), Desmontando a Harry (1997), Los ángeles de Charlie: al límite (2003).

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Judd Nelson

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N Judd NELSON Portland, Oregón (USA); 28/11/1959 Aquellos maravillosos años: De todos los miembros del Brat Pack, Judd Nelson parecía ser el más listo y seguro de sí mismo. Tenía una cierta arrogancia que permitía vaticinar que sería él quien triunfaría, pero no fue así. Surgió de la nada a principios de los 80 y atrapó la atención del público desde su primera película, Making the Grade, donde ya marcaba la pauta que definiría a todos los personajes que interpretó a lo largo de la década: jóvenes problemáticos e inadaptados, constantemente metidos en líos de los que logran salir a base de ingentes dosis de caradura. En 1985, Nelson intervino en dos de los títulos fundamentales del Brat Pack, El club de los cinco y St. Elmo, punto de encuentro. Durante un momento, pareció tener el mundo a sus pies, pero la ilusión se desvaneció rápidamente. Ninguna de sus películas posteriores se aproximó ni de lejos al éxito de aquellas, y su carrera no tardó en hundirse. El crepúsculo de los ídolos: Después de St. Elmo, Nelson comenzó a pasar más tiempo en los clubs nocturnos que en los platós, y los tabloides se hicieron amplio eco de su agitada vida social, que incluye episodios como su detención en 1987 en un local de Florida, por montar un escándalo estando como una cuba, o su tempestuoso romance con Shannen Doherty, a la que conoció en 1994 cuando rodaban el telefilm Blindfold: Acts of Obsession. La década

de los 90 comenzó con mejor pie para él, y logró sacudirse el estigma de ex-ídolo teenager venido a menos con su papel de policía en New Jack City. Pero el inesperado éxito de la película no se tradujo en mejores ofertas de trabajo, y su actividad posterior en la gran pantalla quedó confinada a una larga lista de thrillers de bajo presupuesto. Dónde está ahora: Nelson recuperó parte de su antigua popularidad gracias a la serie televisiva De repente, Susan (1996), en la que interpretaba al jefe y eventual ligue de Brooke Shields. Sin embargo, el suicidio de su amigo y co-protagonista, David Strickland, precipitaron su marcha en 1999 para volver a probar suerte en el mundo del cine. Desde entonces, ha hecho varias cintas independientes, telefilms y un divertido cameo en Jay y Bob el Silencioso contraatacan, cierre de la saga cinematográfica que el director Kevin Smith iniciase con Clerks. Filmografía básica: Making the Grade (1984), Dónde dices que vas (1985), El club de los cinco (1985), St. Elmo, punto de encuentro (1985), From the Hip (1987), New Jack City (1991), Cabezas huecas (1994), Jay y Bob el Silencioso contraatacan (2001).

Olivia NEWTON-JOHN Cambridge (Inglaterra); 26/9/1948 Aquellos maravillosos años: Cuando Grease se estrenó en 1978, Olivia Newton-John ya era una superestrella en el mundo de la música. Pero fue en la gran pantalla donde finalmente conquistó

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a una generación entera de fans en el papel de Sandy, la chica modosita que se transforma en zorrón para conquistar a John Travolta. Nacida en Inglaterra y transplantada a Australia a los 5 años, volvió a casa en 1965 tras ganar un concurso de talentos. En 1970 se unió a Toomorrow, un grupo de laboratorio que dejó para la posteridad un disco y una película antes de esfumarse tan rápido como habían aparecido. Dos años más tarde, el cantante Cliff Richard la invitó a formar parte de su programa televisivo. Olivia aprovechó su nueva popularidad para lanzar tres discos que le dieron sus primeros éxitos en los charts y la llevaron al Festival de Eurovisión en 1974, donde no pudo con ABBA y su irresistible “Waterloo”. En 1975 se lanzó a la conquista de América y sus siguientes álbumes le trajeron una catarata de Grammys y nº1 en las listas. Olivia conoció en una fiesta al productor Allan Carr, que le propuso acompañar a John Travolta en la versión cinematográfica del musical de

Olivia Newton-John

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Broadway “Grease”. Grease se convirtió en un fenómeno de proporciones colosales, con la película destrozando taquillas y su banda sonora arrasando en los charts de todo el mundo. En 1980 protagonizó la delirante Xanadú junto a un Gene Kelly con un pie en la tumba. El film fue masacrado por la crítica y se estrelló en taquilla, aunque el soundtrack, una vez más, fue superventas. Olivia volvió a reinventarse a sí misma con su multimillonario disco de 1981 “Physical”, que animó a toda una nación a calzarse los calentadores y ponerse a hacer aerobic. Después, volvió a unirse a Travolta en Tal para cual, un intento de recuperar la magia de Grease que supuso un gran fracaso comercial. Su carrera estaba perdiendo velocidad, y Olivia decidió centrar sus energías en cuidar de su nuevo marido, de su hija recién nacida y de su nueva cadena de tiendas de ropa, Koala Blue. El crepúsculo de los ídolos: Los comienzos de los 90 fueron una mala época profesional y personal para Olivia: en 1992, Koala Blue tuvo que declararse en bancarrota; y ese mismo año le fue diagnosticado un cáncer de mama que precisó de intervención quirúrgica y quimioterapia durante casi un año. Después se marchó a Australia para recuperarse, y tras su divorcio en 1995, su carrera se movió en varias direcciones: publicó el disco “Gaia”, en el que hablaba de sus experiencias con el cáncer; hizo varias apariciones en la televisión australiana; y tuvo un pequeño papel en en drama sobre el SIDA Fiesta de despedida. ¿Quién sabe dónde?: Olivia ha estado muy ocupada en los últimos años: en 1998 se reunió con Travolta para promocionar el reestreno de Grease con motivo de su 20º aniversario. En 2000 cantó para una audiencia de miles de millones de personas en todo el mundo en la ceremonia inagural de los JJ.OO. de Sydney. En 2002 resucitó la marca Koala Blue, lanzó un disco de duetos y giró por los Estados Unidos con una orquesta sinfónica. Y en 2003 se embarcó en un nuevo tour mundial. Casi retirada del cine, en 2000 apareció en la producción independiente Sordid Lives, exhibida en varios festivales. Filmografía básica: Grease (1978), Xanadú (1980), Tal para cual (1983), Fiesta de despedida (1996).

Chuck NORRIS [Carlos Ray Norris] Ryan, Oklahoma (USA); 10/3/1940 Aquellos maravillosos años: Después de salir del instituto, Norris se alistó en las Fuerzas Aéreas, y mientras servía en Corea comenzó a interesarse por el kárate, disciplina en la que fue invicto campeón del mundo desde 1968 hasta su retirada en 1974. De regreso a los Estados Unidos, se convirtió en instructor de kárate y abrió más de 30 escuelas de artes marciales por todo el país. Entre sus alumnos se contaban celebridades como Priscilla Presley y Steve McQueen, que le animó a probar suerte en el mundo del cine. Su estilo único de lucha pronto llamó la atención de los productores de Hollywood y, tras debutar en La mansión de los siete placeres (1968), fue invitado por el mismísimo Bruce Lee a participar en El furor del dragón. Su épico combate final en el Coliseo de Roma quedó para los anales del género y marcó el inicio de una larga carrera como actor (o así), en su mayor parte para los difuntos estudios Cannon, que le permitió construirse una amplia base de fieles fans. En los años 80, Norris alcanzó el cénit de su fama con la trilogía Desaparecido en combate (una burda y chapucera copia de las películas de Rambo protagonizadas por Stallone) y tuvo su primer (y único) momento de aceptación crítica con Código de silencio, un thriller originariamente concebido para Clint Eastwood como parte de su popular saga de Harry el Sucio. El crepúsculo de los ídolos: A finales de la década de los 80, su estrella comenzó a declinar ante la irrupción de action heroes más jóvenes como Schwarzenegger, Van Damme o Steven Seagal. Norris decidió encaminar sus pasos hacia la televisión, y en 1993 se convirtió en protagonista y productor de la exitosa serie Walker, Texas Ranger. Demostrando que los hombres duros también tienen su corazoncito, en 1990 creó la fundación benéfica Kick Drugs Out of America, para

Chuck Norris

ayudar a combatir el abuso de drogas y la violencia en las escuelas de los barrios marginales. ¿Quién sabe dónde?: En 2001, después de ocho temporadas en antena, Norris decidió poner punto y final a Walker, Texas Ranger para volver al cine, aunque la mayor parte de sus últimas películas han ido a parar directamente a las estanterías de los más casposos videoclubs de barrio. Los teleadictos noctámbulos han podido ver a la cada vez más apergaminada estrella en las teletiendas de madrugada, promocionando un artilugio infernal que garantiza unos abdominales tipo tableta de chocolate sin que el usuario tenga que levantarse del sofá. Filmografía básica: El furor del dragón (1972), Los valientes visten de negro (1979), Desaparecido en combate (1984), Desaparecido en combate 2 (1985), Código de silencio (1985), Invasión USA (1985), Delta Force (1986), Desaparecido en combate III (1988), El héroe y el terror (1988), Delta Force II (1990).

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Chris O´Donnell

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O Chris O´DONNELL [Christopher Eugene O´Donnell] Winnetka, Illinois (USA); 26/6/1970 Aquellos maravillosos años: Mostrando un tempranero interés por la actuación, Chris O’Donnell empezó a trabajar como modelo a los 13 años, y llegó a aparecer en un spot de McDonald’s junto a la superestrella del baloncesto Michael Jordan. En 1990, justo cuando estaba pensando en alejarse de las cámaras y matricularse en la universidad, le pidieron que hiciese una audición para la que sería su primera película, Los hombres no abandonan. Después consiguió el papel del hijo de Barbra Streisand en El príncipe de las mareas, pero en un ejercicio de nepotismo propio de ella, la diva le sustituyó en el último momento por su verdadero vástago. Esto no desanimó al joven O’Donnell, que tras intervenir brevemente en Tomates verdes fritos, dio el salto a la lista A de actores con Esencia de mujer, donde era el lazarillo de Al Pacino, ganador del Oscar por su interpretación de un irascible militar ciego. Consagrado como ídolo de quinceañeras gracias a su papel de D’Artagnan en la rejuvenecida versión de Los tres mosqueteros, conquistó las taquillas mundiales con su encarnación de Robin, el “Chico Maravilla” en Batman Forever, papel que repitió dos años después en Batman & Robin, donde George Clooney tomó el re-

levo de Michael Keaton y Val Kilmer como el Cruzado Enmascarado. El crepúsculo de los ídolos: Entre medias de los dos blockbusters del hombre-murciélago, O’Donnell tuvo tiempo de acompañar a Gene Hackman en el thriller Cámara sellada, y de estrellarse en taquilla con el pastelón En el amor y en la guerra. Después, decidió tomarse un largo descanso para disfrutar de su nueva vida como hombre casado. En abril de 1997 contrajo matrimonio con su novia de siempre, una maestra de escuela llamada Caroline Fentress, y en 1999 nacía su primera hija. Ese mismo año, O’Donnell volvió a la gran pantalla con la minoritaria Cookie’s Fortune, y se aventuró por primera vez en la producción con la comedia El soltero, que se saldó con un estrepitoso fracaso crítico y comercial. ¿Quién sabe dónde?: O’Donnell recuperó la senda del éxito con la cinta de acción Límite vertical, pero después ha dedicado más tiempo a cuidar de su creciente familia -incrementada con la llegada de dos nuevos hijos en 2000 y 2003- que a su carrera. En los últimos años sólo ha hecho la película independiente 29 Palms, que ni siquiera llegó a estrenarse en los cines, y una aparición especial en cuatro episodios de la octava temporada de la serie televisiva El abogado. También ha probado suerte sobre los escenarios de Broadway en la obra de Arthur Miller “The Man Who Had All the Luck”. Mordido por el gusanillo del teatro, ha actuado en algunos montajes benéficos, mientras espera el estreno de su últi-

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ma película, Kinsey, junto a Liam Neeson y Sir Ian McKellen. Filmografía básica: Tomates verdes fritos (1991), Esencia de mujer (1992), Los tres mosqueteros (1993), Las cosas que nunca mueren (1994), Círculo de amigos (1995), Batman Forever (1995), Cámara sellada (1996), En el amor y en la guerra (1996), Batman y Robin (1997), Cookie’s Fortune (1999), El soltero (1999), Límite vertical (2000).

Ryan O´NEAL Los Angeles, California (USA); 20/4/1941 Aquellos maravillosos años: Aunque los inicios de su carrera parecían presagiar que sería una gran estrella, Ryan O’Neal ha terminado siendo más famoso por su larga relación con Farrah Fawcett que por ninguna de las películas que hizo a partir de los 70. Fue boxeador amateur y doble de acción en la serie de televisión alemana The Vikings (1959) antes de saltar a la fama en el longevo serial Peyton Place, del que rodó más

Ryan O´Neal

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de 500 episodios entre 1964 y 1969. Tras la cancelación de la serie, O’Neal se pasó a la gran pantalla con La perversa, pero fue su interpretación (nominada al Oscar) del chico de familia bien Oliver Barrett en la plañidera Love Story la que le lanzó al estrellato. Aunque nada de lo que ha hecho después ha podido igualar aquel éxito, O’Neal se reveló en los 70 como eficaz galán de comedias ligeras como ¿Qué me pasa, doctor? (junto a Barbra Streisand) y Luna de papel (donde fue eclipsado por su propia hija Tatum, que ganó el Oscar con tan sólo 9 años), ambas dirigidas por Peter Bogdanovich. En cambio, Barry Lyndon, la meticulosa pieza histórica de Stanley Kubrick, y Nickelodeon, su tercera colaboración con Bogdanovich, no funcionaron en taquilla y marcaron el principio del ocaso de su carrera. El crepúsculo de los ídolos: En 1980, O’Neal inició una larga relación con la ex-ángel de Charlie Farrah Fawcett que se prolongaría hasta 1997. Aunque sus apariciones en la gran pantalla se fueron haciendo cada vez menos frecuentes, demostró que aún conservaba su toque para la comedia en Algo más que colegas, Diferencias irreconciliables o El cielo se equivocó. De vuelta a sus orígenes televisivos, protagonizó junto a Farrah el aclamado telefilm Small Sacrifices (1989) y la sitcom de corta vida Good Sports (1991). ¿Quién sabe dónde?: La actividad cinematográfica de O’Neal en los 90 fue inexistente hasta que en 1996 intentó un tímido retorno en Fielmente tuya, una comedia co-protagonizada por Cher que se estrelló en la taquilla. En mayo de 2001, poco después de finalizar el rodaje del thriller Relaciones confidenciales junto a Al Pacino, le fue diagnosticada una leucemia que le obligó a someterse a quimioterapia durante un año. Felizmente recuperado, apareció como invitado especial en la ceremonia de los Oscar de 2002 y recientemente ha firmado un contrato para protagonizar Miss Match, la nueva serie del creador de la exitosa Sexo en la ciudad, Darren Star. Filmografía básica: Love Story (1970), ¿Qué me pasa, doctor? (1972), Luna de papel (1973), El ladrón que vino a cenar (1973), Barry Lyndon (1975), Nickelodeon (1976), Un puente lejano (1977), Historia de Oliver (1978), Combate de fondo

(1979), Profesor a mi medida (1981), Algo más que colegas (1982), Diferencias irreconciliables (1984), Los hombres duros no bailan (1987), El cielo se equivocó (1989), Fielmente tuya (1996), Zero Effect (1998), Relaciones confidenciales (2002).

Julia ORMOND Surrey (Inglaterra); 4/1/1965 Aquellos maravillosos años: La inglesa Julia Ormond fue importada por Hollywood para transformarla en una gran estrella, pero a su meteórico ascenso le siguió una no menos veloz caída cuando sus proyectos estelares no funcionaron en taquilla. Ormond ya era una veterana del teatro y la televisión británica cuando debutó en el cine a principios de los 90 en coproducciones como The Baby of Ma con y Nostradamus. El director Edward Zwick quedó tan impresionado por su trabajo junto a Robert Duvall en el biopic televisivo Stalin, que le dio el papel protagonista femenino en su épica romántica Leyendas de pasión, que la convirtió en la nueva sensación del cine ame ri cano. Muchos empezaron a hablar de ella como de “la nueva Julia Roberts”, y parecía lanzada a lo más alto cuando se embarcó en dos proyectos consecutivos de gran presupuesto: la cinta de aventuras El primer caballero y el infortunado remake de Sabrina dirigido por Sydney Pollack, donde se enfrentó al reto imposible de recrear a la deliciosa Audrey Hepburn. El crepúsculo de los ídolos: Durante su efímero momento de gloria, Ormond firmó un contrato con Fox Searchlight para producir y dirigir películas con su propia compañía, Indican, pero el único fruto de este acuerdo fue el documental Calling the Ghosts. Cuando El primer caballero y Sabrina fueron rechazadas por público y crítica, su estrella comenzó a desvanecerse, y Ormond optó por retornar al cine europeo para pro tagonizar dos ambiciosas producciones: Smilla, misterio en la nieve (durante cuyo rodaje vivió un romance con su co-protagonista, Gabriel Byrne)

Julia Ormond

y El barbero de Siberia. De sa for tu nadamente, ambas películas fueron un fracaso, y la actriz inglesa desapareció de la circulación durante una larga temporada. ¿Quién sabe dónde?: En 2000, Ormond reapareció en Hollywood con el drama independiente Estafadores, junto a Ed Harris, que no vio casi nadie. Además, por primera vez en más de una década, volvió a los escenarios londinenses con la obra “My Zinc Bed”, de David Hare. Filmografía básica: The Baby of Macon (1993), Leyendas de pasión (1994), El primer caballero (1995), Sabrina (y sus amores) (1995), Smilla, misterio en la nieve (1997), El barbero de Siberia (1998), Estafadores (2000).

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Michael Paré

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P Michael PARÉ Nueva York (USA); 9/10/1959 Aquellos maravillosos años: En los albores de su carrera, Michael Paré parecía destinado a convertirse en uno de los grandes ídolos juveniles de los 80, pero una larga serie de desastrosas elecciones profesionales le mandaron de cabeza al cine de serie B. Paré trabajaba como chef en un restaurante neoyorquino cuando fue descubierto por un agente de modelos que le ofreció un contrato. Tras hacer spots publicitarios para marcas como Pierre Cardin, en 1981 apareció junto a un jovencito Ray Liotta en el episodio-piloto de la fallida serie Crazy Times, y ese mismo año fue uno de los alumnos de William Katt en la primera temporada de la popular El gran héroe americano. Debutó en la gran pantalla interpretando el papel central del difunto cantante de una banda de rock en la cinta de culto Eddie and the Cruisers. La película que debería haberle lanzado al estrellato era la fábula rockera Calles de fuego, que el director Walter Hill había concebido como la primera de una trilogía con Paré como protagonista, pero las magras recaudaciones en el box office le obligaron a desechar la idea. El crepúsculo de los ídolos: Tras el fracaso comercial del estimable film de ciencia-ficción El experimento Philadelphia, Paré pasó el resto de la década construyéndose una larga filmografía a base de películas de las que casi nadie ha oido hablar.

En 1987 protagonizó la efímera serie televisiva Houston Knights, y dos años después retomó el personaje que le había hecho famoso en Eddie and the Cruisers II: Eddie Lives!, que se estrelló en la taquilla. ¿Quién sabe dónde?: Durante la primera mitad de los 90, Paré siguió protagonizando películas de bajo presupuesto y films para la televisión por cable. Sin embargo, cuando su carrera parecía definitivamente muerta y enterrada, reemergió por sorpresa en 1995 con un pequeño papel en el remake de El pueblo de los malditos dirigido por John Carpenter, su primer film para un gran estudio desde los años 80. Después llegaron más roles como secundario en la taquillera Siempre queda el amor (junto a Sandra Bullock) y en la aclamada ópera prima de Sofia Coppola Las vírgenes suicidas. Pero este pequeño revival no ha tenido continuidad, y en los últimos tiempos Paré ha vuelto a sus viejos dominios de la serie B. Filmografía básica: Eddie and the Cruisers (1983), Calles de fuego (1984), El experimento Philadelphia (1984), Eddie and the Cruisers II: Eddie Lives! (1989), El pueblo de los malditos (1995), Siempre queda el amor (1998), Las vírgenes suicidas (1999).

Luke PERRY [Coy Luther Perry III] Mansfield, Ohio (USA); 11/10/1965 Aquellos maravillosos años: Es de suponer que los iluminados del departamento de marketing

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de Sensación de vivir que quisieron vendernos a Luke Perry como “el James Dean de los 90” deben llevar tiempo en el paro, dado el carrerón que ha llevado este muchachote. Después de aparecer en un spot de Levi’s, Perry tuvo que hacer nada menos que ¡217 audiciones! antes de debutar en la pequeña pantalla con el culebrón Loving en 1987. En 1990 se presentó a una prueba para el papel de Steve Sanders en Sensación de vivir, pero le tocó el gordo cuando en su lugar le dieron el de Dylan McKay, un mozalbete millonario con fama de bad boy por haberse agarrado un par de cogorzas los sábados por la noche. La respuesta de las adolescentes fue tan histérica que al comenzar la segunda temporada de la serie, Perry se había convertido en uno de los ídolos teenager de principios de la década. Intentó extender su éxito al cine, pero el batacazo crítico y comercial de la comedia de terror Buffy la cazavampiros le aconsejó dejar el asalto a la gran pantalla para más adelante. El crepúsculo de los ídolos: En 1995, Perry se convirtió en el primero de los protagonistas en desertar de Sensación de vivir para volver a probar suerte en el cine. Estuvo inesperadamente

convincente como marido calzonazos de Ashley Judd en el drama independiente Normal Life, y también apareció en el prólogo de la superproducción de ciencia-ficción El quinto elemento, pero pronto se vio relegado a hacer películas para la televisión por cable y a poner voz a series de animación como El increíble Hulk, Pepper Ann y Mortal Kombat. Al borde de la ruina, en 1998 no le quedó más remedio que retornar a Sensación de vivir, donde permaneció hasta su definitiva cancelación en 2000. ¿Quién sabe dónde?: Abonado al medio televisivo, Perry está rodando actualmente la serie Jeremiah, de la que también es productor ejecutivo, basada en un popular cómic book del mismo título. En 2001 debutó sobre los escenarios de Broadway como Brad Majors en el montaje de “The Rocky Horror Show”, y actualmente representa la adaptación de “Cuando Harry encontró a Sally” en el West End Londinense. Filmografía básica: Buffy la cazavampiros (1992), Normal Life (1996), El quinto elemento (1997).

Jason PRIESTLEY Vancouver (Canadá); 28/8/1969

Luke Perry

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Aquellos maravillosos años: Jason Priestley comenzó su carrera como modelo y actor infantil, y a los 8 años ya estaba actuando en películas para la televisión canadiense. Transplantado a Los Angeles, se coló en episodios de Jóvenes policías y MacGyver, pero no comenzó a llamar la atención hasta que consiguió el papel de huérfano en la sitcom Sister Kate (1989-1990). Una de las adolescentes que reparó en él fue Tori Spelling, hija del multimillonario productor Aaron Spelling, la cual sugirió a su padre que le hiciese una audición para su nueva serie, Sensación de vivir (1990). Jason fue elegido para interpretar a Brandon Walsh, el hermano gemelo de la insufrible Shannen Doherty. A pesar de que su personaje era el perfecto ejemplo de alumno empollón, pelota y conservador que todos hemos sufrido en nuestros años estudiantiles, Jason se convirtió en un ídolo teenager, fue nominado a dos Globos de Oro e incluso se animó a dirigir y producir varios capítulos de la serie.

dad también le ha ocasionado varios percances. En marzo de 2000 fue arrestado y condenado a cinco días entre rejas por empotrar su Porsche contra unos cubos de basura mientras conducía borracho por Hollywood Hills. Y el 11 de agosto de 2002 sufrió un brutal accidente al estrellarse a 290 km/h durante unos entrenamientos en el Circuito de Kentucky, lesionándose la columna vertebral y ambos pies. Dado de alta al cabo de unas semanas, Jason está actualmente considerando volver a subirse a un coche de carreras para seguir compitiendo. Filmografía básica: La chica del calendario (1993), Tombstone (1993), Amor y muerte en Long Island (1997), Ojos que te acechan (1999), El cuarto ángel (2001).

Victoria PRINCIPAL Jason Priestley

El crepúsculo de los ídolos: Durante las ocho temporadas que permaneció en Sensación de vivir, Jason hizo ocasionales incursiones en el cine, pero como les ha sucedido a tantas estrellas televisivas, ha sido incapaz de trasladar su fama catódica a la gran pantalla. Su primer papel protagonista fue en la comedia retro La chica del calendario, que no vio casi nadie. Después trató de reciclarse como secundario en Tombstone, pero quedó totalmente eclipsado por los veteranos Kurt Russell y Val Kilmer. Su mejor trabajo cinematográfico fue Amor y muerte en Long Island, donde interpretaba a una estrella del cine juvenil del que se enamora el ajado John Hurt. Quizás animado por este moderado éxito, Jason abandonó Sensación de vivir en 1998 para concentrarse en otros proyectos. ¿Quién sabe dónde?: En los últimos años, Jason ha alternado sus trabajos delante y detrás de las cámaras, apareciendo en películas como Ojos que te acechan y El cuarto ángel, y dirigiendo el documental Barenaked in America (sobre la banda canadiense de rock Barenaked Ladies) y el telefilm Kiss Tomorrow Goodbye. Experimentado piloto, ha competido durante diez años en la Indy Racing League, pero su amor por la veloci-

[Victoria Ree Principale] Fukuoka (Japón); 3/1/1946 Aquellos maravillosos años: Hija de un oficial de las Fuerzas Aéreas que llevaba a su familia de un lado para otro, Victoria Principal nació en Japón y pasó su adolescencia en Florida, donde fue elegida Miss Miami en 1969. Aunque hizo algunos trabajos como modelo y apareció en varios anuncios en sus años de instituto, Victoria quería ser quiropráctica, hasta que un grave accidente de tráfico cuando tenía 18 años la apartó de sus estudios y la reorientó hacia la interpretación. Tras estudiar drama en la Royal Academy of Dramatic Arts de Londres, llegó a Hollywood en 1971 y debutó interpretando a la amante mexicana de Paul Newman en El juez de la horca, que le valió una nominación al Globo de Oro y un puñado de papeles irrelevantes durante la primera mitad de los 70. Victoria intentó darle un empujón a su titubeante carrera posando desnuda para “Playboy” , hasta que decepcionada con la industria del cine, decidió convertirse en agente artística. En 1978, Victoria planeaba matricularse en la escuela de Derecho, con vistas a llegar a ser una ejecutiva de televisión. Sin embargo, el productor Aaron Spelling se cruzó en su camino y le ofreció el papel de Pamela Barnes, la virtuosa y sufridora esposa del no menos angelical Bobby Ewing, en

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el culebrón Dallas (la candidata original para el personaje era Linda Evans, pero lo rechazó porque no quería rebajarse a hacer televisión; irónicamente, poco después aparecería en Dinastía). La serie se convirtió en un fenómeno social, y a pesar de que el verdadero protagonista era el simpar J.R., Victoria se vio catapultada al estrellato internacional (en España, los cientos de desgraciadas niñas que fueron bautizadas con el exótico nombre de Pamela son la prueba viviente). El crepúsculo de los ídolos: Animada por su nueva popularidad, Victoria incluso se atrevió a intentar una efímera aventura como cantante con su novio de entonces, Andy Gibb, que es mejor no recordar por respeto a los difuntos. Más suerte tuvo en su faceta de escritora de tres best sellers de autoayuda, titulados en un alarde de originalidad “The Body Principal” (1983), “The Beauty Principal” (1984) y “The Diet Principal” (1987). Después de nueve temporadas en Dallas, Victoria abandonó la serie en 1987 y poco después re-

Victoria Principal

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emergió como una de las reinas de los telefilms, muchos de los cuales producía ella misma con su nueva compañía, Victoria Principal Productions. ¿Quién sabe dónde?: Victoria sigue trabajando regularmente como actriz y productora, aunque últimamente dedica más tiempo a su matrimonio y a dirigir sus líneas de moda y de productos cosméticos, Principal Secret y Color Principal (otro dechado de imaginación). Tras pasar algunos años apartada de la pequeña pantalla, retornó en 2000 como una de las protagonistas de la serie Titanes. Filmografía básica: El juez de la horca (1972), Terremoto (1974), I Will, I Will... for Now (1976), Vigilante Force (1976).

Richard PRYOR Peoria, Illinois (USA); 1/12/1940 Aquellos maravillosos años: Es innegable que sin la labor pionera de Richard Pryor, el humor irreverente y corrosivo de Eddie Murphy o Chris Rock nunca hubiese tenido tanto éxito entre audiencias de todas las razas. Este hijo de puta (literalmente: su madre trabajaba como prostituta en un burdel regentado por su abuela) se fue a Nueva York en 1963, estableciéndose como exitoso cómico en clubs y programas de televisión. El joven Pryor idolatraba a Bill Cosby y sus primeros espectáculos seguían su estilo amable y poco provocador, hasta que en 1970, harto de las constantes comparaciones con Cosby y de la dirección que estaba tomando su carrera, abandonó los escenarios y se marchó a California, donde se metió a fondo en el ambiente contracultural de Berkeley. Cuando reapareció dos años después, su estilo de humor había cambiado por completo, volviéndose mucho más crudo, profano y crítico con la problemática racial en América. A resultas de esta metamorfosis, su popularidad se disparó y con el tiempo llegaría a ganar cinco premios Grammy por sus álbumes de comedia. Pero Hollywood aún no estaba preparado para el "nuevo" Pryor. En 1974 iba a escribir y protagonizar el clásico de Mel Brooks Sillas de montar calientes, pero en el último momento fue sustituido por el menos

problemático Cleavon Little. Después de varios papeles secundarios, el éxito de El expreso de Chicago en 1976 le sirvió para empezar a protagonizar sus propios vehículos estelares, y también marcó la primera de sus cuatro colaboraciones con Gene Wilder. El crepúsculo de los ídolos: A principios de los 80, Pryor estaba en la cima del showbiz, pero sus años de abusos con el alcohol y las drogas empezaron a pasarle factura: el 9 de junio de 1980 sufrió quemaduras de tercer grado en la mitad de su cuerpo al pegarse fuego accidentalmente en pleno “pasote” de cocaína. Después de este incidente, algo pareció cambiar en él: su humor se hizo más introspectivo y sus películas, a pesar de seguir funcionando bien en taquilla, ya no le mostraban como el cómico dinámico y controvertido de antaño. En 1983 se inscribió en un programa de rehabilitación para librarse de sus adicciones, pero tres años después los médicos le diagnosticaron una esclerosis múltiple. En sus últimas películas, Noches de Harlem y No me mientas, que te creo, ya era dolorosamente evidente que Pryor estaba muy enfermo, y a duras penas pudo terminar los rodajes. ¿Quién sabe dónde?: Desde principios de los 90, Pryor lleva una vida reclusiva en su casa de Bel Air, confinado en una silla de ruedas y recibiendo continuos homenajes de sus amigos y compañeros de profesión. En 1995 publicó su autobiografía, “Pryor Convictions and Other Life Sentences”. A pesar de su precario estado de salud, sacó fuerzas de flaqueza para hacer pequeñas apariciones en Encantado de matarte y Carretera perdida a finales de la década. Filmografía básica: El ocaso de una estrella (1972), Car Wash (1976), El expreso de Chicago

Richard Pryor

(1976), California Suite (1978), El mago (1978), Locos de remate (1980), Un cierto tipo de héroe (1982), Su juguete favorito (1982), Superman III (1983), El gran despilfarro (1985), Estado crítico (1987), No me chilles que no te veo (1989), Noches de Harlem (1989), No me mientas que te creo (1991), Encantado de matarte (1996), Carretera perdida (1997).

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Aidan Quinn

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Q Aidan QUINN Chicago, Illinois (USA); 08/3/1959 Aquellos maravillosos años: Especializado en interpretar personajes sensibles y honestos, Aidan Quinn nunca ha tenido un papel protagonista de verdadera enjundia que le permita dar el salto al status de galán romántico a que parecía abocado en los primeros años de su carrera. Hijo de emigrantes irlandeses, pasó su infancia y juventud a caballo entre los USA y la tierra natal de sus padres. A finales de los 70, durante una de sus largas estancias en Dublín, comenzó a sentirse atraído por la interpretación e intentó hacerse un hueco en la escena teatral local, pero sus fracasadas tentativas le llevaron de vuelta a América, encontrando trabajo estable en producciones del off-Broadway. En 1984 debutó en el cine con Rebeldes temerarios, pero fue al año siguiente, con su aparición junto a Madonna en Buscando a Susan desesperadamente, cuando empezó a llamar la atención del público. Poco después, la Paramount le escogió para interpretar a Jesús en La última tentación de Cristo, pero una gran tormenta de controversia les forzó a cancelar la producción. Cuando la Universal se hizo cargo del proyecto, prefirieron a Willem Dafoe como protagonista. Perdida esta oportunidad para saltar al estrellato, Quinn siguió labrándose en los siguientes años una reputación de eficaz secundario en títulos como Jugan-

do en los campos del señor, Frankenstein o Benny y Joon. En Michael Collins, se alejó de su patentada imagen de buen tipo para dar vida a un ambicioso terrorista. El crepúsculo de los ídolos: Tras su lucida intervención en Leyendas de pasión, donde casi le robaba la función y la chica a Brad Pitt, parecía que Quinn estaba al fin a punto de dar el paso a la primera división. Sin embargo, sus siguientes papeles en Prácticamente magia, Dentro de mis sueños y Música del corazón, se reducían a poco más que dar la réplica a protagonistas femeninas de la talla de Annette Bening, Nicole Kidman y Meryl Streep. Además, ninguna de estas películas obtuvo una buena acogida por parte de público y crítica, dejando a Quinn definitivamente encasillado como secundario de lujo. ¿Quién sabe dónde?: Quinn nunca se ha podido quejar de falta de trabajo, aunque en los últimos años se ha prodigado más en la pequeña pantalla que en la grande. Además de varias películas para televisión, últimamente ha aparecido junto a Pierce Brosnan en la pequeña producción irlandesa Evelyn, y en Stroke of Genius, biopic de la leyenda del golf Bobby Jones. Filmografía básica: Buscando a Susan desesperadamente (1985), La misión (1986), Jugando en los campos del señor (1991), Benny y Joon (1993), Frankenstein de Mary Shelley (1994), Leyendas de pasión (1994), Michael Collins (1996), Prácticamente magia (1998), Dentro de mis sueños (1999), Música del corazón (1999), Evelyn (2002).

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Burt Reynolds

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R Burt REYNOLDS [Burton Leon Reynolds Jr.] Waycross, Georgia (USA); 11/2/1936 Aquellos maravillosos años: Entre 1978 y 1982, Burt Reynolds fue el actor más taquillero de Hollywood, pero la mala suerte y las malas elecciones profesionales estuvieron a punto de hundir su carrera en los años siguientes. En 1961 apareció en Angel Baby, el primero de varios créditos cinematográficos en los 60, aunque consiguió más popularidad en la pequeña pantalla con series como Gunsmoke, Hawk y Dan August. En 1972, Burt decidió dar un empujón a su carrera y posó desnudo para el póster central del número de abril de la revista “Cosmopolitan”, pero fue su participación en la salvaje Deliverance lo que le convirtió en estrella. También se rumoreó que Coppola le había elegido para encarnar a Michael Corleone en El Padrino, pero Marlon Brando se negó a trabajar con él, al considerarlo un actor de televisión. Su trabajo con el director Hal Needham en Los caraduras y Los locos de Cannonball (y sus respectivas secuelas) le unieron indeleblemente a un género que le hizo el rey del box office: comedias de acción llenas de coches rápidos, persecuciones, mujeres-cañón y encefalograma plano. Pero también protagonizó films más "serios" que demostraron su valía como actor: El hombre que amó a Cat Dancing, Nickelodeon, Comen-

zar de nuevo... En 1976, George Lucas le ofreció el papel de Han Solo en La guerra de las galaxias, pero poco antes de empezar el rodaje se echó atrás y le reemplazó por Harrison Ford. El crepúsculo de los ídolos: Reynolds decía tener un “plan maestro” para combinar comedias de evasión y películas más sofisticadas, pero cuando la calidad de unas y otras comenzó a decaer al llegar los 80, su carrera se desinfló. Famoso por su mal ojo a la hora de elegir proyectos, rechazó el papel por el que Jack Nicholson ganaría el Oscar en La fuerza del cariño. Además, sufrió graves problemas de salud que provocaron rumores de que tenía el SIDA y que le mantuvieron fuera de juego durante una buena temporada. Cuando se recuperó, descubrió que su manager le había estafado y tuvo que declararse en bancarrota. Para sanear sus cuentas, Burt se vio obligado a aceptar cualquier proyecto que le ofrecieran, lo que no hizo mucho por su dañado prestigio. Por suerte para él, la televisión vino al rescate, y las series B.L. Striker y Evening Shade reavivaron su marchita carrera. Igualmente notorio por su agitada vida sentimental, su divorcio de la actriz Loni Anderson en 1993 fue uno de los más escandalosos de toda la historia de Hollywood. ¿Quién sabe dónde?: En 1997, Paul Thomas Anderson le convenció para que aceptase el papel de un director de cine porno en Boogie Nights. Reynolds odiaba la película y estaba tan convencido de que sería un desastre, que no se cortó en despotricar contra ella en las entrevistas.

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Haciendo gala una vez más de su ojo clínico, despidió a su agente después de asistir a una proyección privada del film, pensando que su carrera estaba arruinada. Burt acabaría ganando el Oscar por Boogie Nights, y se vio propulsado de nuevo al primer plano. Desde entonces, sigue combinando sus trabajos como protagonista o característico en la gran y la pequeña pantalla. Últimamente le hemos visto como mafioso en The Crew y acompañando a Sylvester Stallone en el thriller automovilístico Driven. Filmografía básica: El turbulento distrito 87 (1972), Deliverance (1972), Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo, pero no se atrevía a preguntar (1972), El hombre que amó a Cat Dancing (1973), El rompehuesos (1974), Los aventureros del Lucky Lady (1975), Nickelodeon (1976), Los caraduras (1977), Hooper, el increíble (1978), Comenzar de nuevo (1979), Vuelven los caraduras (1980), Los locos de Cannonball (1981), La brigada de Sharky (1981, también director), La casa más divertida de Texas (1982), Mis problemas con las mujeres (1983), Los locos de Cannonball 2 (1984), Interferencias (1988), Striptease (1996), Bean (1997), Boogie Nights (1997), The Crew (2000), Driven (2001).

Molly RINGWALD Roseville, California (USA); 18/2/1968 Aquellos maravillosos años: Esta pelirroja pecosa fue la indiscutible reina del Brat Pack, la que acaparó portadas de revistas y captó la atención del gran público. Pero cuando los 80 tocaron a su fin, también pareció hacerlo su carrera. Molly echó sus dientes actorales a los 8 años en el programa The New Mickey Mouse Club, y en 1979 consiguió un papel en la sitcom The Facts of Life, pero su personaje fue eliminado al finalizar la primera temporada. Poco después de su primera incursión en la gran pantalla con La tempestad, llegaron las tres películas con John Hughes que la convirtieron en el definitivo icono de la comedia romántica juvenil de la década: Dieciséis velas, El club de los cinco y La chica de rosa. En la cumbre de su popularidad, Molly fue portada de la revista “Time” e incluso generó un mo-

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vimiento de fans adolescentes, las Ringlets, que imitaban su imagen y cada uno de sus actos. Cansada de interpretar a jovencitas angustiadas, puso un abrupto punto y final a su exitosa relación con Hughes al negarse a protagonizar Una maravilla con clase, y buscó roles más adultos. Pero sus antaño fieles seguidores no estaban dispuestos a ver cómo su amada Reina Virgen crecía en la pantalla, y sus siguientes películas fueron un rotundo fracaso. Por si esto fuese poco, un mal ojo digno de John Travolta (rechazó el papel que haría Laura Dern en Terciopelo azul, y el de Julia Roberts en Pretty Woman) terminó de dinamitar su carrera. El crepúsculo de los ídolos: Hastiada de Hollywood, Molly hizo las maletas y se marchó a París en 1991. Allí estudió francés, se enamoró del escritor Valery Lameignere (con el que se acabó casando y divorciando), e incluso apareció en un par de películas galas, Todos los domingos del mundo y Enfants de Salaud. Después volvió a los USA, aunque su retorno no fue precisamente triunfal: tras intervenir en la miniserie televisiva Apocalipsis (1994), basada en la novela de Stephen King, protagonizó la sitcom The Townies (1996), cancelada en mitad de su primera temporada por sus pobres índices de audiencia. ¿Quién sabe dónde?: Además de en telefilms y pequeñas producciones independientes, hemos podido ver a Molly haciendo pequeños papeles casi autoparódicos en Secuestrando a la señorita Tingle, Cut o No es otra estúpida película americana , cintas juveniles cualitativamente muy alejadas de los clásicos de John Hughes que la hicieron famosa. Recientemente formó parte del multitudinario reparto coral de Las maletas de Tulse Luper, la última excéntricidad de Peter Greenaway. Mejor suerte ha corrido sobre los escenarios de Broadway, donde ha protagonizado con gran éxito de público y crítica los montajes de “Cabaret” y “Un abril encantado”. Filmografía básica: La tempestad (1982), Dieciséis velas (1984), El club de los cinco (1985), La chica de rosa (1986), El cazachicas (1987), La que hemos armado (1988), Betsy` s Wedding (1990), Desde que os fuísteis (1998), Secuestrando a la señorita Tingle (1999), Cut (2000), No es otra estúpida película americana (2001), Las maletas de Tulse Luper: la historia de Moab (2003).

Molly Ringwald

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Mimi Rogers

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Mimi ROGERS [Miriam Spickler] Coral Gables, Florida (USA); 27/1/1956 Aquellos maravillosos años: Resulta un tanto injusto que esta versátil y atractiva actriz sea más conocida “gracias” a su breve matrimonio con Tom Cruise que por cualquiera de sus películas. Estudiante modélica y miembro de la Iglesia de la Cienciología desde su infancia, Mimi estuvo casada con el consejero cienciólogo Jim Rogers (de quien tomó el apellido) entre 1977 y 1980. Fue en esta misma época cuando Mimi se embarcó en su carrera como actriz, apareciendo en varios telefilmes y en series como Canción triste de Hill Street y Muñecas de papel. Debutó en el cine con Blue Skies Again (1983), pero ni ésta ni sus siguientes películas hicieron gran cosa por su carrera. Su perfil comenzó a elevarse cuando interpretó a una mujer de la alta sociedad que se enamora del policía que debe protegerla (Tom Berenger) en La sombra del testigo (1987). A pesar de su brillante aparición como la amante de Christopher Reeve en El reportero de la calle 42, la ascensión al estrellato de Mimi fue lenta, aunque ganó bastante notoriedad gracias a su boda con Tom Cruise en 1987. El crepúsculo de los ídolos: Aunque el matrimonio con la superestrella Cruise le hizo ganar popularidad, Mimi admite que probablemente esa relación dañó su carrera más de lo que la benefició. En los años siguientes, la actriz hizo muy pocas películas para concentrarse en su matrimonio. Sin embargo, la convivencia de la pareja era muy complicada, y acabaron divorciándose en 1990. Ese mismo año, Mimi inició una relación con el director Chris Ciaffa, a quien sigue unida a día de hoy y con el que ha tenido dos hijos. ¿Quién sabe dónde?: Después de pasar la primera mitad de los 90 haciendo telefilms y películas de bajo presupuesto, Mimi volvió al primer plano en 1996, como la hermana guapa -perdón por la redundancia- de Barbra Streisand en el dramón El espejo tiene dos caras. Después llegaron éxitos de taquilla como Austin Powers y Perdidos en el espacio, y el papel recurrente de la agente Diana Fowley en la serie Expediente X (1998-99). Sin embargo, Mimi no ha sabido apro-

vechar este nuevo acceso de popularidad, y ha vuelto al mundo de las películas para televisión y el cine independiente. Últimamente la hemos visto en un pequeño papel en la abismal secuela de Dos tontos muy tontos. Filmografía básica: Pisa a fondo (1986), El reportero de la calle 42 (1987), La sombra del testigo (1987), 37 horas desesperadas (1990), The Doors (1991), El espejo tiene dos caras (1996), Austin Powers (1997), Perdidos en el espacio (1998), Ginger Snaps (2000), Dos tontos muy tontos: cuando Harry encontró a Lloyd (2003).

ROSEANNE [Roseanne Cherrie Barr] Salt Lake City, Utah (USA); 3/11/1952 Aquellos maravillosos años: Su turbulenta vida personal y sus explosivas declaraciones han hecho de Roseanne una de las más controvertidas estrellas televisivas de los últimos años, llegando a menudo a eclipsar su trabajo. A los 17 años se casó y abandonó su Utah natal para establecerse en Denver, donde tuvo una niña a la que dió en adopción. Mientras trabajaba como camarera, empezó a subirse a los escenarios de los clu-

Roseanne y John Goodman

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bes locales, dando rienda suelta a sus caústicas opiniones sobre los hombres, las mujeres y la vida en general. En poco tiempo se había convertido en una de las humoristas más famosas de Denver, y en 1983 decidió marcharse a Hollywood para lanzar su carrera. Apareció en varios especiales televisivos y su intervención en el mítico Tonight Show de Johnny Carson en 1985 fue el punto de inflexión que hizo que comenzaran a lloverle las ofertas. En 1988 lanzó su propia serie, Roseanne, una innovadora sitcom que narraba la vida cotidiana de una disfuncional familia de clase obrera. Como productora, Roseanne tenía un gran control artístico sobre cada episodio del show, muchos de cuyos argumentos estaban basados en su propia vida. Por ejemplo, cuando se casó con Tom Arnold en 1990, el cómico pasó a engrosar el reparto de la serie, y ella comenzó a aparecer en los créditos como Roseanne Arnold; cuando se divorciaron en 1994, Arnold se esfumó y Roseanne se acreditó sólo con su nombre de pila. El crepúsculo de los ídolos: Aprovechando su nueva fama televisiva, Roseanne comenzó a hacer ocasionales incursiones en el cine. La primera fue junto a Meryl Streep en la comedia Vida y amores de una diablesa, que recibió críticas muy negativas. Sus subsiguientes apariciones fílmicas se han limitado a cameos o pequeños papeles secundarios. Sin ninguna timidez a la hora de hacer pública su vida privada, ha escrito dos libros autobiográficos, “My Life As a Woman” (1989) y “My Lifes” (1994) y en 1991 concedió una explosiva entrevista a la revista “People” en la que afirmaba haber sufrido incesto durante su infancia, acusando a sus padres de abusos físicos y sexuales. Tras su divorcio de Tom Arnold, los ratings de audiencia de Roseanne empezaron a caer en picado, y la serie fue cancelada en 1997. ¿Quién sabe dónde?: En 1998, Roseanne se estrenó como conductora y productora del programa de entrevistas The Roseanne Show. En 1999 renovó, ante millones de telespectadores, sus votos matrimoniales con su tercer marido, su antiguo guardaespaldas Ben Thomas, con el que se había casado en 1995. Sin embargo, tan romántico gesto no le sirvió de mucho, pues acabaron divorciándose tres años más tarde. En 2003 inició como protagonista y productora el reality show

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The Real Roseanne Show. En cuanto a la pantalla grande, se ha interpretado a sí misma en películas como Cecil B. Demented y 15 minutos. Filmografía básica: Vida y amores de una diablesa (1989), Pesadilla final: la muerte de Freddy (1991), Ellas también se deprimen (1993), Blue in the Face (1995), Cecil B. Demented (2000), 15 minutos (2001).

Katharine ROSS Hollywood, California (USA); 29/1/1940 Aquellos maravillosos años: Prometedora actriz de finales de los 60, Katharine Ross fue la chica del protagonista en dos de los títulos más emblemáticos de la década, pero en los 70 su estrella empezó a declinar. En los inicios de su carrera se mantuvo muy ocupada en la televisión, apareciendo en episodios de series del Oeste como El Virginiano, Gunsmoke y Wild, Wild West. También hizo un par de mediocres films a mediados de los 60, antes de saltar a la fama como Elaine Robinson, la novia de Dustin Hoffman en El graduado, papel por el que fue nominada al Oscar y ganó un Globo de Oro en 1967. Dos años más tar-

Katharine Ross

de, millones de espectadoras de todo el mundo la envidiaron por tener dos pretendientes como Paul Newman y Robert Redford en el clásico Dos hombres y un destino. Sin embargo, fue Conrad L. Hall, el director de fotografía de la película, el que la conquistó y se casó con ella, aunque se divorciaron en 1975. El crepúsculo de los ídolos: La trayectoria de Ross en los años 70 fue muy irregular, con largas ausencias entre proyecto y proyecto y pocos títulos destacables, como Las esposas de Stepford y El viaje de los malditos, que le valió otro Globo de Oro. Su carrera dio un giro después de casarse en 1984 con el actor Sam Elliot, al que había conocido cinco años antes durante el rodaje de El legado. Ross se apartó del cine para cuidar de su hija recién nacida, y durante el resto de los 80 apenas apareció en un puñado de telefims junto a su marido y en dos temporadas del culebrón Los Colby (1985-1987). ¿Quién sabe dónde?: Tras escribir y protagonizar junto a Elliot el telefilm Conagher en 1991, Ross desapareció de la vista pública durante diez largos años, hasta que retornó a la gran pantalla con un papel secundario en la aclamada cinta independiente Donnie Darko. También se ha revelado como autora de libros infantiles y ha publicado dos de ellos, “Little Ballerina” y “My Favorite Things”. Filmografía básica: El graduado (1967), Dos hombres y un destino (1969), El valle del fugitivo (1969), Las esposas de Stepford (1975), El viaje de los malditos (1976), El emjambre (1978), El final de la cuenta atrás (1980), Donnie Darko (2001).

Richard ROUNDTREE New Rochelle, Nueva York (USA); 9/7/1942 Aquellos maravillosos años: Richard Roundtree se ganó la inmortalidad cinematográfica como el legendario Shaft, “el detective negrata que es una máquina sexual para todas las pibitas”, como cantaba el gran Isaac Hayes en la banda sonora de Las noches rojas de Harlem. Después de girar por todo el país con la Ebony Fashion Fair, Roundtree volvió a su Nueva York natal y en 1967 se unió al grupo teatral Negro Ensemble Company. Una sucesión de trabajos en el off-Bro-

adway culminó con su papel protagonista en la obra “La gran esperanza blanca”. Sin embargo, aún era un desconocido cuando el director Gordon Parks Sr. le escogió como el ultraduro y supercool detective privado John Shaft. Las noches rojas de Harlem catapultó a Roundtree a la fama inmediata, lanzó el subgénero de la blaxploitation (films hechos por y para la comunidad afroamericana) y tuvo tal éxito comercial que salvó a la MGM de la bancarrota. Gracias a la popularidad de la película, que generó dos secuelas y una efímera serie de TV, Roundtree se convirtió en un icono de los 70, y su imagen adornó incontables portadas de revista. Fuera de la franquicia de Shaft, apareció en films como Terremoto y en la popular saga televisiva Raices. El crepúsculo de los ídolos: Cuando la década de los 70 tocaba a su fin, sin embargo, la blaxploitation ya se consideraba un movimiento pasado de moda, y el estrellato de Roundtree se difuminó. Aparte de la superproducción Inchon (por otra parte, uno de los mayores fiascos comerciales de la historia), pasó los 80 apareciendo casi exclusivamente en telefilms, series de TV, y películas de bajo presupuesto editadas directamente en vídeo. Aún así, siguió trabajando regularmente hasta que en 1993 le fue diagnosticado un cáncer de pecho, que logró vencer con ayuda de la quimioterapia. ¿Quién sabe dónde?: Felizmente recuperado de su dolencia, Roundtree captó de nuevo la atención del público generalista gracias a su intervención en el megahit de 1995 Seven. Desde entonces, hemos podido verle en películas como George de la jungla o Conspiración en la red, aunque el punto culminante de su carrera en estos últimos años fue su aparición en la adaptación cinematográfica de Shaft que protagonizó Samuel L. Jackson, donde, treinta años después, volvía a dar vida al mítico John Shaft, aquí el tío del héroe protagonista. Filmografía básica: Las noches rojas de Harlem (1971), Shaft vuelve a Harlem (1972), Shaft en África (1973), Terremoto (1974), Yo viernes (1975), Inchon (1981), Ciudad muiy caliente (1984), Seven (1995), George de la jungla (1997), Shaft (2000), Conspiración en la red (2001), Boat Trip (2002).

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Richard Roundtree

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Mickey ROURKE [Philip Andre Rourke Jr.] Schenectady, New York (USA); 16/9/1950 Aquellos maravillosos años: Fue uno de los actores más sexys y rebeldes del Hollywood de los 80, hasta que las malas elecciones, las malas compañías y la mala cirugía destrozaron su carrera. Tras iniciarse como boxeador, Mickey Rourke debutó en el cine con pequeños papeles en 1941 y La puerta del cielo, pero fueron sus aclamadas apariciones como el pirómano de Fuego en el cuerpo, el peluquero ligón de Diner y el icónico "chico de la moto" de La ley de la calle, las que le convirtieron en uno de los actores jóvenes de moda y le guiaron a sus primeros papeles protagonistas. Rourke emergió como carismático anti-héroe en películas como Manhattan Sur y El corazón del ángel, y se convirtió en estrella encarnando al yuppie que mantiene una relación sadomasoquista con Kim Basinger en 9 semanas y 1/2. El crepúsculo de los ídolos: Su abierta hostilidad contra el lado mercantil de Hollywood le hizo ganarse muchos enemigos, y sus polémicas declaraciones en favor del IRA irlandés o alardeando de su amistad con importantes miembros de la Mafia no ayudaron a mejorar las cosas. Según avanzaban los 80, el comportamiento de Rourke se fue volviendo más errático, dejando pasar buenos papeles para protagonizar artefactos como Orquidea salvaje, un infumable softcore durante cuyo rodaje conoció a la modelo Carré Otis, con la que vivió un tormentoso matrimonio entre 1992 y 1994. Con su carrera cinematográfica contra las cuerdas (nunca mejor dicho), Rourke anunció en 1991 que abandonaba Hollywood y se fue a Miami a convertirse en boxeador profesional. Allí se relacionó con la Mafia cubana y se convirtió en presencia fija de los tabloides. Cuando colgó los guantes en 1995, estaba arruinado y su mansión de Beverly Hills había sido embargada, así que volvió a Los Angeles y trató de relanzar su carrera, pero se encontró con que nadie quería contratarle. Para colmo, sus años como boxeador y unas chapuceras operaciones de cirugía habían desfigurado su antaño atractivo rostro, dejándole

casi incapacitado para transmitir cualquier tipo de expresión. ¿Quién sabe dónde?: En los últimos años, Rourke ha intentado que Hollywood vuelva a acordarse de él actuando casi gratis en películas independientes ( Buffalo 66 , Animal Factory) y producciones de grandes estudios (Legitima defensa o La delgada línea roja, aunque en esta última su participación se quedó en la sala de montaje). Sin embargo, en algunas ocasiones el antiguo rebelde sigue saliendo a la superficie, como cuando en 1999 abandonó el rodaje de Luck of the Draw porque los productores se negaron a incluir a su chihuahua en la película. Últimamente apareció en un vídeoclip de Enrique Iglesias y en El Mexicano, la tercera entrega de El Mariachi. Filmografía básica: La puerta del cielo (1980), Fuego en el cuerpo (1981), Diner (1982), La ley de la calle (1983), Manhattan Sur (1985), 9 semanas y 1/2 (1986), El corazón del ángel (1987), Barfly, el borracho (1987), Homeboy (1988), Johnny el guapo (1989), Double Team (1997), Legítima defensa (1997), Buffalo 66 (1997), Animal Factory (2000), Get Carter (2000), El juramento (2001), El Mexicano (2003).

Mickey Rourke

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Roy Scheider

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S Roy SCHEIDER Orange, New Jersey (USA); 10/11/1932 Aquellos maravillosos años: Roy Scheider ya tenía tras de sí un amplio background en el teatro de repertorio cuando debutó en el cine con la abisal cinta de terror The Curse of the Living Corpse (1964). Le siguieron varios trabajos en películas, telefilms y teleseries poco memorables, hasta que en 1971 dio por fin en la diana con dos jugosos papeles secundarios en Klute y Contra el imperio de la droga. Ésta última fue uno de los grandes éxitos del año y le valió una nominación al Oscar por su vibrante interpretación de Buddy Russo, el policía compañero de Gene Hackman. Pero el pasaporte definitivo al estrellato le llegaría de la mano de otro hombre de la ley: Martin Brody, el Jefe de Policía que tiene que vencer su miedo al agua para acabar con el gigantesco escualo que está merendándose a los bañistas de la pequeña localidad costera de Amity. Tiburón fue en su momento el film más taquillero de la historia, y comenzó a forjar la leyenda de su joven director, Steven Spielberg. Después de Tiburón, Scheider iba a protagonizar El cazador, la última de las tres películas que contemplaba su contrato con la Universal, pero descontento con el final, abandonó el proyecto y su lugar fue ocupado por Robert De Niro. Furiosos, los ejecutivos del estudio le obligaron a ha-

cer Tiburón 2 para cumplir con sus obligaciones contractuales. Scheider finalizó la década de los 70 con una nueva candidatura al Oscar por su papel de alter ego del fallecido coreógrafo y director Bob Fosse en Empieza el espectáculo. El crepúsculo de los ídolos: Los 70 fueron el punto culminante de la carrera de Scheider, que se desinfló aparatosamente al llegar los 80. El fracaso comercial de ambiciosos proyectos como El trueno azul o 2010, odisea dos (innecesaria secuela del clásico espacial de Stanley Kubrick) llevaron a una casi mortal combinación de prolongadas ausencias de la pantalla y una larga lista de olvidables películas de bajo presupuesto. Fue el narrador del film de Paul Schrader Mishima, y después cumplió el mismo cometido en varios documentales para la televisión. ¿Quién sabe dónde?: En los 90, Scheider se convirtió en estrella televisiva cuando su viejo amigo Spielberg le confió el rol protagonista en SeaQuest, la serie de ciencia-ficción de la que era productor. En cine, se recicló en sólido secundario en títulos como La casa Rusia, El almuerzo desnudo o Legítima defensa. Recientemente, apareció como el padre del héroe protagonista en la adaptación del cómic de Marvel, The Punisher. Filmografía básica: Klute (1971), Contra el imperio de la droga (1971), Tiburón (1975), Marathon Man (1976), Carga maldita (1977), Tiburón 2 (1978), Empieza el espectáculo (1979), El trueno azul (1983), 2010, odisea dos (1984), 52, vive o

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muere (1986), Cohen y Tate (1989), La casa Rusia (1990), El almuerzo desnudo (1991), Legítima defensa (1997), RKO 281 (1999), The Punisher (2004).

George SEGAL Long Island, Nueva York (USA); 13/2/1934 Aquellos maravillosos años: Músico antes que actor, George Segal tocó el banjo en diversos grupos de jazz antes de acometer sus primeros papeles en el off-Broadway a finales de los 50. Saltando al cine en 1961, apareció en varias películas poco reseñables antes de comenzar a llamar la atención con su participación en El barco de los locos. Pero fue su nominación al Oscar como Mejor Actor Secundario en 1966 por ¿Quién teme a Virginia Woolf? la que propició su definitivo salto al estrellato. Entre finales de los 60 y mediados de los 70, Segal apareció en algunos de los títulos más aclamados de su época: La masacre del día de San Valentín, La gatita y el búho, Un toque de distinción... Y, a pesar de lo apretado de su agenda laboral, aún le quedó tiempo para grabar varios discos al frente de la Beverly Hills Unlisted Jazz Band.

El crepúsculo de los ídolos: El éxito crítico y comercial de Un toque de distinción permitió a Segal exigir un salario mucho más alto a cambio de sus servicios. Sin embargo, muchas de las películas que siguieron, en particular El halcón negro y La duquesa y el truhán, no respondieron a las expectativas creadas. En consecuencia, el actor se vio durante casi toda la década de los 80 confinado a la pequeña pantalla, haciendo telefilms y series. ¿Quién sabe dónde?: La carrera de Segal salió del estancamiento en 1989 gracias a su participación en el taquillazo Mira quién habla y en la primera de sus secuelas, donde interpretaba al despreocupado padre del parlanchín bebé de Kirstie Alley. Este éxito le permitió recliclarse como secundario de lujo en películas como Ayer, hoy y por siempre, Un loco a domicilio, o El espejo tiene dos caras. En los últimos tiempos, sin embargo, Segal es más popular por su papel de Jack Gallo, el editor de revistas cuya hija (Laura San Giacomo) va a trabajar con él, en la sitcom Dame un respiro, que le ha valido dos nominaciones al Globo de Oro. Filmografía básica: El barco de los locos (1965), ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), La masacre del día de San Valentín (1967), El búho y la gatita (1970), Un diamante al rojo vivo (1972), Un toque de distinción (1973), California Split (1974), Pero, ¿quién mata a los grandes chefs? (1978), Mira quién habla (1989), Ayer, hoy y por siempre (1991), Mira quién habla ahora (1993), Flirteando con el desastre (1996), Un loco a domicilio (1996), El espejo tiene dos caras (1996).

Tom SELLECK Detroit, Michigan (USA); 29/1/1945

George Segal

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Aquellos maravillosos años: Alto, atlético y atractivo, Tom Selleck es un armario ropero con mostacho que encaja a la perfección en el prototipo de estrella clásica de cine, pero su carrera en este medio ha sido muy irregular, cosechando mucho más éxito en la televisión. Selleck fue modelo en revistas y anuncios de televisión antes de firmar un contrato de siete años con la 20th Century Fox en 1967, debutando en el cine con la psicotrónica Myra Breckinridge, junto a una pasadí-

Tom Selleck

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sima de vueltas Mae West. A lo largo de los 70 apareció en varias películas, tuvo un papel recurrente en la popular serie de James Garner Los casos de Rockford, y protagonizó los episodiospiloto de ocho fallidas teleseries, hasta que a la novena fue la vencida: Magnum (1980-1988) alcanzó unos formidables índices de audiencia durante sus ocho temporadas en antena y lanzó a Selleck al estrellato internacional en el papel hecho a su medida de un detective privado empeñado en lucir horrendas camisas hawaianas. El actor ganó un Globo de Oro y un Emmy, y se convirtió en uno de los sex symbols catódicos definitivos de los 80. Pero la fama televisiva tuvo un alto precio: George Lucas y Steven Spielberg le habían elegido para que fuese Indiana Jones en En busca del arca perdida, pero la CBS no quiso liberarle de sus compromisos con Magnum y el papel fue a parar a manos de Harrison Ford. El crepúsculo de los ídolos: Aún tirándose de los pelos por haber perdido el papel de su vida, Selleck renovó sus ansias de alcanzar el estrellato cinematográfico, pero la indeleble identificación con el personaje de Thomas Magnum y una desastrosa elección de proyectos jugaron en su contra: La gran ruta hacia China, Lassiter y Runaway, brigada especial fueron tres estrepitosos fracasos. Finalmente, consiguió un éxito de taquilla como uno de los solteros de Tres hombres y un bebé y su correspondiente secuela, pero este momento no tuvo continuidad y sus siguientes películas pasaron con más pena que gloria. Habiendo ejercido como productor ejecutivo de las dos últimas temporadas de Magnum, Selleck repitió esa función en la serie B.L. Stryker, que resucitó la tambaleante carrera de Burt Reynolds a finales de los 80. ¿Quién sabe dónde?: En 1996, Selleck hizo un exitoso regreso a la pequeña pantalla como el maduro novio de Monica en la sitcom Friends. Un año después, autoparodió su imagen de macho man como el presentador televisivo gay que ayuda al sexualmente confuso Kevin Kline en la taquillera comedia In & Out (aunque su mayor mérito interpretativo en esta película fue afeitarse su característico mostacho). Además de sus cada vez más esporádicos trabajos en cine y televisión, Selleck ejerce como portavoz oficioso del conservadurismo en Hollywood y se perfila

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como sucesor de Charlton Heston en la presidencia de la Asociación Nacional del Rifle. Precisamente su apoyo a este grupo dio lugar en mayo de 1999 a un sonado enfrentamiento con Rosie O’Donnell cuando apareció como invitado en su show televisivo, al que inicialmente había acudido para promocionar su último film, Carta de amor. Filmografía básica: Myra Breckinridge (1970), La batalla de Midway (1976), Coma (1978), La gran ruta hacia China (1983), Lassiter (1984), Runaway, brigada especial (1984), Tres hombres y un bebé (1987), Tres hombres y una pequeña dama (1990), Cristobal Colón, el descubrimiento (1992), Mr. Baseball (1992), In & Out (1997), Carta de amor (1999).

Ally SHEEDY [Alexandra Elizabeth Sheedy] Nueva York, Nueva York (USA); 13/6/1962 Aquellos maravillosos años: Si Molly Ringwald fue la princesa del Brat Pack, Ally Sheedy era la freak con la que nadie sabía qué hacer. Las dos compitieron por los mismos papeles, y aunque Molly se llevó la mayoría, Ally se las apañó para conseguir su lugar bajo el sol. A los 6 años, ya bailaba con el American Ballet Theatre, y a los 12 escribió el cuento “She Was Nice to Mice”, que se convirtió en un best seller. Un agente artístico la vio cuando promocionaba su libro en un programa de televisión y se apresuró a contratarla. Antes de darse cuenta, Ally empezó a hacer spots publicitarios, telefilms, y consiguió un papel recurrente en la serie Canción triste de Hill Street. Por fin, hizo su debut cinematográfico en 1983 como la novia de Sean Penn en Bad Boys y de Matthew Broderick en Juegos de guerra. Después apareció en las dos películas fundamentales del Brat Pack, El club de los cinco y St. Elmo, punto de encuentro, aunque Ally nunca llegó a integrarse en el estilo de vida de fiestas y excesos de la mayoría de sus compañeros de promoción. El crepúsculo de los ídolos: A pesar del gran éxito de sus películas con John Hughes, la etiqueta de brat packer no ayudó a Ally a conseguir papeles de calidad. Y además, demostró tener un pésimo ojo clínico a la hora de escoger sus

Ally Sheedy

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proyectos: rechazó el papel que luego haría Kelly McGillis en Top Gun, y también rehusó aparecer en la secuela de la taquillera Cortocircuito para protagonizar la ambiciosa Maid to Order, que supuso un fracaso comercial. Su carrera empezó a derrumbarse y, para colmo, fue rechazada para uno de los papeles protagonistas en Ellas dan el golpe por su ineptitud para jugar al béisbol. ¿Quién sabe dónde?: Ally pasó la mayor parte de los 90 haciendo telefilms y sometiéndose a tratamiento para combatir su adicción a los somníferos. Sin embargo, su estrella reemergió en 1998 gracias a su impresionante interpretación de una fotógrafa drogadicta y lesbiana en la aclamada cinta independiente High Art, que le valió el aplauso de la crítica y un aluvión de premios en festivales de todo el mundo. Basándose en su renovada credibilidad dentro del mundillo indie, Ally ha protagonizado en los últimos años una decena de películas de pequeño presupuesto y ha retornado a sus orígenes teatrales: en 1999 se convirtió en la primera mujer en tomar el papel del cantante transexual protagonista de “Hedwig and the Angry Inch”; y a finales del 2002 se unió a Andrew McCarthy para representar en el off-Broadway la obra “Exonerated”. Filmografía básica: Bad Boys (1983), Juegos de guerra (1983), Un yanqui en Oxford (1984), El club de los cinco (1985), St. Elmo, punto de encuentro (1985), Cortocircuito (1986), Yo, tú y mamá (1991), Solo en casa 2: perdido en Nueva York (1992), High Art (1998), Searching for Debra Winger (2002).

Charlie SHEEN [Carlos Irwin Estevez] Nueva York, Nueva York (USA); 3/9/1965 Aquellos maravillosos años: Charlie Sheen es casi tan conocido por su trabajo como por sus escándalos fuera de la pantalla, aunque sorprendentemente, ha logrado superar la tormenta de controversia que siempre le ha perseguido para reemerger en los últimos años como estrella televisiva. Siguiendo los pasos de su padre (Martin Sheen) y de su hermano mayor (Emilio Estevez), Charlie decidió probar suerte en el mundo del cine al acabar sus estudios, debutando en 1984 en la cinta juvenil Amanecer rojo. Su gran

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Charlie Sheen

explosión se produjo cuando el director Oliver Stone le dio el papel protagonista en su multioscarizada épica bélica Platoon. Esta película fue un punto de inflexión en la trayectoria de Charlie, que al año siguiente volvió a unirse a Stone en Wall Street, otro éxito crítico y comercial que además, le dio la oportunidad de trabajar por primera vez con su padre. Tras probar su valía como actor dramático y convertido en una de las nuevas estrellas de Hollywood, Charlie demostró su aptitud para otros géneros en las comedias Una mujer en la liga y Hot Shots! y el western juvenil Arma joven. Todos estos títulos (y sus respectivas secuelas) triunfaron en taquilla y solidificaron su status estelar, eclipsando incluso la fama de su padre y su hermano. Sin embargo, al entrar en los 90, sus problemas personales y una racha de malas

elecciones profesionales le metieron en una larga espiral descendente. El crepúsculo de los ídolos: Charlie se ganó fama de ser uno de los bad boys oficiales de Hollywood, y sus excesos con las drogas, el alcohol y las mujeres le convirtieron en una leyenda de la prensa amarilla. En 1990, su por entonces novia Kelly Preston le dejó por John Travolta después de que Charlie le pegase un tiro en el brazo en un extraño accidente. En 1995, cuando estaba casado con la modelo Donna Peele, tuvo que testificar en el juicio contra la famosa “Madame de Hollywood” Heidi Fleiss, y admitió que había gastado más de 50.000 dólares en los servicios de prostitutas. Con el escándalo Fleiss aún caliente, Charlie volvió a ser noticia por su aireado romance con la estrella porno Ginger Lynn. En 1996 salió con otra actriz porno, Brittany Ashland, que le denunció poco después por agresiones. Su imagen de rebelde se volvió particularmente oscura cuando el 20 de mayo de 1998 fue hospitalizado en Thousand Oaks, California, a causa de una sobredosis de drogas. Dado de alta un par de días más tarde, Charlie se inscribió en un centro de rehabilitación en el que tan sólo permaneció 24 horas. Volvió a ser arrestado por conducir bajo los efectos del alcohol y obligado a ingresar de nuevo en la clínica. Con una agenda social tan apretada, no es de extrañar que a Charlie no le quedase mucho tiempo para trabajar, y todos sus vehículos estelares, como Velocidad terminal y El dinero es lo primero, se estrellaron aparatosamente en taquilla. ¿Quién sabe dónde?: Aparentemente limpio, Charlie volvió al trabajo en 1999, interpretándose a sí mismo en un divertido cameo en Cómo ser John Malkovich. Pero su gran segunda oportunidad se la dio la pequeña pantalla al sustituir a Michael J. Fox como protagonista de la exitosa sitcom Spin City entre 2000-2002, lo que le valió un Globo de Oro. Tras abandonar la serie, se casó con la atómica actriz Denise Richards (con la que tuvo una hija en marzo de 2004) y ha seguido trabajando en la televisión y el cine. Además de su carrera como actor, Charlie también ha probado suerte como productor, formando una compañía con el cantante Bret Michaels, y ha hecho sus pinitos literarios publicando el libro de poesías “A Peace of My Mind”.

Filmografía básica: Amanecer rojo (1984), Lucas (1986), Platoon (1986), Wall Street (1987), Arma joven (1988), Una mujer en la liga (1989), El principiante (1990), Hot Shots! (1991), Hot Shots 2! (1993), Los tres mosqueteros (1993), Tres granujas en la liga (1994), Velocidad terminal (1994), El dinero es lo primero (1997), Cómo ser John Malkovich (1999), Scary Movie 3 (2003).

Martin SHEEN [Ramón Estévez] Dayton, Ohio (USA); 3/8/1940 Aquellos maravillosos años: Además de presumir de una longeva carrera en cine, televisión y teatro, Martin Sheen es el padre de una moderna dinastía de actores (Charlie Sheen, Emilio Estevez, Renée Estevez y Ramón Estevez), y un incansable activista en pro de causas sociales y medioambientales. El séptimo de los diez hijos de un emigrante español y una irlandesa, el joven Ramón

Martin Sheen

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Estévez deseaba tan desesperadamente ser actor que suspendió a propósito su examen de acceso a la universidad para poder irse a Nueva York a labrarse una carrera interpretativa. Tras cambiar su nombre por el de Martin Sheen para evitar ser encasillado en papeles étnicos, consiguió sus primeros trabajos en televisión a principios de los 60, y poco después debutó en Broadway, siendo aclamado por su papel en la obra “The Subject Was Roses”. Con la vista puesta en su carrera cinematográfica, se trasladó a California en 1970, pero no pasó de algunos papeles secundarios hasta que Terrence Malick le ofreció el rol del amoral asesino Kit Carruthers en su debut directorial, Malas tierras. Algo más tarde, Francis Ford Coppola le escogió para protagonizar su épica del Vietnam Apocalipsis Now. Fueron dos años de rodaje infernal en las Filipinas, durante los cuales Sheen estuvo a punto de morir. El actor sufrió un casi fatal ataque al corazón, lo que le llevó a un viaje espiritual de cuatro años que culminó con la superación de su adicción al alcohol y las drogas, y con su retorno al Catolicismo, que había abandonado durante su juventud. El crepúsculo de los ídolos: Apocalipsis Now se estrenó finalmente en 1979, entre los clamores de crítica y público. Sin embargo, Sheen nunca llegó a alcanzar el nivel de popularidad de otros compañeros de generación. Esto se debe posiblemente al hecho de que durante los 80 apareció en películas muy mediocres, si exceptuamos un puñado de títulos como Gandhi, La zona muerta y Wall Street. Más suerte tuvo en la pequeña pantalla, donde destacó sobremanera su interpretación de John F. Kennedy en la popular mini-serie Kennedy (1983). Otro factor que ha impedido su salto definitivo al estrellato es su fama de polémico. Durante los últimos veinte años, Sheen ha sido arrestado más de 70 veces por participar en marchas y sentadas de protesta contra la represión política en Centroamérica, las políticas de asilo en USA, las pruebas nucleares, los abusos del ejército israelí en los territorios ocupados... ¿Quién sabe dónde?: En la última década, Sheen ha seguido manteniéndose muy activo en cine y televisión. En la gran pantalla hemos podido verle haciendo roles secundarios en El presi-

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dente y Miss Wade, Spawn, o Atrápame si puedes. En la pequeña, desde 1999 triunfa como el presidente Jed Bartlet (la cuarta vez en su carrera que interpreta al máximo mandatario de los USA) en la aclamada serie El ala oeste de la Casa Blanca, por la que ganó el Globo de Oro en 2000. En su vertiente activista, ha seguido utilizando su fama para apoyar diversas causas socio-políticas. En junio de 2001, fue condenado a tres años de libertad condicional por irrumpir junto a otras 22 personas en una base aérea de California, durante una protesta antimilitarización. Sheen también fue una de las estrellas de Hollywood que más críticas se mostraron con el ataque estadounidense a Irak, encabezando una marcha virtual que inundó la Casa Blanca con decenas de miles de e-mails contra la guerra. Ésto le granjeó el odio de los sectores más reccionarios de la sociedad yanqui, que llegaron a exigir su despido de El ala oeste; algo a lo que, afortunadamente, la productora NBC se negó en redondo. Filmografía básica: Una historia de tres extraños (1968), Trampa 22 (1970), Malas tierras (1973), El puente de Cassandra (1976), Apocalipsis Now (1979), El final de la cuenta atrás (1980), Gandhi (1982), La zona muerta (1983), Ojos de fuego (1984), Los creyentes (1987), Wall Street (1987), Gettysburg (1993), El presidente y Miss Wade (1995), Spawn (1997), Atrápame si puedes (2002).

Cybill SHEPHERD Memphis, Tennessee (USA); 18/2/1950 Aquellos maravillosos años: Esta antigua reina de la belleza se lanzó en su adolescencia a una carrera como top model que la llevó a ganar el título de Modelo del Año en 1968. El director Peter Bogdanovich la descubrió en la portada de la revista “Glamour” y le dio el papel de rompecorazones pueblerina en su aclamada La última película, aunque los críticos no se fijaron tanto en sus virtudes artísticas como en el striptease que se marcaba en el film. Durante el rodaje, Cybill y Bogdanovich se enamoraron y se convirtieron en pareja oficial, a pesar de que él estaba casado y era 11 años mayor que ella.

Cybill Shepherd

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Cybill encadenó el éxito de La última película con otra pequeña joya, El rompecorazones, pero sus dos siguientes trabajos con Bogdanovich, Una señorita rebelde y el musical Por fin, el gran amor, fueron masacrados por la prensa y estuvieron a punto de acabar con sus respectivas carreras. Escarmentada, rechazó protagonizar Nickelodeon, que su Pygmalion particular había escrito para ella, y en su lugar hizo Taxi Driver, lo que precipitó el final de su relación. El crepúsculo de los ídolos: Su gran interpretación en el clásico de Scorsese reafirmó su posición en la industria, pero el fracaso del infortunado remake de La dama del expreso de Hitchcock, y la imposibilidad de librarse de la etiqueta de “chica Bogdanovich”, llevaron a Cybill a abandonar temporalmente Hollywood para volver a su Memphis natal a hacer teatro y a retomar su faceta como cantante (su primer disco, “Cybill Getz Better”, se publicó en 1974 con unas críticas nefastas). Su gran comeback en los 80 se lo proporcionó la pequeña pantalla. En 1983 apareció en The Yellow Rose, una serie de efímera vida que, sin embargo, la llevó al papel protagonista en Luz de luna (1985-1989), que relanzó su carrera y descubrió al mundo a un Bruce Willis que aún podía utilizar peine. Pese a ser un éxito instantáneo, la serie estuvo plagada de problemas desde el primer día. Cybill y Bruce no se molestaban en disimular su mutuo desprecio, los despidos eran frecuentes, y las luchas de poder entre la actriz y el productor Glenn Gordon Caron provocaron su cancelación al final de la cuarta temporada. A rebufo de su recuperada popularidad, Cybill apareció en un puñado de películas como El cielo se equivocó, Alice y Texasville (innecesaria secuela de La última película, que volvió a reunirle con Bogdanovich veinte años después), pero ninguna de ellas repitió el éxito de sus vehículos televisivos. ¿Quién sabe dónde?: Al entrar en los 90, la carrera de Cybill parecía embarrancada por segunda vez, pero de nuevo la televisión acudió al rescate: entre 1995 y 1998 produjo y protagonizó Cybill, una sitcom en la que básicamente se autoparodiaba en el papel de una actriz cuarentona que trata de sobrevivir en una industria obsesionada con la juventud. Cybill le dio un Globo

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de Oro y un nuevo respeto por su persona. En el año 2000 consiguió su propio talk show, Los hombres son de Marte, las mujeres son de Venus, pero fue reemplazada al cabo de la primera temporada. Al margen de sus trabajos en la pantalla, Cybill ha seguido desarrollando su carrera como cantante y ha publicado nueve discos, el último de ellos “Live at the Cinegrill” (2001), además de ofrecer numerosos conciertos por todo el mundo. En la primavera de 2000 publicó su explosiva autobiografía, “Cybill Disobedience”. Filmografía básica: La última película (1971), El rompecorazones (1972), Una señorita rebelde (1974), Por fin, el gran amor (1975), Taxi Driver (1976), La dama del expreso (1979), El cielo se equivocó (1989), Alice (1990), Texasville (1990), Casada con eso (1991).

Brooke SHIELDS [Brooke Christa Shields] Nueva York, Nueva York (USA); 31/5/1965 Aquellos maravillosos años: A pesar de sus denodados intentos por ser tomada en serio como actriz, Brooke Shields ha sido incapaz de escapar de la imagen de icono sexual/virginal adolescente que acuñó a finales de los 70. En su primera etapa, la carrera de Brooke fue controlada con mano de hierro por su madre, Teri, una exmodelo y aspirante a actriz que puso a su hija delante de una cámara cuando aún no había celebrado su primer cumpleaños. Tras pasar toda su infancia trabajando como modelo publicitaria, Brooke debutó en el cine en 1976, pero su verdadero “descubridor” fue el director francés Louis Malle, que le dio el papel de una prostituta de 12 años que se convierte en la obsesión de un maduro pintor en La pequeña. Aunque Malle manejó las escenas de desnudo de la joven actriz con sumo cuidado, las organizaciones fundamentalistas y anti-pornografía montaron en cólera, lo que sólo añadió publicidad gratuita a la película. Aprovechando la notoriedad conseguida por La pequeña, Brooke trabajó incansablemente, encadenando cinco películas en los dos años siguientes. De entre ellas hay que destacar obligatoriamente la psicotrónica El lago azul, donde

Brooke Shields

junto a Christopher Atkins encarnaban a dos náufragos adolescentes que descubren el amor y el sexo en una isla desierta. El papel de Emmeline supuso su consagración definitiva como sex symbol juvenil de finales de la década. El crepúsculo de los ídolos: Buscando papeles más serios, Brooke se puso a las órdenes de Franco Zeffirelli en el pastelón Amor sin fin, que supuso un fracaso comercial en comparación con El lago azul. Aunque por entonces era una de las mayores celebridades de América -entre 1980 y 1985 fue portada en más de 250 revistas de todo el mundo- Brooke decidió tomarse un periodo sabático de cuatro años para matricularse en la prestigiosa Universidad de Princeton. Con su graduado en Literatura Francesa bajo el brazo, intentó retomar su carrera como actriz, pero la que una vez fuese nombrada por la revista “Time” “el rostro de los 80”, se encontró con que sólo le ofrecían trabajo en mediocres películas y telefilms. ¿Quién sabe dónde?: La carrera de Brooke parecía definitivamente estancada, pero en 1996 volvió a saborear las mieles del éxito cuando le ofrecieron el papel protagonista en la sitcom De repente, Susan, que le valió dos nominaciones

consecutivas a los Globos de Oro. Durante los cuatro años de vida de la serie, trató de reo rientar su carrera cinematográfica, apareciendo en varias producciones independientes (Freeway, Después del sexo) bien recibidas por la crítica pero con escaso tirón en taquilla. Confinada de nuevo -y parece que ahora definitivamenteal mundo de los telefilms y las series, no ha podido hacer mucho por demostrar que es algo más que una cara bonita. En otro orden de cosas, Brooke pareció asentar su turbulenta vida sentimental -se le han atribuido romances con el príncipe Alberto de Mónaco, el difunto John Kennedy Jr., los actores Woody Harrelson, Dean Cain, Liam Neeson y John Travolta, el cantante Michael Bolton, y hasta con Michael Jackson (?)- cuando, después de una muy publicitada relación, se casó en abril de 1997 con el as del tenis André Agassi. Sin embargo, el problemático matrimonio fue anulado al cabo de sólo dos años. Casada en segundas nupcias con el guionista televisivo Chris Henchy en abril de 2001, la feliz pareja trajo al mundo a su primera hija en mayo de 2003. Filmografía básica: La pequeña (1978), Wanda Nevada (1979), El lago azul (1980), Amor sin fin (1981), Brenda Starr (1989), Freeway (1996), El soltero (1999), Después del sexo (2000).

Alicia SILVERSTONE San Francisco, California (USA); 4/10/1976 Aquellos maravillosos años: A finales de los 90 fue considerada como la reina del cine adolescente, pero una serie de reveses profesionales han hecho que el futuro de Alicia Silverstone parezca cuando menos incierto. Tras comenzar su carrera como modelo infantil a la tierna edad de seis años, apareció en varios spots televisivos y series como Aquellos maravillosos años. A los 15 años, debutó en el cine con Veneno en la piel, una especie de Atracción fatal para teenagers donde era una adolescente obsesionada con un hombre mayor (Cary Elwes). Aunque la crítica masacró la película, fue todo un éxito entre el público juvenil. Veneno en la piel también llamó la atención del director Marty Callner, que pensó en Alicia como la perfecta protagonista de una

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ahora clásica trilogía de videoclips del grupo de rock Aerosmith. Alicia era definitivamente un icono para la generación MTV, pero el éxito masivo seguía eludiéndola. Esta situación cambiaría cuando consiguió el papel de la pija californiana Cher Horowitz en Fuera de onda, una muy lejana adaptación en clave juvenil de la novela de Jane Austen “Emma”, que fue uno de los éxitos-sorpresa de 1995. Al calor de este triunfo, Alicia firmó con Columbia Pictures un contrato de 10 millones de dólares por tres películas con su propia compañía productora, First Kiss. Por si esto fuera poco, consiguió el codiciado papel de Batgirl en Batman & Robin, cuarta entrega de la saga cinematográfica del hombre-murciélago. En esta época, Alicia era la actriz joven del momento y la portavoz de una nueva generación. El crepúsculo de los ídolos: Entonces, súbitamente, oscuros nubarrones se cernieron sobre ella. Exceso de equipaje, su primera experiencia como productora, fue un fracaso de crítica y público. Por su parte, Batman & Robin recaudó 237 millones de dólares en todo el mundo, una cifra

que en cualquier otra circunstancia se consideraría un éxito, pero al ser muy inferior a la de las anteriores entregas, también fue catalogada como un gran fiasco. Por si esto fuera poco, la prensa de cotilleos de Hollywood la atacó sin piedad por sus continuos problemas de peso. ¿Quién sabe dónde?: Después de una ausencia de casi dos años, Alicia resurgió con Buscando a Eva, una comedia romántica que disfrutó de una buena recepción crítica y comercial. Algunos la consideraron la película de su regreso, pero su siguiente trabajo, la comedia musical Trabajos de amor perdido -durante cuyo rodaje se le atribuyó un romance con el director y protagonista, Kenneth Branagh- apenas fue promocionada y tuvo una distribución muy limitada. Tras ejercer como productora ejecutiva de la serie televisiva de animación Braceface, Alicia se fue a Broadway para protagonizar junto a Kathleen Turner y Jason Biggs un montaje de “El graduado”, que logró un apreciable éxito de taquilla. De vuelta a Hollywood, últimamente apareció en la comedia Esto no es un atraco y en Scooby-Doo 2: Desatado. El futuro no se presenta sencillo para esta vivaz rubia, debido a la creciente saturación que sufre la industria con jóvenes starlettes similares como Sarah Michelle Gellar y Jennifer Love Hewitt. Filmografía básica: Veneno en la piel (1993), Fuera de onda (1995), Batman & Robin (1997), Exceso de equipaje (1997), Buscando a Eva (1999), Trabajos de amor perdido (2000), Esto no es un atraco (2002), Scooby-Doo 2: Desatado (2004).

Jaclyn SMITH Houston, Texas (USA); 26/10/1947

Alicia Silverstone

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Aquellos maravillosos años: Jaclyn comenzó en Nueva York su carrera como modelo de Max Factor. Hollywood no tardó en llamar a su puerta en forma de un contrato con la Paramount, y durante la primera mitad de los 70 apareció en varias películas y series de televisión. En 1976, el productor Aaron Spelling le ofreció unirse al trío de bellas detectives de Los ángeles de Charlie, su definitivo trampolín a la fama. Aunque el papel de Kelly Garrett no le ofrecía demasiadas oportunidades de lucimiento dramático, Smith supo

Jaclyn Smith

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darle grandes dosis de elegancia y sofisticación. Fue la única de los "ángeles" originales que aguantó en la serie hasta su cancelación en 1981, lo que la hizo perder el papel de Holly Goodhead (que acabaría haciendo Lois Chiles) en la película de James Bond Moonraker. El crepúsculo de los ídolos: Al igual que sus compañeras, Jaclyn nunca ha vuelto a alcanzar el nivel de popularidad que tuvo como "ángel", aunque se ha mantenido muy activa en la pequeña pantalla, ganándose el apelativo de “Reina de los Telefilms”. En los 80 hizo películas para la televisión como Jackie Bouvier Kennedy (que le valió una nominación al Globo de Oro en 1981) y El caso Bourne, y miniseries como Florence Nightingale y Christine Cromwell. Además, en 1985 fue pionera en el concepto de que los famosos desarrollasen sus propias marcas en vez de simplemente anunciar otras, y creó la línea de ropa Jaclyn Smith Collection, distribuída por la cadena de supermercados K-Mart. ¿Quién sabe dónde?: En julio de 2002 le fue diagnosticado un cáncer de mama que logró vencer gracias a la quimioterapia, incorporándose poco después al reparto de la serie The District en su tercera temporada. También aceptó hacer un breve cameo en la secuela de Los ángeles de Charlie, convirtiéndose en el primer “ángel” original que aparecía en la versión cinematográfica. Ampliando su faceta como empresaria, ha lanzado una colección de muebles para la casa bautizada The Jaclyn Smith Home Accesories. Filmografía básica: Complicidad sexual (1969), Los libertinos (1970), Los ángeles de Charlie: al límite (2003).

Mira SORVINO Tenafly, New Jersey (USA); 28/9/1967 Aquellos maravillosos años: Mira es la hija del actor de carácter Paul Sorvino, conocido por su trabajo en películas como Uno de los nuestros. Siguiendo los consejos de su padre, Mira se concentró en sus estudios, y así, en 1990 se graduó magna cum laude en Estudios Asiáticos por la Universidad de Harvard. Después viajó a Pekín, donde aprendió a hablar mandarín. Cuando volvió a los Estados Unidos, se dirigió a Nueva York

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Mira Sorvino

persiguiendo una carrera en el mundo del cine. Sus primeros pasos en la industria fueron como asistente de producción en la productora de Robert De Niro, Tribeca. Desde ahí, Mira consiguió abrirse camino hasta aparecer en las independientes Amongst Friends y Barcelona. Su trabajo en estas películas llamó la atención de Robert Redford, que le dio su primer papel de entidad en Quiz Show. Sin embargo, su salto al estrellato llegaría en 1995 de la mano de Woody Allen, quien le confió el rol de la encantadora prostituta Linda Ash en Poderosa Afrodita. Mira ganó el Oscar a la Mejor Actriz Secundaria, se convirtió en una de las jóvenes intérpretes más solicitadas de Hollywood, e inició una tumultuosa relación de dos años con el cineasta de moda, Quentin Tarantino. El crepúsculo de los ídolos: Tras ganar el Oscar, Mira apareció en títulos tan aclamados como Beautiful Girls y Norma Jean & Marilyn. A continuación, decidió probar suerte en el mundo de las grandes producciones de acción, protagonizando el thriller de ciencia-ficción Mimic, y com-

partiendo cartel con la estrella de Hong Kong Chow Yun-Fat en Asesinos de reemplazo. Desafortunadamente, ambas películas fueron menospreciadas por público y crítica. A pesar de estas decepciones, Mira elevó su caché hasta los 3 millones de dólares por co-protagonizar junto a Val Kilmer el drama romántico A primera vista, otro fiasco crítico y comercial que pareció poner el punto y final a su carrera como estrella de films de gran presupuesto. ¿Quién sabe dónde?: La estrella de Mira parece haberse ido apagando en los últimos tiempos. A pesar de que su brillante labor en Summer of Sam y La zona gris fue bien recibida por la crítica, sus películas más recientes se han saldado con sonoros fracasos (Wisegirls, junto a Mariah Carey), o bien han ido a parar directamente a las estanterías de los videoclubs, como el thriller rodado en España Semana Santa, o la bélica Gods and Generals. Filmografía básica: Barcelona (1994), Quiz Show (1994), Poderosa Afrodita (1995), Blue in the Face (1995), Beautiful Girls (1996), Norma Jean & Marilyn (1996), Romy y Michele (1997), Mimic (1997), Asesinos de reemplazo (1998), A primera vista (1999), Summer of Sam (1999), La zona gris (2001).

David SOUL [David Richard Solberg] Chicago, Illinois (USA); 28/8/1943 Aquellos maravillosos años: Educado, pulcro y vegetariano, Hutch era la antítesis del desastrado y adicto a la comida-basura Starsky, pero la química y la amistad que existía entre David Soul y Paul Michael Glaser hicieron de la serie policíaca que protagonizaron uno de los grandes fenómenos de la cultura pop de los años 70. Gran amante de la música desde su temprana juventud, David ganó cierta notoriedad como cantautor folk a mediados de los 60, llegando a abrir conciertos para artistas tan renombrados como The Byrds. Intentando prosperar, se inventó el alter ego de The Covered Singer, un estrafalario cantante que actuaba con el rostro cubierto por una capucha (?). El truco funcionó, y en 1967 consiguió trabajo como artista residente en The Merv

Griffin Show. Después de asomarse a algunos episodios de Flipper y Star Trek, David se pasó al cine y apareció en el alegato antibélico Johnny cogió su fusil, y junto a Clint Eastwood en Harry el fuerte, segunda entrega de la popular saga de Harry el Sucio. Fue en esta película donde David llamó la atención de los productores de Starsky&Hutch, que le ofrecieron el rol del rubio Ken “Hutch” Hutchinson. Gracias al monumental éxito de la serie, David pudo cumplir su viejo sueño y en 1976 lanzó su primer disco, el homónimo “David Soul”, y en 1977 se embarcó en una mini-gira por Inglaterra. Entre 1976 y 1982, David grabó cuatro LP’s, coronó las listas americanas y británicas con singles multiventas como “Silver Lady”, y giró extensivamente por Estados Unidos, Inglaterra, Japón y Sudamérica. El crepúsculo de los ídolos: En 1979, Stars ky&Hutch llegó a su fin después de cuatro temporadas de éxito. David pasó los 80 y la primera mitad de los 90 protagonizando una larga lista de telefilms y miniseries como El misterio de Salem’s Lot, El secreto del Sahara y la infausta Casablanca, en la que se atrevía a meterse en los zapatos del mismísimo Humphrey Bogart; pero ninguna de ellas volvió a proporcionarle la notoriedad que había tenido como Hutch. Siguiendo los pasos de su amigo Glaser, David también se aventuró en la dirección de varios episodios de Corrupción en Miami, En el calor de la noche, China Beach y algunas series más. ¿Quién sabe dónde?: En 1994, David abandonó Los Angeles para trabajar en algunos proyectos para las televisiones francesa y canadiense. Después se fue a Australia, donde protagonizó el musical “Blood Brothers”, que llevaría a los escenarios londinenses en 1995. Tan a gusto debió sentirse en Londres que decidió fijar allí su residencia permanente, y desde entonces se dedica fundamentalmente a producir e interpretar obras de teatro y series para la televisión británica. Sin aparcar completamente su carrera musical, en 2000 lanzó su último disco, “Leave a Light On”, y este año se ha embarcado en un nuevo tour por Inglaterra e Irlanda. Retornando momentáneamente a Hollywood, volvió a reunirse con su viejo colega Glaser para una fugaz aparición en la versión cinematográfica de Starsky & Hutch.

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David Soul

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Filmografía básica: Johnny cogió su fusil (1971), Harry el fuerte (1973), Cita con la muerte (1988), Pentathlon (1994), Starsky & Hutch (2004).

Sissy SPACEK [Mary Elizabeth Spacek] Quitman, Texas (USA); 25/12/1949 Aquellos maravillosos años: Con 17 años, Sissy Spacek abandonó Texas y se fue a Nueva York para perseguir su sueño de ser cantante. Allí entró en contacto con la Factory de Andy Warhol y apareció brevemente en una de sus películas experimentales, Trash. En 1968, con el nombre de Rainbo Spacek, grabó un single que no fue a ninguna parte y fue expulsada de su sello discográfico. Aconsejada por su primo, el actor Rip Torn, decidió volcar sus energías en la interpretación y se inscribió en el prestigioso Actor’s Studio. En 1973 co-protagonizó junto a Martin Sheen Malas tierras, con la que consiguió los primeros aplausos de la crítica y a su marido, el diseñador de producción Jack Fisk, con el que se casó un año después. Fisk era colaborador habitual del director Brian De Palma, y fue pieza clave para que Spacek consiguiese el papel que la lanzaría a la fama: el de la acomplejada adolescente que utiliza sus poderes telequinésicos para vengarse de sus compañeros de clase y de su fanática madre en Carrie, adaptación del best seller de Stephen King. Esta película le valió su primera nominación al Oscar y un status de culto permanente entre los aficionados al género terrorífico. En 1980, Spacek sacó partido a su pasado musical al convertirse en la estrella del country Loretta Lynn en el biopic Quiero ser libre. La actriz se empeñó en cantar ella misma todas las canciones de la película, y consiguió no sólo el Oscar, sino también una nominación al Grammy. Animada por este éxito, en 1983 por fin grabó un disco completo, “Hangin’ Up My Heart”. Tras tomarse un respiro para dar a luz a su hija Schuyler (hoy prometedora actriz adolescente), lo que la obligó a rechazar el papel de Debra Winger en La fuerza del cariño, Spacek volvió por la puerta grande cosechando nominaciones al Oscar casi consecutivas por Desaparecido, Cuando el río crece y Crímenes del corazón.

El crepúsculo de los ídolos: En 1986, justo cuando estaba en la cima de su carrera, Spacek decidió retirarse por tiempo indefinido para cuidar de su familia en una granja situada en las montañas del norte de Virginia. Buscando proyectos con contenido social, reapareció a principios de los 90 como la esposa de Kevin Costner en la controvertida JFK, y pasó la mayor parte de la década trabajando en telefilms de prestigio como The Good Old Boys (que le valió una nominación al Emmy) y Si estas paredes hablasen. ¿Quién sabe dónde?: La carrera de Spacek resucitó a finales de los 90 gracias a sus papeles de esposa de Nick Nolte en el alabado drama Affliction, y de hija de Richard Farnsworth en el film de David Lynch Una historia verdadera. En 2001 ganó un Globo de Oro y su sexta nominación al Oscar por su conmovedora interpretación en el sorpresivo éxito independiente En la habitación. Filmografía básica: Carne viva (1972), Malas tierras (1973), Carrie (1976), Tres mujeres (1977), Quiero ser libre (1980), Desaparecido (1982), Cuando el río crece (1984), Crímenes del corazón (1986), JFK (1991), El arpa de hierba (1995), Affliction (1997), Buscando a Eva (1999), Una historia verdadera (1999), En la habitación (2001).

Sissy Spacek

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Sharon STONE Meadville, Pennsylvania (USA); 10/3/1958 Aquellos maravillosos años: Sharon Stone lleva más de una década aupada al podium de icono sexual, pero hay algo que la diferencia de otras actrices “macizas” al uso: actitud y cerebro, una combinación explosiva que le ha granjeado rendidas admiraciones y encendidos desprecios. En su adolescencia era una auténtica empollona (tiene un coeficiente de inteligencia de 154) que entró en la Universidad a los 15 años y se graduó en Escritura Creativa y Bellas Artes. Sin embargo, su gran amor eran las películas en blanco y negro, así que decidió entrar en el mundo de la interpretación vía concursos de belleza. Tras ser elegida Miss Pennsylvania, se trasladó a Nueva York para firmar con la prestigiosa agencia Ford y se convirtió en una famosa modelo en campañas para Revlon y Coca-Cola. Finalmente, en 1980 hizo su fugaz debut cinematográfico encarnando a la fantasía erótica de Woody Allen en Recuerdos. Stone se pasó los años 80 apareciendo en una película mediocre tras otra, usualmente interpretando a la típica rubia tonta. Tras ser rechazada como protagonista femenina de Atracción fatal, Batman y Dick Tracy, al fin tuvo su gran oportunidad en 1990 interpretando a la esposa karateka de Arnold Schwarzenegger en Desafío total. Ese mismo año posó desnuda para “Playboy”, un movimiento arriesgado para una actriz de 32 años que, sin embargo, surtió efecto. Demi Moore, Michelle Pfeiffer, Geena Davis y Julia Roberts habían rechazado el papel de la manipuladora y bisexual escritora Catherine Tramell en Instinto básico, pero Stone aprovechó la oportunidad para subirse en marcha al tren de la fama. Su cruce de piernas durante el interrogatorio policial ya se ha convertido en una escena clásica de la historia del cine. El crepúsculo de los ídolos: Instinto básico convirtió a Stone en el nuevo sex symbol de Hollywood de la noche a la mañana, aunque también la encasilló en papeles de mujer calentorra y manipuladora. Los fiascos críticos y comerciales de sus primeros vehículos estelares, Sliver y Rápida y mortal (ésta producida con su propia compañía, Chaos) dieron argumentos a los que

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Sharon Stone

dudaban de su talento, pero en 1995 consiguió ser reconocida como actriz “seria” gracias a su interpretación en Casino, que le valió un Globo de Oro y una nominación al Oscar. Sin embargo, con los altos vinieron los bajos, y películas infaustas como Esfera o los remakes de Diabólicas y Gloria pusieron de manifiesto la escasa habilidad de Stone para elegir sus proyectos. En el plano personal, en 1998 se casó con el editor periodístico Phil Bronstein. Dos años después, adoptaron un bebé al que bautizaron como Roan Joseph, y la rubia decidió hacer un paréntesis en su carrera para ver crecer a su nuevo hijo. ¿Quién sabe dónde?: En junio de 2001, Stone interpuso una demanda de 100 millones de dólares contra Andrew Vajna y Mario Kassar, los productores de Instinto básico, acusándoles de romper el contrato verbal que tenían con ella para que repitiera el papel de Catherine Tramell en la largamente esperada secuela de Instinto básico, que tendría que haber empezado a rodarse antes de finalizar el año 2000. Su retorno a la gran pantalla quedó en suspenso cuando en septiembre de 2001 tuvo que ser hospitalizada de urgencia e intervenida quirúrgicamente tras sufrir un aneurisma cerebral. En 2003 puso fin a sus cinco años de matrimonio con Bronstein, y reapareció por fin con el thriller sobrenatural La casa.

Filmografía básica: Recuerdos (1980), Diferencias irreconciliables (1984), Las minas del rey Salomón (1985), Desafío total (1990), Instinto básico (1992), Sliver (1993), Intersection. Entre dos mujeres (1994), El especialista (1994), Rápida y mortal (1995), Casino (1995), Diabólicas (1996), Esfera (1998), Gloria (1999), La musa (1999), La casa (2003), Catwoman (2004).

Patrick SWAYZE Houston, Texas (USA); 18/8/1952 Aquellos maravillosos años: Si una sóla película puede convertir a un mal actor en una estrella, ese es el caso de Patrick Swayze y Dirty Dancing. El musculoso texano entró en el mundo del show business siendo el Príncipe Encantador en el espectáculo “Disney sobre hielo”. Después se dedicó a la danza y estudió con el prestigioso Joffrey Ballet, hasta que una lesión de rodilla le obligó a colgar las zapatillas y orientar sus pasos hacia la interpretación. En 1978 fue Danny Zuko en el montaje de “Grease” en Broadway, y el éxito de la obra le llevó a debutar en Hollywood al año siguiente en La fiebre del patín. Después hizo papeles secundarios en varios telefilms, aunque su mejor trabajo en la pequeña pantalla sería la popular miniserie Norte y Sur (1985). En 1983 se unió al reparto del drama juvenil de F. Coppola Rebeldes, pero serían sus sensuales bailes junto a Jennifer Grey en Dirty Dancing, uno de los taquillazos de 1987, los que le establecerían como uno de los sex symbols de finales de los 80. Los productores de la película llegaron a ponerle sobre la mesa 6 millones de dólares por repetir el papel del chulopiscinas Johnny Castle en la eternamente anunciada secuela, pero él rechazó la oferta. En 1990 volvió a dar en la diana con el lacrimógeno drama romántico-fantasmal Ghost, el mayor blockbuster del año, encadenado con otro triunfo comercial como el místico surfero/atracador de bancos de la adrenalítica Le llaman Bodhi, antes de dar un sorprendente giro dramático en La ciudad de la alegría. El crepúsculo de los ídolos: Swayze tenía un futuro resplandeciente ante sí, pero una serie de desastrosas elecciones le apartaron del candelero. Sus apariciones fílmicas en los 90 fueron cada vez

más esporádicas, y aunque obtuvo un moderado éxito con su publicitada conversión en drag queen en A Wong Foo, gracias por todo, Julie Newmar, pasarían tres años hasta que volviese a hacer otra película. Para colmo de desgracias, en mayo de 1997 se rompió las dos piernas y se desgarró los tendones de la espalda durante el rodaje de Cartas de un asesino, cuando el caballo que montaba le estampó contra un árbol. La larga y lenta recuperación de las lesiones le mantuvo alejado de las pantallas durante otros dos años. ¿Quién sabe dónde?: Swayze reapareció en 2001 con un papel secundario en Donnie Darko, que obtuvo buenas críticas cuando fue presentada en el Festival de Sundance. Dedicado en los últimos tiempos a las películas de bajo presupuesto, la comedia romántica Waking Up In Reno (2002) supuso su retorno a las producciones holgadas, pero el film apenas tuvo distribución. Como hay que pagar el alquiler a fin de mes, volvió a interpretar al ya talludito Johnny Castle en Havana Nights, la temida pero inevitable continuación de Dirty Dancing Filmografía básica: Rebeldes (1983), Amanecer rojo (1984), Dirty Dancing (1987), De profesión: duro (1989), Ghost (1990), Le llaman Bodhi (1991), La ciudad de la alegría (1992), A Wong Foo, gracias por todo, Julie Newmar (1995), Donnie Darko (2001).

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Kathleen Turner

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T Philip Michael THOMAS Columbus, Ohio (USA); 26/5/1949 Aquellos maravillosos años: Con una mezcla de sangre africana, alemana, irlandesa y de tres tribus indias diferentes corriendo por sus venas, Philip Michael Thomas comenzó su carrera en el elenco del musical de Broadway “Hair”. Tras un puñado de blaxploitations y algunas apariciones en series como Starsky & Hutch y La mujer Maravilla, saltó a la fama en 1984 como Ricardo Tubbs en Corrupción en Miami. Tubbs era un policía neoyorquino que llegaba a Miami en busca del narco que asesinó a su hermano, pero el lugar le gustó tanto que decidió quedarse y le emparejaron con Don Johnson. Con sus impolutos trajes de Versace en color pastel y pilotando imponentes Ferraris (siempre me pregunté cómo diablos podían comprarse esa ropa y esos cochazos con un mísero sueldo de policía), Crockett y Tubbs sembraron el terror durante cuatro temporadas entre los criminales de Miami y, de paso, crearon una estética que aún hoy es recordada como uno de los episodios más vergonzantes de los 80. Thomas aprovechó el éxito de la serie para cultivar su faceta de hombre renacentista, escribiendo poesía y ensayos de filosofía (no se rían, llegó a publicar un libro de aforismos titulado “Perfect Moment of Truth Sayings”, que debió ser todo un best seller en las librerías de saldo), e incluso se montó su propio sello discográfico para grabarse

un álbum, intentando seguir los pasos musicales de Don Johnson. El crepúsculo de los ídolos: Cuando Corrupción en Miami fue retirada de la parrilla en 1989, Thomas hizo una serie de siete películas para la televisión por cable bajo el título genérico de Extralarge (?), y produjo, protagonizó y compuso la música del film Miami Shakedown antes de desaparecer del mapa durante el resto de los 90. De cuando en cuando, se dejó caer por algún

Philip Michael Thomas

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Kathleen Turner

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episodio de la nueva serie de su antiguo colega Johnson, Nash Bridges, y últimamente se ha podido escuchar su voz en el videojuego “Grand Theft Auto: Vice City”. ¿Quién sabe dónde?: En 1994, Thomas firmó un contrato con la compañía Traffix Inc. para ser el rostro visible en los infomerciales de Psychic Readers Network, uno de esos servicios de videntes telefónicos. Según el acuerdo, el actor recibiría un porcentaje de los ingresos generados por los incautos que llamaran, pero nunca llegó a ver ni un centavo y demandó a la compañía por apropiación indebida de su imagen y su nombre. Después de ocho largos años de batallas legales, en mayo de 2003 un tribunal de arbitraje de Nueva York condenó a Traffix Inc. a pagar 2,3 millones de dólares a Thomas por violación de contrato. Es de suponer que el dinero le vendrá muy bien para recuperar la casa que un banco le embargó en 1998. Filmografía básica: Sparkle (1976), Miami Shakedown (1993).

Kathleen TURNER Springfield, Missouri (USA); 19/6/1954 Aquellos maravillosos años: Kathleen Turner saltó a la fama en los 80 gracias a una explosiva combinación de sensualidad, belleza y talento a la manera de divas clásicas como Lana Turner o Lauren Bacall, con la que ha sido comparada en infinidad de ocasiones. Después de años de trabajo en producciones del off-Broadway y en la serie The Doctors (1978-1979), tuvo un incendiario debut cinematográfico como la femme fatale que seduce al incauto William Hurt en el clásico moderno del cine negro Fuego en el cuerpo . Convertida en sex symbol de los cinéfilos con buen gusto, sus siguientes películas la amenazaron con un encasillamiento del que trató de escapar con la comedia de aventuras Tras el corazón verde, que la lanzó al estrellato. Su gran química con Michael Douglas les haría volver a trabajar juntos en la secuela La joya del Nilo y en la comedia negra La guerra de los Rose. Entre medias, Kathleen alcanzó otras cumbres en su carrera: El honor de los Prizzi, Peggy Sue se casó que le valió una nominación al Oscar en 1986- e

incluso prestó su ronca voz a la sexy toon Jessica Rabbit en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? El crepúsculo de los ídolos: Los 90 no fueron excesivamente buenos para Kathleen, que al llegar a la madurez entrada en carnes tuvo muchos problemas para conseguir papeles de calidad, una situación agravada por sus problemas de salud, que dispararon los rumores sobre sus supuestas adicciones. Su mejor trabajo en estos años fue como ama de casa homicida en la enloquecida sátira de John Waters Los asesinatos de mamá. En la segunda mitad de la década se recicló en papeles secundarios en películas como Una rubia auténtica y Las vírgenes suicidas, y se estrenó como directora con el telefilm Leslie’s Folly. ¿Quién sabe dónde?: Apartada del cine, Kathleen no ha vuelto a ponerse ante las cámaras desde que hizo un papel recurrente como el padre transexual de Chandler en algunos episodios de la séptima temporada de Friends (2001). Más suerte ha tenido en el teatro: en 1990 fue nominada al premio Tony por su rol de Maggie en el montaje de Broadway de “La gata sobre el tejado de zinc”. En 1995 se fue a Londres para protagonizar un onewoman show sobre la actriz Tallulah Bankhead, y en el 2000 regresó a los escenarios ingleses como la señora Robinson (desnudo incluido) en la versión teatral de “El graduado”, que repitió al año siguiente en Broadway. En diciembre de 2002, Kathleen ingresó en una clínica de rehabilitación de Marworth, Pennsylvania, para superar su adicción al alcohol y a los calmantes que toma para combatir la artritis reumática que la persigue desde el rodaje de Los asesinatos de mamá. Aparentemente recuperada, en marzo de 2003 reapareció en el Bleeker Theatre de Nueva York en el montaje de “The Exonerated”. Filmografía básica: Fuego en el cuerpo (1981), El hombre con dos cerebros (1983), Tras el corazón verde (1984), La pasión de China Blue (1984), El honor de los Prizzi (1985), La joya del Nilo (1985), Peggy Sue se casó (1986), Julia y Julia (1987), Interferencias (1988), El turista accidental (1988), La guerra de los Rose (1989), Detective con medias de seda (1991), Desnudo en Nueva York (1994), Los asesinatos de mamá (1994), Mujeres bajo la luna (1995), Una rubia auténtica (1997), Las vírgenes suicidas (1999).

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Casper Van Dien

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V Casper VAN DIEN [Casper Robert Van Dien Jr.] Milton, Florida (USA); 18/12/1968 Aquellos maravillosos años: Con su clásico aspecto de sanote mocetón americano, Casper Van Dien parece el perfecto prototipo de estrella de Hollywood, aunque durante su corta carrera no ha hecho mucho por demostrar ser algo más que un muñeco Ken articulado. Nacido en el seno de una familia de larga tradición militar, Casper flirteó durante un tiempo con la idea de unirse al ejército, y llegó a estudiar en una academia militar. Tras graduarse, sin embargo, decidió mudarse a Los Angeles para probar suerte como actor (o así). Su primer trabajo fue como extra en varios episodios de Salvados por la campana, a la que siguieron otras series juveniles. Pero sería su participación en la temporada 1994-95 de Sensación de vivir la que ocabó propiciando su salto a la gran pantalla. Después de pequeños trabajos en cintas del pelaje de El señor de las bestias 3, que fueron directas a los estantes de los videoclubs, Casper se atrevió a meterse en la piel de uno de los grandes mitos americanos en James Dean: Race With Destiny, co-protagonizada por su entonces esposa Carrie Mitchum -con la que estuvo casado entre 1993 y 1997- y su suegro, Robert Mitchum. Poco después llegó su papel

más popular hasta la fecha, el del soldado interplanetario que se enfrenta a un ejército de insectos gigantes en Starship Troopers. El crepúsculo de los ídolos: Aupado por el moderado éxito del film futurista de Paul Verhoeven, Casper se convirtió seguidamente en el 20º Rey de los monos cinematográfico en la nefasta Tarzán y la ciudad perdida, que cosechó un previsible batacazo en la taquilla internacional. Idéntico destino corrió su siguiente vehículo de lucimiento, Revenant: Vampiros modernos, lo que supuso el punto y final en la efímera trayectoria del chicarrón de Florida como action hero en películas de cierto empaque comercial. ¿Quién sabe dónde?: Casper regresó a las producciones de gran presupuesto con un papel secundario como rival de Johnny Depp en Sleepy Hollow, una de las fantasías góticas de Tim Burton. Pero esto no fue sino una excepción en una trayectoria que en los últimos años se ha visto confinada a las películas de acción de serie B. Precisamente durante el rodaje de una de ellas, The Omega Code, conoció a la actriz de culebrones Catherine Oxenberg, con quien se casó en 1999. De vuelta a la televisión, ha protagonizado la serie Titanes (2000) y diversos telefilms de sobremesa. Filmografía básica: Starship Troopers (1997), Tarzán y la ciudad perdida (1998), Revenant. Vampiros modernos (1998), Sleepy Hollow (1999).

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Jon Voight

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Jon VOIGHT [Jonathan Voight] Nueva York (USA); 29/12/1938 Aquellos maravillosos años: Aunque los espectadores más jóvenes sólo le conocen como el padre de Angelina Jolie, Jon Voight será recordado para siempre como el protagonista de Cowboy de medianoche, un artista arriesgado que personificó el espíritu de su generación. Antes de sus primeros papeles cinematográficos a finales de los 60, tuvo cierto éxito en Broadway con los montajes de “Sonrisas y lágrimas” y “Panorama desde el puente”, en la que coincidió con un jovencito Dustin Hoffman. Cuando se enteró de que la novela “Cowboy de medianoche” iba a llevarse al cine, Voight convenció a Hoffman para que se presentasen al casting de los dos papeles protagonistas. Pero mientras éste sí se hizo con el del timador Ratso Rizzo, el del vaquero/gigoló Joe Buck recayó en el entonces de moda Michael Sarrazin. Sin embargo, la suerte se alió con Voight cuando Sarrazin tuvo que apearse del proyecto por problemas contractuales. Cowboy de medianoche fue la primera película clasificada X en ganar el Oscar. Voight y Hoffman también recibieron sendas nominaciones, pero perdieron ante John Wayne. Convencido de que los actores sólo deberían hacer películas con contenido social, rechazó docenas de papeles que se basaban únicamente en su sex appeal (entre ellos, el de Ryan O’Neal en Love Story) para aceptar desafíos como Odessa y Deliverance, su mayor éxito en los 70. El crepúsculo de los ídolos: Voight desapareció de las pantallas durante varios años, debido en parte a su matrimonio con Marcheline Bertrand y en parte a la dificultad para encontrar roles que respondiesen a sus altas exigencias artísticas. Una de estas raras oportunidades fue El regreso, un drama intimista que hurgaba en las heridas de la guerra de Vietnam. Después de que todos los actores importantes de Hollywood lo rechazaran, Voight se hizo con el papel de un ex-comba-

tiente cuadrapléjico que se enamora de la enfermera que le cuida. Su emotiva interpretación le valió el Oscar en 1978 y la sensación de que estaba de vuelta, pero tras el fiasco del remake de Campeón, volvió a apartarse del cine hasta bien entrada la década de los 80. El thriller El tren del infierno marcó un nuevo punto de inflexión en su carrera, y con su inesperado giro como despiadado villano, consiguió su tercera nominación en 1985. Pero una vez más, el actor desaparecería de la vista del público durante largo tiempo, en esta ocasión para cuidar de su madre, enferma de cáncer. ¿Quién sabe dónde?: Al llegar los 90, Voight hizo varios trabajos para la televisión y en 1994 debutó como director con el telefilm infantil Toy Soldier. Durante la segunda mitad de la década, menos selectivo que antaño y buscando divertirse, aceptó roles secundarios (generalmente como el malo de turno) en superproducciones de acción como Heat, Misión imposible y Enemigo público. El 2001 vio el tercer renacimiento de su carrera, con tres películas importantes por diferentes motivos: en Pearl Harbor, uno de los taquillazos de la temporada, fue el presidente Roosevelt; Ali, donde estaba irreconocible bajo toneladas de maquillaje, le valió una nueva nominación al Oscar; y Tomb Raider le dio al fin la ansiada oportunidad de trabajar con su hija Angelina. Estaba previsto que repitiese su papel de Lord Croft en Tomb Raider 2, pero tras su comentada aparición en un talk show televisivo en agosto de 2002, en el cual expresó su preocupación por los "problemas mentales" de su famosa hija, ésta decidió cortar toda relación con él, incluyendo su participación en la película. Filmografía básica: La hora de las pistolas (1967), Cowboy de medianoche (1969), Deliverance (1972), Odessa (1974), El regreso (1978), Campeón (1979), El tren del infierno (1985), Heat (1995), Misión imposible (1996), Anaconda (1997), Giro al infierno (1997), Legítima defensa (1997), Enemigo público (1998), Juego de campeones (1999), Pearl Harbor (2001), Tomb Raider (2001), Ali (2001).

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Gene Wilder

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W Gene WILDER [Jerome Silberman] Milwakee, Wisconsin (USA); 11/6/1933 Aquellos maravillosos años: Aunque ha pasado la mayor parte de su carrera trabajando en proyectos desarrollados por él mismo, Gene Wilder dio lo mejor de sí en sus tres películas con Mel Brooks, convertidas en clásicos de la comedia americana. Con sus raíces firmemente plantadas en las tablas de Broadway, Wilder conoció a Brooks en 1963 y pronto se estableció como uno de sus actores habituales. Debutó en el cine con un pequeño papel en Bonnie y Clyde, pero fue su interpretación del neurótico contable Leo Bloom en Los productores la que inició su celebrada colaboración con Brooks y le valió una nominación al Oscar. A partir de ahí su trayectoria se disparó y apareció en comedias tan dispares entre sí como Willy Wonka y la fábrica de chocolate y Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar. Wilder volvió a unirse a Brooks en Sillas de montar calientes y El jovencito Frankenstein, por la que obtuvo su segunda nominación al Oscar, esta vez como co-guionista. Espoleado por estos éxitos, en 1975 escribió, dirigió y protagonizó El hermano más listo de Sherlock Holmes, pero como todos sus posteriores trabajos tras las cámaras (con la excepción de la taquillera La mujer de rojo), los resultados fueron bastante decepcionantes.

El crepúsculo de los ídolos: En 1976, Wilder protagonizó junto a Richard Pryor la hilarante El expreso de Chicago. La evidente química entre los dos cómicos produjo otras tres colaboraciones de calidad progresivamente menguante: Locos de remate, No me chilles que no te veo y No me mientas que te creo. En 1982 conoció a la actriz Gilda Radner durante el rodaje de Hanky Panky. Se casaron en 1984 y trabajaron juntos en otras dos películas antes de que ella falleciera en 1989 víctima de un cáncer de ovarios. Devastado por la muerte de su esposa, Wilder decidió retirarse de la vista del público y fundó el Gilda´s Club, un grupo de apoyo para concienciar a la gente sobre el cáncer. ¿Quién sabe dónde?: Retirado del cine, Wilder sólo trabajó esporádicamente en la televisión durante los años 90, ejerciendo de guionista, director y actor en varios telefims, y como protagonista de la efímera sitcom Something Wilder (1994). En 1996 retornó a sus orígenes teatrales y debutó sobre los escenarios del West End londinense con la obra de Neil Simon “Laughter on the 23rd Floor”. En 1999 se le diagnosticó un linfoma de Hodgkin y tuvo que someterse a quimioterapia durante un año, recuperándose totalmente de su enfermedad en el año 2000. Filmografía básica: Bonnie y Clyde (1967), Los productores (1968), Empiecen la revolución sin mí (1970), Willy Wonka y la fábrica de chocolate (1971), Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar (1972),

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Sillas de montar calientes (1974), El jovencito Frankenstein (1974), El hermano más listo de Sherlock Holmes (1975, también director), El expreso de Chicago (1976), El mejor amante del mundo (1977, también director), El rabino y el pistolero (1979), Locos de remate (1980), La mujer de rojo (1984, también director), Terrorífica luna de miel (1986, también director), No me chilles que no te veo (1989), No me mientas que te creo (1991).

Debra WINGER Cleveland Heights, Ohio (USA); 16/5/1955 Aquellos maravillosos años: Debra pasó parte de su adolescencia en Israel, en cuyo ejército sirvió durante tres meses. De vuelta a California, sufrió un grave accidente en el parque de atracciones en el que trabajaba como guía y quedó en coma. Fue durante su recuperación cuando decidió que quería ser actriz, e hizo varios spots publicitarios antes de ser escogida en 1976 como la hermana menor de Lynda Carter en la serie Wonder Woman. Debutó en el cine un año después con la olvidable Fantasías sexuales, pero fue Urban Cowboy la película que comenzaría a hacerla popular. Concebida como vehículo estelar para un John Travolta en la cresta del éxito de Grease, Debra le robó todas las escenas. Sin embargo, su verdadero salto al estrellato le llegó con Oficial y caballero. A pesar de su disconformidad con las escenas de desnudo de la película, de sus peleas con el director Taylor Hackford y de su ya legendaria repulsa hacia su co-protagonista Richard Gere, ambos lograron una innegable química ante las cámaras, y Debra fue premiada con su primera candidatura al Oscar. Ese mismo año, también participó en el megaéxito de E.T., el extraterrestre poniendo voz al alienígena titular. A estas alturas, Debra estaba empezando a labrarse fama de actriz difícil. Durante el rodaje de La fuerza del cariño tuvo sonados enfrentamientos con Shirley MacLaine, lo que no impidió que ambas cosechasen sendas nominaciones al Oscar. Fue en esta época cuando Debra vivió un sonado romance con el senador Bob Kerrey, aunque poco después se casó con el actor Timothy Hutton. El crepúsculo de los ídolos: En 1986, Debra

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Debra Winger

apareció junto a Robert Redford en Peligrosamente unidos. Tan disgustada quedó con el resultado que abandonó su agencia de representación, Creative Artist Agency, la más poderosa del negocio. Aunque en su momento fue una decisión valiente, no es casualidad que a partir de entonces su carrera comenzara a derrumbarse. Tras cometer el error de rechazar el papel de Glenn Close en Atracción fatal y perder el que acabaría haciendo Holly Hunter en Al filo de la noticia, Debra pasó el resto de los 80 haciendo películas de bajo presupuesto. Su vida personal también se venía abajo, y en 1990 pasó por un traumático divorcio de Hutton. En los 90, Debra continuó apareciendo en películas de gran calidad artística pero poco tirón en taquilla, como El cielo protector o Tierras de penumbra, que le valió su tercera nominación al Oscar pero no fue suficiente para reavivar su ca-

rrera. Sí podría haberlo hecho la taquillera comedia Ellas dan el golpe, pero Debra abandonó el proyecto cuando Madonna fue contratada, y su lugar fue ocupado por Geena Davis. En 1995 protagonizó junto a Billy Crystal la comedia romántica Olvídate de París, que supuso un inesperado fracaso, y después se fue a Irlanda para trabajar en Divine Rapture junto a Johnny Depp y Marlon Brando, pero la producción fue cancelada cuando se llevaban apenas dos semanas de rodaje. Esta experiencia la hizo desilusionarse definitivamente con el mundo del cine, y decidió dejarlo todo atrás para centrarse en su vida familiar con su nuevo esposo, el actor Arliss Howard, con el que se casó en 1996. ¿Quién sabe dónde?: En 2001, Debra volvió de su “retiro” con Big Bad Love, una pequeña película independiente escrita, dirigida y co-protagoni-

zada por su marido. Picada de nuevo por el gusanillo del cine, en 2003 volvió a las producciones de grandes estudios con el drama deportivo Me llaman Radio. La decisión de Debra de mandar Hollywood a paseo impresionó tanto a la actriz Rosanna Arquette, que la convirtió en protagonista de su documental Searching For Debra Winger, que la pone como ejemplo de la lucha de las actrices de más de 40 años por seguir teniendo una posición en la industria. Filmografía básica: Por fin ya es viernes (1978), Urban Cowboy (1980), Oficial y caballero (1982), La fuerza del cariño (1983), Peligrosamente unidos (1986), El caso de la viuda negra (1987), El sendero de la traición (1988), El cielo protector (1990), Tierras de penumbra (1993), Olvídate de París (1995), Searching For Debra Winger (2002), Me llaman Radio (2003).

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Michael York

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Y Michael YORK Buckinghamshire (Gran Bretaña); 27/3/1942 Aquellos maravillosos años: Como la mayoría de actores ingleses, la carrera de Michael York tiene sus orígenes en el teatro. En 1965 fue invitado a unirse al National Youth Theatre, donde conoció al director Franco Zeffirelli, que le introdujo en el mundo del cine dándole papeles secundarios en sendas adaptaciones shakespearianas, La fierecilla domada y Romeo y Julieta. Muy apto para películas de aventuras como Los tres mosqueteros (y sus secuelas) o la futurista La fuga de Logan, York se especializó durante la década de los 70 en papeles de hombres disipados y seductores, como el Conde Andrenyi de Asesinato en el Orient Express y, sobre todo, el escritor expatriado Brian Roberts de Cabaret. También volvió a reunirse con su mentor Zeffirelli en la aclamada miniserie Jesús de Nazareth (1977), en la que interpretó a Juan el Bautista. El crepúsculo de los ídolos: Cuando su carrera cinematográfica entró en un claro declive en los años 80, York volvió a sus raíces teatrales sustituyendo a Richard Gere en el montaje de Broadway de la obra “Bent”, y participó en una versión musical de “El pequeño príncipe” que se saldó con un rotundo fracaso. También se estableció como una firme presencia en la pequeña pantalla, protagonizando un sinnúmero

de telefilms y consiguiendo papeles regulares en los culebrones Knots Landing (1987) y Falcon Crest (1987-1988). En 1992 retornó a Broadway para hacer “El crisol”. ¿Quién sabe dónde?: A finales de los noventa, una nueva generación de espectadores descubrió a York en su papel de Johnny Mentero, el Jefe de la Inteligencia Británica en las megataquilleras películas de Austin Powers. Sin olvidarse de la televisión, ha prestado su voz a varias producciones del History Channel, recibió una nominación al Emmy por la serie The Lot (2001), y en 2003 encarnó por cuarta vez al mosquetero D´Artagnan en la miniserie La Femme Musketeer. Además de seguir trabajando en el teatro radiofónico, York ha grabado más de 50 audiobooks, incluyendo una versión de su autobiografía “Accidentally on Purpose” y una lectura del clásico “La isla del tesoro” que fue candidata a un Grammy. Filmografía básica: La fierecilla domada (1967), Romeo y Julieta (1968), Cabaret (1972), Los tres mosqueteros (1973), Asesinato en el Orient Express (1974), Los cuatro mosqueteros (1974), La fuga de Logan (1976), Mi bello legionario (1977), La isla del doctor Moreau (1977), Fedora (1978), El regreso de los mosqueteros (1989), Austin Powers (1997), 54 (1998), Austin Powers: la espía que me achuchó (1999), Austin Powers en miembro de oro (2002).

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Sean Young

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Sean YOUNG Louisville, Kentucky (USA); 20/11/1959 Aquellos maravillosos años: Esta antigua modelo y bailarina siempre ha llamado más la atención por sus escándalos lejos de las cámaras que por sus trabajos ante ellas, lo que ha impedido su salto al estrellato. Debutó en el cine con pequeños papeles en Jane Austen en Manhattan y El pelotón chiflado, y llamó por primera vez la atención de los cinéfilos como Rachael, la bella y enigmática replicante de la que se enamoraba Harrison Ford en Blade Runner. Un incidente con Charlie Sheen durante el rodaje de Wall Street (el actor se burló de su egocentrismo pegándole en la espalda un cartel que decía “Soy una zorra”) comenzó a cimentar su fama de actriz caprichosa y difícil de tratar. Young estuvo a punto de abandonar la película en varias ocasiones, y al final, casi todas sus escenas se quedaron en el suelo de la sala de montaje. Su tremebundo revolcón con Kevin Costner en el asiento trasero de una limusina en el estimable thriller No hay salida, la lanzó a un fugaz estrellato, pero obtendría mucha más popularidad con su siguiente película, Impulso sensual, y no precisamente por motivos cinematográficos. Durante el rodaje, su supuesto romance con su co-protagonista James Woods se convirtió en la comidilla de Hollywood. Un año después, Woods presentó una demanda contra Young por acoso, alegando que se había dedicado a perseguirle y a amenazarle para que abandonase a su nueva novia. La demanda llegó a los tribunales, y la prensa amarilla se refociló con los detalles de una relación que fue comparada con la de la película Atracción fatal. Finalmente, Woods retiró la demanda, pero la imagen de Young ya había quedado definitivamente dañada.

El crepúsculo de los ídolos: En un intento de lavar su imagen, Young hizo el circuito completo de talk shows televisivos, concediendo explosivas entrevistas que no hicieron sino empeorar aún más la situación. Convertida en una paria de Hollywood, sus siguientes películas, Pájaros de fuego y Bésame antes de morir, fueron un fracaso. Young optó por abandonar Los Angeles y autoexiliarse en su Kentucky natal, perdiendo roles tan importantes como el de Vicky Vale en Batman y el de Breathless en Dick Tracy, que hubieran remontado su alicaída carrera. En 1991 apareció en el show de Joan Rivers, uno de los programas de máxima audiencia en USA, disfrazada de Catwoman, como protesta por haber perdido ante Michelle Pfeiffer el papel de la supervillana en Batman vuelve (aunque todo el mundo afirma que Tim Burton ni siquiera la había considerado para el puesto). De nuevo el hazmerreir de la industria, se vio confinada a trabajar en películas de bajo presupuesto y telefilms, con la única excepción de Ace Ventura, un inesperado éxito de taquilla en la que acompañaba a Jim Carrey. ¿Quién sabe dónde?: Colapsada su carrera cinematográfica, Young ha encontrado un confortable refugio en el medio televisivo: últimamente se la ha visto en Kingpin (una nueva producción del inagotable Aaron Spelling), A Force of One (la primera serie de TV de nacionalidad rusa filmada en USA), y en un papel recurrente en la exitosa Third Watch. Filmografía básica: El pelotón chiflado (1981), Blade Runner (1982), Los locos del bisturí (1982), Dune (1984), No hay salida (1987), Wall Street (1987), Impulso sensual (1988), Un toque de infidelidad (1989), Pájaros de fuego (1990), Bésame antes de morir (1991), Ellas también se deprimen (1993), Ace Ventura, un detective diferente (1994), Ingenuas y peligrosas (2001).

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Billy Zane

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Z Billy ZANE [William George Zane Jr.] Chicago, Illinois (USA); 24/2/1966 Aquellos maravillosos años: El gusanillo de la interpretación mordió a Billy Zane en sus años de estudiante en la Francis Parker High School de Chicago, donde tenía como compañeras de clase a Daryl Hannah y Jennifer Beals. Después de graduarse, se fue a buscar fortuna a Los Angeles, y pronto consiguió un pequeño papel en Regreso al futuro, como uno de los pandilleros que hacen la vida imposible a Michael J. Fox, rol que repetiría en la primera secuela. En 1987 fue seleccionado para hacer de Johnny Castle en Dirty Dancing, pero durante los ensayos el director Emile Ardolino se dio cuenta de su ineptitud como bailarín y le sustituyó por Patrick Swayze. Zane no se vino abajo, y no tardó en obtener su primera cuota de atención gracias a su interpretación del psicópata que aterroriza a Nicole Kidman en el thriller australiano Calma total. Fue en el set de esta película donde conoció a la actriz Lisa Collins, con quien estuvo casado entre 1988 y 1995. Después de pasar la primera mitad de los 90 en papeles secundarios, Zane conseguiría al fin su primer protagonista como el héroe titular en la adaptación cinematográfica del cómic El hombre enmascarado, que se saldó con un sonado fracaso crítico y comercial. Sin embargo, se recuperó de este traspiés con el rol más popular de su

carrera, el del malvado prometido de Kate Winslet en la multimillonaria Titanic. El crepúsculo de los ídolos: A pesar de la gran exposición que le dio su participación en Titanic, las ofertas de trabajo no abundaron para Zane en los años siguientes. Ésto pudo deberse a su escaso tirón como actor protagonista; a su fama de difícil y conflictivo; o incluso a la incipiente calvicie que le obligó a afeitarse la cabeza. Sea como fuere, lo cierto es que Zane decidió volver a sus raices televisivas, interviniendo en miniseries como Sole Survivor (2000) -adaptación del best seller de Dean Koontz- y telefilms como Cleopatra (1999), durante cuyo rodaje inició una relación de dos años con la actriz Leonor Varela. También prestó su voz a películas y series de animación -Pocahontas II, Batman, Superman- e incluso a varios videojuegos. ¿Quién sabe dónde?: Mientras sigue poniendo voz a juegos de ordenador, Zane ha hecho un número de películas para televisión y vídeo, y ocasionalmente se asoma a la gran pantalla, como su cameo autoparódico en Zoolander, o su aparición en el drama independiente The Believer. Después de rodar Dead Fish en Inglaterra, regresó a Nueva York para interpretar al abogado Billy Flynn en el musical de Broadway “Chicago”. Filmografía básica: Calma total (1989), Memphis Belle (1990), Orlando (1992), Sniper (1993), Tombstone (1993), Sólo tú (1994), El caballero del diablo (1995), El hombre enmascarado (1996), Titanic (1997), Zoolander (2001), The Believer (2001).

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